LA CARRERA AL OSCAR 2015 DOS TONTOS TODAVÍA MÁS TONTOS. IGUAL DE TONTOS QUE ENTONCES ORÍGENES. EL OJO, ESPEJO DEL ALMA INTERSTELLAR. NOLAN Y EL AMOR QUE MUEVE EL UNIVERSO.
17 de diciembre de 2014
TOP TEN MEJORES SOUNDTRACKS 2014

01. INTERSTELLAR – Hans Zimmer 


En lo más alto de nuestro TOP TEN de bandas sonoras del 2014, hemos colocado al que consideramos mejor trabajo de Hans Zimmer en años, y uno de los más completos de su carrera. Intestellar, gana en trascendencia, en su aspecto filosófico y metafísico, en su épica espacial y en su parte más familiar e íntima gracias a la colosal música del compositor alemán dominada por la fuerte presencia del órgano. Un Zimmer grandioso.

02. PERDIDA – Trent Reznor y Atticus Ross 

Segunda posición de esta lista para una de esas bandas sonoras ambientales que se funden a la perfección con las imágenes a las que ilustran musicalmente. El misterio, la cotideanidad y la calma tensa y sospechosa de un matrimonio no demasiado bien avenido y algo resentido aportados por la novela de Gillian Flynn y la adaptacion de David Fincher y la banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross en su tercera colaboracion con Fincher.

03. EL VIENTO SE LEVANTA – Joe Hisaishi 

Cerrando el podio de las mejores bandas sonoras del 2014, uno de los compositores más admirados en "El Séptimo Cielo". Lástima que “El viento se levanta” vaya a ser la última vez que Joe Hisaishi trabaje para el maestro de la animación japonesa Hayao Miyazaki, porque de su unión han salido grandes obras maestras de la música de cine como “El castillo ambulante” o “El viaje de Chihiro” entre otras. Para la despedida del cine de Miyazaki, Hisaishi volvió a una ofrecernos una deliciosa composición que volaba tan alto como el aeroplano de Jiro, protagonista de esta historia de amor a la naturaleza y al ser humano.

 04. LA VIDA INESPERADA – Federico Jusid y Lucio Godoy

Dignísima partitura deudora del mejor George Gershwin, uno de los músicos neoyorkinos más venerados de la historia de la música, y también de la música de Cine. Lo de ser neoyorkino no lo decimos por capricho, y es que la película española La vida inesperada, viajaba precisamente a la gran manzana para contarnos las andanzas de Javier Cámara y Raúl Arévalo en la inmensa ciudad de los rascacielos y de ahí que el duo formado por Federico Jusid y Lucio Godoy rememorase el estilo puramente americano de Gershwin para componer la banda sonora de esta película de españoles por el mundo.

 05. HER – Will Butler y Owen Pallett

Will Butler y Owen Pallett, dos miembros de la formacion canadiense Arcade Fire Llegamos al puesto 5 con un trabajo compuesto a cuatro manos Will Butler, miembro de la formacion canadiense Arcade Fire y uno de los colaboradores habituales de ella, Owen Pallett. Ambos debutaban en el cine de Spike Jonze captando el tono minimalista, delicado y melancolico de una de las películas más imaginativas del año. “Her” en la cual Joaquin Phoenix nos demostraba que un mundo despersonalizado era posible enamorarse de un sistema operativo diseñado para complacerte, especialmente si éste tenía la sensual voz de Scarlett Johannson, la cual,además, ponía voz al tema principal de la película.

06. EL GRAN HOTEL BUDAPEST – Alexandre Desplat 

En el puesto número 6 una partitura lúdica y brillante de un compositor francés que está en todas, y siempre con trabajos muy reseñables, Alexandre Desplat y que en Fantastic Mr.Fox ya demostró saber captar a la perfección el universo tan particular del director Wes Anderson. Para su ultima colaboración, El Gran Hotel Budapest, Desplat buscó capturar el sonido de la europa de entreguerras y para ello contrató a cerca de una treintena de músicos rusos expertos en el instrumento de cuerda más famoso del país, la balalaika. El resultado fue singular. Como el cine de Anderson.

 07. LAS DOS CARAS DE ENERO – Alberto Iglesias 

En ese intento por rememorar ambientes de suspense clásicos propios de Alfred Hitchcock llamado “Las dos caras de Enero”, lo que verdaderamente sobresalía en ella era su banda sonora, un trabajo con predominio del piano del siempre elegante músico español, Alberto Iglesias. Dirigida por Hossein Amini, adaptando la novela de Patricia Highsmith y con un triangulo amoroso y criminal muy particular, conformado por Oscar Isaac, Kirsten Dunst y Viggo Mortensen.

 08. UNDER THE SKIN – Mica Levi 

En el puesto número 8 una de las músicas más extrañamente incómodas y desasosegantes de la temporada. Prohibido escucharla aisladamente en casa, no acompañada de las imágenes a las que pone banda sonora, que no son otras que las de una de las marcianadas del año, la película de Johnathan Glazer, “Under the Skin” más comentada por sus secuencias de desnudo de Scarlett Johansson que por el efecto inquietante que crea en el espectador, que difícilmente podrá olvidar alguno de los potentes y desoncertantes momentos que contiene esta cinta. La música, repetimos, incrementa el mal rollo provocado por “Under the skin” y está compuesta por una cantautora de apenas 27 años que atiende al nombre de Mica Levi y que debuta en el cine con esta banda sonora.

 09. JOVEN Y BONITA - Phillipe Rombi

Hay algo sugerente en todas las películas del francés Francois Ozon y parte de esa sensación está provocada por la música del compositor galo Phillipe Rombi, músico habitual de Ozon y del que ya escuchamos sus bandas sonoras para títulos anteriores del director como En la casa o Swimming Pool. En esta historia de una adolescente que cambia las clases por la prostitución de un modo casi caprichoso, la música volvía a correr a cargo de Rombi y sonaba como siempre a delicadeza y a esa citada sugerencia.


10. AL ENCUENTRO DE MR.BANKS - Thomas Newman

Thomas Newman era nominado al Oscar por duodecima vez en su carrera por este trabajo que ponía música a la historia de la gestación de una de las películas familiares más populares de la historia del cine, Mary Poppins. La relación entre Walt Disney encarnado por Tom Hanks y la creadora del personaje de Mary Poppins, P.L.Travers interpretada por la británica Emma Thompson en Al encuentro de Mr.Banks.

Read more
9 de diciembre de 2014
LA CARRERA AL OSCAR 2015

Hay cinéfilos que miden el mes de Diciembre no por la cantidad de turrón de jijona ingerido ni por los décimos de lotería comprados, ni siquiera por las veces que has buscado esos zapatos marrones que tu amigo invisible ha pedido por Navidad, sino por las menciones que "Boyhood" acumula entre las asociaciones de la crítica norteamericana, por las numerosas veces que la última película de Godard ha entrado en los Top Ten de las mejores películas del año o por las nominaciones al Oscar que a juzgar por los gremios de trabajadores del cine tendrá Clint Eastwood en la próxima edición de estos premios.

Apenas a un par de días de que se anuncien las nominaciones a los Globos de Oro, desde "El Séptimo Cielo" hemos querido pensar no en el sujeto que está al día de todo lo que se cuece en la dura batalla hacía la estatuilla dorada sino en aquel que enfrascado en la ardua misión de encontrar esos zapatos marrones por todas las tiendas de la ciudad no tiene tiempo para conocer que películas podrán competir por el Oscar en el próximo mes de Febrero.

Por eso, hemos seleccionado una serie de títulos que con toda probabilidad pelearán por un puesto entre las nominadas al premio Oscar. Algunas se quedarán en el camino y otras ocuparán su lugar, pero estamos seguros de que la mayoría de estas 13 películas serán carne de Oscar 2015.


THE IMITATION GAME (DESCIFRANDO ENIGMA". 
Rara vez en los últimos 7 años la película ganadora del Premio del Festival de Cine de Toronto se ha quedado fuera de las nominaciones al Oscar a Mejor Película, y en ocasiones (“12 años de esclavitud”, “El discurso del Rey”, “Slumdog Millionaire”) ésta ha coincidido con la ganadora de la máxima estatuilla. La película que esta edición se ha llevado el gato al agua en Toronto ha sido “The Imitation Game”, cinta con no pocas caractéristicas que la hacen fuerte candidata a nominación. Por un lado, la presencia del inefable productor Harvey Weinstein, puede que algo disgustado por su escasa presencia en el palmarés de los últimos Oscar. También, una historia muy del gusto de la Academia, basada en un hecho real e histórico fundamental para acabar con la Segunda Guerra Mundial, como fue la de conocer las claves de la maquina de comunicación de los nazis, la Enigma, y la figura de la persona que descifró sus códigos, Alan Turing, matemático por cuya orientación sexual sería procesado. Un actor al alza como Benedith Cumberbatch tiene la nominación asegurada por meterse en la piel de este personaje al que la película parece reverenciar. Keira Knightley es su compañera femenina en el reparto, Alexandre Desplat pone la música y Morten Tyldum, ese noruego que dirigió la excelente “Headhunter”, está tras las cámaras en su debut en la industría norteamericana. Demos a “Descifrando Enigma” por segura en la noche de los Oscar.


EL GRAN HOTEL BUDAPEST
Con cada edición de los Oscar es menos frecuente que una película estrenada a comienzos de año pueda colarse entre las nominadas finales al premio. Las compañías guardan sus ases en la manga para lucirlos en los meses cercanos a las candidaturas (meses de Noviembre y Diciembre) convenciendo así a los académicos de que esos títulos estrenados en "temporada de Oscar" son las mejores opciones elegibles. Pero ocurre que, en ocasiones, una película vista en fechas tempranas acaba haciendose fuerte por méritos propios y logra colocarse en buena posición en la carrera. "El Gran Hotel Budapest", estrenada en Marzo por Fox, es un claro ejemplo de esta circunstancia.  La última película de Wes Anderson es todo un alarde del ingenio, sentido del humor y talento visual del realizador tejano, sin duda uno de los autores más personales de la industria norteamericana al cual la Academia ha nominado en tres ocasiones, dos como guionista ("Moonrise Kingdom", "Tennembauns") y otra a su película animada ("Fantastic Mr.Fox") pero nunca con recompensa final. Puede que con "El Gran Hotel Budapest", la película más taquillera en la carrera de Anderson, sea un buen momento para que los Oscar reconozcan la labor de Anderson en todos los niveles, pudiendo ser candidato en la categoría de Mejor Director o Mejor Película. Otros aspectos como su guión, su dirección artística, su banda sonora (de nuevo, Alexandre Desplat) o un excelente Raph Fiennes también podrían colarse en las nominaciones.


LA TEORIA DEL TODO
"La teoría del todo" es uno de los muchos biopics que participan en esta carrera por el Oscar 2014. Dirigida por James Marsh, ganador del Oscar por el documental "Man on Wire", "La teoría del todo" viene a contarnos la relación entre el científico Stephen Hawking y su primera esposa, Jane Wilde, que le acompañó cuando le fue diagnosticada su enfermedad degenerativa. Un biopic de superación personal sobre un personaje popular y conocido por todos, condiciones que otorgan a esta película numerosas opciones de candidatura, más cuando recibió fuertes aplausos en la pasada edición del Festival de Toronto. El "miserable" Eddie Redmayne y Felicity Jones ("Like Crazy") son las dos grandes bazas interpretativas de la película, pero tampoco conviene descartar su preciosa banda sonora compuesta por Johann Johannson o su guión escrito por Andrew McCarten, verdadero valedor de esta película, adaptando las memorias de la propia Jane Wilde.

BOYHOOD
En todas las ediciones de los Oscar existe un "frontrunner" o "favorito en la carrera" al premio. Si nos atenemos al recibimiento unánime de la crítica, y a los primeros premios de los plumillas cinematográficos de EEUU (premiada por el Círculo de críticos de Nueva York, Boston, Los Angeles y NY online) , la cinta de Richard Linklater, es sin duda el"frontrunner" de este 2014. Además, Linklater consiguió el Oso de Plata a Mejor Director en el Festival de Berlín y su "Boyhood" tiene el valor añadido de su rodaje e historia dilatada en el tiempo durante más de 12 años, lo cual le otorga la condición de "película acontecimiento", algo de lo que Hollywood anda escaso. Por su carácter diferenciador creemos en el favoritismo de la película que es "como la vida misma", y la consideramos muy posible candidata en categorías como Mejor Película, Director, Actriz secundaria (Patricia Arquette), Actor secundario (Ethan Hawke) montaje y guión original (Linklater ha optado al Oscar por dos de sus guiones para su trilogía "Antes del amanecer", sin conseguir premio alguno). Logre o no todas estas nominaciones, los Oscar de este año contarán un amplio protagonismo para "Boyhood".


AMERICAN SNIPER, EL FRANCOTIRADOR
Sería insensasto descartar a Clint Eastwood y a su último trabajo, "El francotirador" de la carrera hacía el Oscar. Tras pinchar en hueso con su otro trabajo de 2014, la adaptación del musical de Broadway, "The Jersey Boys", Eastwood tiene la oportunidad de resarcirse de ese pequeño traspiés con una película que a punto estuvo de dirigir Steven Spielberg, el cual se apeó del proyecto en el último momento. La cinta cuenta la historia de Chris Kyle, uno de los francotiradores más certeros del ejercito norteamericano en la Guerra de Irak y está basada en sus propias memorias. Se da la circunstancia de que Kyle falleció el pasado año 2013 en un caso todavía por esclarecer. Al parecer fue asesinado en un campo de tiro por un ex-compañero de la guerra de Irak, detalle el cual desconocemos si mencionará la película. Según las opiniones recogidas allá por donde se ha proyectado la película, Bradley Cooper compone el mejor trabajo de su carrera encarnado al letal francotirador. Warner está detrás de ella haciendo campaña para que Eastwood, Cooper, Sienna Miller, el guión de Jason Hall ("El poder del dinero") o su montaje puedan estar nominados.


BIRDMAN O LA INESPERADA VIRTUD DE LA IGNORANCIA
¿Alejandro González Iñárritu haciendo una comedia? Cualquier cosa es posible si esto ha podido ocurrir. El director de dramones monumentales como "Biutiful" o "21 gramos" cambia radicalmente de registro para contarnos la historia de un veterano actor que fue famoso tiempo atrás por meterse en la piel de un superheroe llamado "Birdman" y al que ahora intenta resucitar para recuperar el crédito perdido. Michael Keaton (¿he oído Batman?) a sus más de 60 años es la gran estrella de la función y su vuelta al primer plano de la industria lo más aplaudido de una película compuesta por larguísimas escenas sin interrupciones, casi planos secuencia en los que secundarios como Emma Stone, Edward Norton o Naomi Watts pueden lucirse. Puede caer nominación para alguno de ellos, como también para el trabajo de fotografía de Emmanuel Lubezky (que ya ganó el pasado año por "Gravity"), a la música jazz de Antonio Sánchez, la dirección de Iñarritu, a su montaje, su guión y a la propia película.


A MOST VIOLENT YEAR
La familia y el crimen organizado. Dos temas que en el cine siempre han ido de la mano con excelentes resultados y con los que directores como Scorsese, Coppola o De Palma han ofrecido algunos de sus mejores trabajos. De estos realizadores y sus películas mafiosas parece haber tomado ejemplo J.C.Chandor para dirigir su tercera película, "A most violent year", en la que Oscar Isaac y Jessica Chastain intentan prosperar en medio de la fuerte violencia y corrupción del Nueva York de principios de los años 80. Chandor ha recibido excelentes críticas por este trabajo y con él,su emergente carrera tras las cámaras puede encontrar el espaldarazo definitivo de la industria tras haber sido nominado como guionista por su película debut, "Margin Call", y olvidado por su siguiente trabajo, "Cuando todo está perdido" aquella odisea marina protagonizada por Robert Redford. Ha sido galardonada como Mejor Película por la National Board of Review, lo cual parece asegurarle una nominación a Mejor Película en los Oscar pero no necesariamente la victoria si repasamos las últimas ganadoras de estos premios ("Her", "La noche más oscura", "La invención de Hugo", "La red social" o "Up in the air"). Con suerte, Chandor pueda estar doblemente nominado como Director y Guionista, Alex Ebert por su banda sonora, Chastain y Isaac o el secundario David Oyelowo en categorias interpretativas, o Bradford Young por su labor en la dirección de fotografía.


PERDIDA
Los Oscar tienen una deuda con David Fincher. El que, sin duda, es uno de los cineastas más importantes del cine norteamericano vio como "La red social" salía perdedora del enfrentamiento en los Oscar de 2011 con "El discurso del rey", como una gran obra como "Zodiac" era ignorada en las nominaciones o como "El curioso caso de Benjamin Button" solo era premiada en 3 categorías menores de las 13 a las que optaba en los premios Oscar de 2009. No parece que "Perdida" sea la opción más apropiada para que la Academia decida saldar la deuda con Fincher, pero no sería la primera vez que la Academia por fin reconoce a un cineasta por una película menor después de haberle dado la espalda con títulos más dignos y merecedores de la estatuilla (Scorsese). Efectivamente, "Perdida" no es la mejor película de Fincher, pero aún así es un trabajo por encima de la media que podría encontrarse con candidaturas en categorías como Mejor Película, Director, el guión adaptado por la propia escritora del Best-Seller, Gillian Flynn, Actriz (Rosamund Pike es la mejor de todo su reparto), la envolvente banda sonora de Trent Reznor y Atticus Ross, o la fotografía de Jeff Cronenweth, dos veces nominado por sus colaboraciones con Fincher y al igual que el director, todavía sin Oscar.


WHIPLASH
Tras escribir los guiones de "El último exorcismo 2" o "Grand Piano" de Eugenio Mira, el jovencisimo Damien Chazelle (29 años), ganó el Gran Premio del Jurado y Premio del Público en la pasada edición del Festival de cine independiente de Sundance con "Whiplash" un proyecto personal que fue cortometraje antes que largometraje y en la que repite inquietud argumental, el jazz. Si en su debut, "Guy and Madeline on a Park Bench" su protagonista era un trompetista en plena ruptura sentimental, en "Whiplash" es un joven batería de jazz (Miles Teller) que en su empeño por convertirse en mejor músico sufre la instrucción casi militar del veterano y talentoso director de conservatorio al que encarna el habitual secundario J.K.Simmons. Es precisamente este actor, visto en multitud de títulos independientes y no tan independientes de Hollywood (desde los Coen hasta Jason Reitman pasando por franquicias como Spiderman) la verdadera estrella de esta película y principal candidato a logra el Oscar a Mejor Actor Secundario. La crítica está del lado de "Whiplash" y sus cuatro nominaciones a los Independent Spirit Awards han reforzado sus opciones de cara al Oscar. Además de posible candidata a Mejor Película y a Mejor Actor Secundario también podría encontrar candidaturas en Actor Principal (Miles Teller), Dirección, Guión o Banda Sonora.


SELMA
Las proyecciones del Festival del Instituto de Cine Americano incorporaron una nueva candidata inesperada a la carrera al Oscar, "Selma" de Ava DuVernay, relato sobre las marchas afroamericanas por la igualdad de derechos civiles en los años 60, lideradas por Martin Luther King, que recibió fuertes aplausos del público y acaparó la atención de la crítica. Efectivamente, estamos ante otra película que cubre la cuota racial en los Oscar (recordemos que película ganó el pasado año), otra narración basada en hechos reales basada en una importante personalidad norteamericana como es Luther King y otra película con fuertes nombres de la industria tras su producción (la todopoderosa Oprah Winfrey y Brad Pitt, que ya produjo "12 años de esclavitud"). "Selma" se está convirtiendo en una competidora sorpresa que gana fuerza conforme avanzan los días, siendo la dirección de la afroamericana Ava DuVernay, el trabajo intepretativo de David Oyelowo encarnando al famoso activista o el guión del debutante Paul Webb lo mejor recibido y posicionado de cara al Oscar. 


INVENCIBLE
Las historias de superación personal son otro de los temas favoritos de los premios Oscar, quizá por ello, Universal Pictures lo ha apostado todo por esta recreación de la vida del atleta olímpico norteamericano Louis Zamperini, el cual tras alistarse en el ejército de los Estados Unidos participó en la Segunda Guerra Mundial donde fue capturado y retenido en un campo de prisioneros japonés. Un proyecto largamente acariciado por la compañía que ahora ha convertido en realidad Angelina Jolie, en su segundo trabajo como directora, con un guión en el que participan los mismisimos hermanos Coen. El aspecto de “Invencible” luce increiblemente académico y oscarizable, algo que puede jugar a su favor, pero también en su contra. El eterno nominado Roger Deadkins está tras su fotografía. Alexandre Desplat compone la música e incluso Coldplay ha creado su tema principal. Un detalle que puede jugar a su favor es el fallecimiento del propio Zamperini a los 97 años el pasado mes de Julio, lo cual tocará el corazoncito de algún académico. Además, presenta a una de las grandes promesas interpretativas del momento, el británico Jack O´Connell (visto en “Eden Lake” o “71”).


INTERSTELLAR
De todos los trabajos del admirado y odiado a partes iguales, Christopher Nolan, sólo "Origen" fue candidata al Oscar a Mejor Película. Por mucho que lo reclamasen los seguidores de Batman, ni "El caballero oscuro" ni "Batman Begins" consiguieron nominación, como tampoco otros títulos del director británico como "Memento". A estas alturas, Nolan no tiene ni un Oscar ni siquiera un Globo de Oro, algo que "Interstellar" bien podría remediar de no ser por el reciente éxito en los Oscar de otra película de similares características, "Gravity". Dos películas espaciales acumulando Oscars puede ser demasiado para una Academia que no ha demostrado a lo largo de su historia especial querencia por el género de la ciencia-ficción. O quizá pueda ocurrir el caso contrario; la carga de culpa por la falta de atrevimiento que hizo que los académicos coronasen a "12 años de esclavitud" frente a "Gravity" puede revertirse en una expiación personal de los votantes otorgando nominaciones y premios a "Interstellar" y justificando así su aprecio por el género. Dudamos que pueda darse este último caso, al menos en cuanto a la victoria final de la película en la que Matthew McConaughey se va al espacio, pero no dudamos que "Interstellar" por su brillante factura técnica y su emocionante narración pueda acaparar el mayor número de nominaciones de esta edición.

MR.TURNER
Ya sea como director o guionista, el británico Mike Leigh acumula la cifra de 7 nominaciones al Oscar, bien por títulos que estuvieron metidos de pleno en la lucha por los Oscar ("Secretos y mentiras") o por otros que pasaron más desapercibidos ("Happy-Go-Lucky", "Another year"). La cuestión es que Leigh es uno de los directores foráneos preferidos por la Academia y si a eso unimos que "Mr. Turner" es una de sus películas mejor recibidas de los últimos años, podemos empezar a tener muy en cuenta a esta cinta en la pelea por el Oscar. Sony Pictures está tras su promoción y la buena acogida en Cannes será una de sus bazas a jugar, como también la de la interpretación de Timothy Spall, el gran protagonista de la función que encarna al reconocido pintor del siglo XIX,  J.M.W. Turner en el último tramo de su carrera. Su nominación a Mejor Actor suena como segura, como también pudieran serlo las de mejor dirección, película o guión.
Read more
25 de noviembre de 2014
IGUAL DE TONTOS QUE ENTONCES

A principios de 1995, yo tenía 12 años, pero insistía continuamente en que en apenas unos meses serían 13 y no 12, como si esa nueva edad significase un salto inmediato e irreversible a la madurez. 

Por aquel entonces, acudía al cine por encima de mis posibilidades y veía un buen número de películas, todavía asesorado por mis padres, especialmente por mi padre, el cual, por defecto profesional, vivía continuamente informado de las calificaciones morales de las películas que se estrenaban cada Viernes.
Por ejemplo, ellos consideraban que era adecuado que viese “Loca Academia Misión en Moscú” pero no “Seven”. Que “Los Picapiedra”, “Superdetective en Hollywood III” o “Speed” era aptas para mi como no lo eran “Heat” o “Casino”. Comedias, cine familiar o cintas de acción para todos los públicos tenían el beneplácito parental, con algunas concesiones excepcionales como “La nueva pesadilla de Wes Craven”, por eso de las gafas 3D.
Yo, que ya tenía la escalofriante edad de “casi 13 años”, me rebelaba contra películas como “Casper”, demasiado infantiles para alguien de mi avanzadisima edad y abrazaba con entusiasmo las andanzas de Bruce Willis y Samuel L. Jackson en “La Jungla de Cristal. La Venganza" donde el bueno de John Mclane decía tacos y desactivaba bombas por las calles de Nueva York.
Andaba buscando el equilibrio cinéfilo de la pubertad, ese periodo vital completamente comprometedor donde cada decisión tiene una trascendencia fundamental para tu yo futuro.

Entonces, un 30 de marzo de 1995, llegó a las pantallas españolas “Dos tontos muy tontos”, película cuyo título apuntaba, a ojos de los tutores de mi educación, risas ingenuas adecuadas para seres imberbes y cuyo protagonista, Jim Carrey, actor de comicidad gesticulante, había pasado el filtro censor gracias a dos simpaticos y recientes estrenos como eran “Ace Ventura” y “La Máscara”.
Y allá que fui, un tanto receloso, pues aunque había disfrutado con el Jim Carrey de “Ace Ventura” y “La Máscara” prefería ver otros títulos que se proyectaban en los cines de Albacete en aquel preciso momento como “Cadena Perpetua” o “Pulp Fiction” los cuales se ajustaban más a mi recien emprendida misión de crecer cinematográficamente. 

No tuve tiempo para lamentarme porque aunque, efectivamente, había un buen catálogo de las muecas de un Jim Carrey en pleno apogeo así como algún chiste más bobalicón de lo normal, “Dos tontos muy tontos” supuso ser una obra clave y fundamental para alguien en plena edad del pavo, ávido de descubrir pero más acostumbrado a reir como era yo en 1995. 
Había pasado automáticamente de la comedia blanca a la comedia completa, donde escatología, estupidez, parodia, algo de humor negro, absurdo y humor físico se daban la mano alternando largos viajes en carretera con éxitos musicales de los 90. Aquellas semanas, coincidiendo con las vacaciones de Semana Santa acudí una y otra vez al cine, casi compulsivamente, a ver los mismos gags protagonizados por Jim Carrey y Jeff Daniels habiendo ya olvidado que “Cadena Perpetua” y “Pulp Fiction” también se estaban proyectando.

Con el paso de los años, avancé en la comedia.Descubrí a Blake Edwards y Peter Sellers, a Mel Brooks, a los Zucker y a Leslie Nielsen, a Lemmon y Matthau, a Harold Ramis, a Chaplin, los Hermanos Marx y seguí muy de cerca la (desigual) carrera de Jim Carrey. Pero siempre tuve un hueco especial para la película con que debutaron los Hermanos Farrelly. Un título clave de la comedia de los 90 y de mi propia manera de entender el cine de humor. 
Cuatro años después llegaría “Algo pasa con Mary” que se llevaría las alabanzas unánimes de crítica y público en un intento casi consensuado de poner en el lugar que merecía al cine de comedia de los hermanos Farrelly. Pero no para mi. “Dos tontos muy tontos” ya apuntaba las mismas ideas tiempo antes.

Ahora han pasado algo más de 20 años desde el estreno norteamericano de “Dos tontos muy tontos”. Yo ya sobrepaso los 32 años y no voy diciendo por ahí que tengo casi 33, sino más bien todo lo contrario. Peino alguna cana y tapo alguna entrada. Hago deporte para poder mantener la forma y sigo yendo al cine con parecida asiduidad. Es por eso que volver a ver a Harry y Lloyd en la gran pantalla significa lo mismo que encontrarte a un viejo amigo del colegio con el que cambiaste cromos y patadas a un balón. Te alegras de volver a verlos y el rato compartido podría ser lo más parecido a viajar atrás en el tiempo, aunque no puedes evitar analizar cual ha sido su evolución y como ha cambiado uno mismo desde entonces. 

Harry y Lloyd también han envejecido pero siguen haciendo las mismas tonterias sin temor a resultar decadentes. No han evolucionado. Han estado en su propio letargo y salen de su refugio para repetir gags, viajes por carretera y chistes sobre disminuidos físicos como si fuera 1994. Te da un poco de compasión ver que para ellos todo sigue igual, rozando los 50 años y tan idiotas como siempre, haciendo las mismas bromas pero menos ágiles que entonces. Aunque entiendes que, para un rato que vuelves a verlos, no es momento de enjuiciarlos y si de agredecerles aquellos buenos ratos de hace dos décadas prestando atención a sus benditas patochadas. 

Decido dejarme llevar y me sorprendo a mi mismo llorando de la risa con “Dos tontos todavía más tontos” recordando con estos dos viejos retrasados tiempos lejanos de cuando nos comiamos el mundo. Demuestran conocerme, brindandome un guiño a mi serie favorita, "Breaking Bad". Todo un detalle que aprecio. Nos secamos las lagrimas derramadas con las carcajadas, nos despedimos satisfechos y suena “Me and You” de Jake Bugg. Seguimos con nuestras vidas, que ahora elegimos nosotros, entendiendo que ese sentimiento llamado “nostalgía” no siempre tiene porque tener un significado negativo.
Read more
14 de noviembre de 2014
EL OJO, ESPEJO DEL ALMA

Hasta la fecha y con solo dos títulos en su haber, el norteamericano Mike Cahill se está mostrando como uno de los directores norteamericanos más interesantes de su generación, con una capacidad especial para dotar de sensibilidad y emociones a sus relatos, sacar el máximo provecho de modestas producciones y mostrarse especialmente atraido por la ciencia hasta el punto haber cimentado sus dos primeros relatos a partir de ella. 

Tras debutar en la ficción con la humilde e indie “Otra Tierra”, película que marcaba las pautas e intereses del cine del realizador donde el drama personal marcado por un acontecimiento trágico encontraba una válvula de escape en la ciencia-ficción íntima marcada por la pasión de su protagonista principal (Brit Marling, que repite colaboración) por la astronomía, Cahill se enfrenta ahora al siempre complicado segundo trabajo sin desviarse un ápice de sus preferencias como autor. 

"Orígenes" vuelve a ser una historia sensible y conmovedora, como ya lo era, "Otra Tierra", compartiendo con ella el estilo independiente depurado y elegante, la excusa de ese hilo conductor científico y de ciencia-ficción como medio para contar una preciosa historia de amor protagonizada por un biólogo molecular -al que interpreta Michael Pitt ("Soñadores")- obsesionado por el iris y el proceso evolutivo del ojo humano, que una noche se enamora de una chica, encarnada por la actriz de origen español, Astrid Bergés-Frisbey, cuyos ojos son particularmente especiales. 
Lo que comienza como un romance donde las casualidades juegan un papel importante, girará hacía el drama por medio de un giro argumental descorazonador. Es en ese momento cuando el trasfondo científico que permanecía relegado a un segundo plano por la historia romántica cobra relevancia, entrando en escena temas eternamente discutidos como el dilema entre ciencia y fe, religión o azar. La gran virtud de Cahill es no solo saber integrar con solvencia y naturalidad estos dispares temas en su película, sino también ser emotivo en sus intenciones. El resultado es un título a medio camino entre lo espiritual y lo racional, a ratos fascinante, que reflexiona sobre los límites del ser humano en el universo. Una obra delicada, más ambiciosa de lo que su aspecto indendiente muestra y que funciona armonicamente en su híbrido de géneros, cualidades que la hicieron merecedora del Premio a la mejor Película en la pasada edición del Festival de Sitges.
Read more
11 de noviembre de 2014
EL AMOR QUE MUEVE EL UNIVERSO

“El amor es lo único que trasciende el tiempo y el espacio”. Es la doctora Brand (que encarna la oscarizada Anne Hathaway) quien pronuncia, en su monólogo sobre el amor como razón de todas las cosas, estas palabras que resumen a la perfección el motor de la epopeya espacial gestada por uno de los cineastas más abiertamente títanicos, atrayentes, grandilocuentes y también controvertidos del Hollywood actual, Christopher Nolan. 

El responsable de títulos como “Memento”, “El truco final” o la saga de “El Caballero Oscuro” abraza en esta ocasión la ciencia-ficción dura y entiende que para que su compleja propuesta pueda llegar al espectador sin que este se apee en el camino debe compensar la exigencia científica formulada en su argumento con un motivo emocional que acompañe a ese viaje suicida al espacio exterior que emprende el personaje de Matthew McConaughey y compañía. 
De ahí, la explicación de todo lo que sucede en el primer acto de “Interstellar”, dominado por el melodrama paternofilial en un mundo postapocalíptico recubierto de arena. Los ecos de Spielberg, el Zemeckis de "Contact" y Shyamalan (¿quién no recuerda aquí a “Señales”?), los mismos que ya existían en la reciente “Looper”, son un declaración de intenciones por parte de los Nolan (guión firmado a cuatro manos por Christopher y su hermano Jonathan) cuyo posterior salto al infinito encuentra justificado en amparar el futuro de una modesta familia de granjeros huérfana de madre. O lo que es lo mismo, la búsqueda de la supervivencia del planeta Tierra provocada por una pelirroja e inocente niña. Una construcción argumental puramente ochentera y familiar. 

En esas labores de cabeza de familia encontramos al cada vez más importante Matthew McConaughey (Cooper), piloto e ingeniero antes que granjero y protagonista de la providencial misión espacial. Será su personaje (y nosotros con él) el que reciba todas las lecciones básicas de astrofísica y ciencia por parte de un imponente elenco de secundarios que va desde Michael Caine hasta Wes Bentley o William Devane pasando por Anne Hathaway y alguna sorpresa que no conviene desvelar. Es aquí cuando sale a relucir el Nolan como narrador más sobreexpositivo (principal vicio achacable al cine del director de “Origen”), preocupado en darnos unas cuantas nociones de teoría de la relatividad, gravedad y física cuántica. Pero, por fortuna, también el narrador empeñado en hacernos sentir la inquietud y la responsabilidad del sacrificio de la misión. De anteponer lo íntimo a lo colosal.
Eso es algo que el director británico parece conseguir plenamente en la segunda toma de contacto del personaje de Cooper con las grabaciones enviadas al espacio por su familia. Sensaciones a flor de piel. Audiencia en el bolsillo. 

A partir de ahí los agujeros negros, los agujeros de gusano, la colonización de planetas inexplorados, los robots monolíticos, las diferentes dimensiones o la paradoja de los gemelos y el envejecimiento puestos en teoría anteriormente, bien en forma de papeles agujereados o croquis improvisados en una pizarra, pasan a formar parte del mecanismo impulsor de una asombrosa y magistral odiséa espacial deudora de otros relatos del género como “Solaris” o de la tensión abismal de la reciente "Gravity", con una técnica insuperable (junto a su diseño de producción cabría destacar también la música de Hans Zimmer y la fotografía de Hoyte Van Hoytema) y en la que ya no importa tanto haber aprendido la física que da pie al relato como estar atrapado por la puesta en imágenes de esta hazaña interplanetaria que por grande que sea solo quiere decirnos que el amor es lo que mueve el universo.
Read more
28 de octubre de 2014
ANTOLOGÍA DEL INDIGNADO

Hace apenas 15 días, una turista holandesa de nombre Willemijn Vermaat destrozó una estatua de Buda del siglo XII situada en uno de los templos de Angkor en Camboya. Vermaat explicó que había viajado sola a Camboya y que empujó la estatua porque “de ningún modo pertenecía a ese templo”. 

Apenas 3 meses antes, un empleado de un hotel de cinco estrellas de Nueva Delhi encargado de aparcar los coches de los huéspedes, estrelló contra un muro de hormigón el Lamborghini de un rico magnate hospedado en el hotel, saliendo sospechosamente ileso del accidente en el que el vehículo quedó destrozado. 

Remontándonos solo unos meses más atrás, el pasado 21 de mayo una anciana septuagenaria de Nancy (Francia) mató a su marido y lo desmembró. Después de descuartizarlo, utilizó su corazón, su nariz y su pene para preparar un caldo de sopa, que se tomó a modo de cena. Cuanto terminó, se dirigió a la comisaría completamente ensangrentada, donde declaró su crimen. 

Tres sucesos nada alejados en el tiempo, extraordinarios e insólitos, en los que individuos anónimos decidieron actuar violentamente y sin contemplaciones sobre situaciones cotidianas convencidos de que esa solución, fuese o no la correcta, era la más liberadora y justa para ellos en ese preciso instante.

La profunda crisis financiera que vivimos ha traído consigo cambios en lo que a las movilizaciones sociales se refiere. En el modo de organizarse a la hora de mostrar disconformidad y protestar frente a las injusticias políticas y sociales. La era del movimiento indignado.
Han surgido manifestaciones plurales,sí, pero el individuo particular, hastiado, disgustado y frustrado, a menudo siente la indefensión ante las injusticias diarias, estando falto de una reivindicación personal, de una expresión particular que de rienda suelta a sus tensiones acumuladas. Y cuando el ser humano se rebela por su propia determinación, casí siempre lo hace en las situaciones o contextos más inesperados y circunstanciales, incluso erroneos, como bien pudiera ser una estatua camboyana, un vehículo de alta gama, el que convive a tu lado o simplemente alguien que pasaba por allí.

Un buen compendio de esos "basta ya" del ciudadano medio es "Relatos Salvajes", la película sensación del año en Argentina, dirigida y escrita con astucia por Damian Szifron, producida por El Deseo de los hermanos Almodovar, aplaudida en San Sebastian y Sitges y representante al Oscar por aquel país. Desde su estreno local ha venido gozando del beneplácito del público (8 semanas liderando la taquilla argentina) al mostrarse como una comedia divertidísima y balsámica ante la irritación generalizada del sufridor a pie de calle.

Dividida en 6 episodios independientes entre sí, "Relatos Salvajes" tiene un fin común, atentar contra estratos y grupos que serán muy familiares al espectador. Siempre desde el humor negro y la rabia contenida, entre lo macabro y lo vengativo y en los que el funcionario apático, el cliente déspota, el marido infiel, el conductor prepotente o el adinerado corrupto pasan a ser victimas de las embarazosas situaciones que plantea el muy eficaz guión de Szifron en cada uno de sus episodio.
Acompañada de una mezcla músical inverosimil que une a Gustavo Santaolalla con "Flashdance", unos créditos que apuntan el lado animal del ser humano, un elenco de actores argentinos de primer nivel en el que figuran Ricardo Darín, Leonardo Sbaraglia o Dario Grandineti y una realización ágil y furiosa, "Relatos Salvajes" supone un divertimento contemporáneo negro y osado, una película terapéutica para el espectador, capaz de identificarse con alguna o muchas de las situaciones que plantea la cinta de Szifron. No parece casualidad que tres de sus historias tengan como denominador común el coche, pequeño espacio donde el hombre saca a relucir su lado más salvaje, ese al que se refiere este título desde que comienzan sus créditos iniciales. Una película que redescubre al cine como medicina contra la cólera de nuestros días, la indignación.
Read more