30 de julio de 2005
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Se cierra el circulo recaudatorio del señor Lucas y estas son las cifras conseguidas con la resurreccion adaptada a los tiempos que corren de Star Wars:

1999: Star Wars Episodio I, La amenaza fantasma.............431 millones de dolares
2002: Star Wars Episodio II, El ataque de los clones.........302 millones de dolares
2005: Star Wars Episodio III, La venganza del sith............377 millones de dolares

Estas cifras conseguidas, por supuesto, unicamente en EEUU, y teniendo en cuenta que al ultimo episodio todavia le quedan unas semanas para pillar algunas cifras mas.
Desde luego, el negocio salta a la vista, por no hablar del merchandasing y demas. No es extraño pensar que Lucas sea uno de los mas ricos de la industria Hollywoodiense
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Siempre recordare el impacto que produjo en mi adolescencia una modesta pelicula de ciencia ficcion titulada "La invasion de los ladrones de cuerpos".
Dirigida por Don Siegel, la cinta era una de esas joyas fantasticas que se realizaban en los años 50 y contaba de una manera sugerente y siniestra la invasion extraterrestre en forma de pegajosas vainas que contenian humanos a imagen y semejanza de los ya existentes, con el fin de suplantarlos.
Una pelicula corta, directa, con un maravilloso aire a Serie B y sobre todo muy inquietante.

La historia seria retomada a finales de los 70 por Philip Kaufmann, el cual, lejos de hacer una copia de la anterior version, la desarrollo y consiguio otra terrorifica muestra de la invasion extraterrestre donde era dificil adivinar cuando estabamos ante un humano y cuando ante una replica y donde el detalle de apuntar con el dedo y chillar era una idea estupenda que favorecio al interes de la historia.
Ese plano final de Donald Sutherland, siempre lo considerare como uno de los mas impactantes que he visto.

Ahora y tras una semitelevisiva version de Abel Ferrara, se rodara un nuevo remake (miedo me da), esta vez a las ordenes del aleman Olivier Hirchbiegel, director de "El Experimento" y "El Hundimiento" con la señorita Nicole Kidman de protagonista.
Warner ha confiado en estos dos nombres para llevar a buen puerto la historia creada en los 50 por Jack Finney, y la verdad es que pueden garantizar una cinta de calidad, aunque luego ya se sabe.
Por lo pronto, Kidman, ya sabe lo que es poner rostro ante situaciones desconcertantes y si no, echenle un vistazo a "Reencarnacion" ("Birht"), donde ella es lo mejor de la cinta.
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"Globalizacion" es el termino que en un determinado momento se utiliza en "Las muñecas rusas", secuela de auquel exito de hace 3 años titulado "Una casa de locos".
Para la historia, no son 3, sino 5 los años transcurridos en la vida de cada uno de los integrantes de aquella familia multicultural que se unia, gracias a las becas Erasmus, en un pisito de Barcelona.
En "Una casa de locos" ("El albergue español" si atendemos al titulo original) describia a la perfeccion las relaciones entre jovenes de diferentes paises, jugaba con sus idiomas para crear malentendidos y momentos comico y establecia la distincion entre modos de vida extranjeros.
Ese albergue español de Cedric Klapisch, era una pelicula juvenil alejada de topicos, a la que no le interesaba contar lo bien que se lo pasan los jovenes, sino mostrar ese momento de incertidumbre, decision y responsabilidad que se tiene con veintitantos.
"Una casa de locos" no era una superflua visita turistica por la Ciudad Condal, era el relato de alguien foraneo que trata de acomodarse a una nueva cultura, costumbres, a un nuevo pais, y es en ese viaje interior donde el director plasma a la perfeccion a la ciudad de Barcelona, con su dualidad de culturas y sus universales rincones.
Podria decirse que es la pelicula francesa, menos francesa, ya que respiraba cine de todos los rincones, nunca era aburrida, garantizaba un buen rato, divertidos momentos y ademas tenia una interesante nomina de actores europeos. El protagonismo absoluto era para Roman Duris, perfecto en su papel de frances recatado y responsable, al igual que Audrey "Amelie Tatou, que componia a una odiosa y caprichosa francesita.
La descripcion de cada habitante de la casa Erasmus, era la descripcion de una manera de ser europea, Kelly Reilly (Wendy) y Kevin Bishop (William) eran la imagen inglesa, responsable y puntual, alcoholica y pesada, o por ejemplo Oliver Raynal, el aleman, serio y contundente.
Muchos aciertos tenia "Una casa de locos", de ahi su exito en Francia y su posterior aceptacion en el resto de Europa.


Ahora llega su secuela, garantizada gracias a la taquilla de su antecesora, que pretende explicarnos, no ya esas decisiones de los veintitantos, sino el equilibrio de los treintaytantos.
Volvemos a encontrarnos con los mismos protagonistas de la cinta anterior, si bien, ahora son Roman Duris, Audrey Tatou y Kelly Reilly, los que llevan el peso de la cinta.
Decepcionante cinta, que ha abandonado la idiosincrasia de "Una casa de locos". Klapisch cae en grandes errores, seguramente crecido por el exito anterior.


Por un lado piensa que con tan solo situar la accion en diferentes ciudades como Londres, Paris o San Petersburgo ya conseguiria ese aire europeo que tenia "Una casa de locos" y por otro lado, pretende hacernos creer que su protagonista, Roman Duris, es un mujeriego al cual las mujeres caen rendidas a sus encantos y claro esta, Duris, no es Jude Law, y asi se producen multitud de momentos increibles para el espectador.
Klapisch no profundiza en culturas, personalidades, actitudes, esta vez es superficial en todo y llega a aburrir.
Pierde ese encanto, desenfado e ilusion que tenia "Una casa de locos" para volver a hacer una pelicula francesa.
Ni siquiera funcionan esos momentos absurdos, como el de Erasmo de Rotterdam en la primera parte, que ahora se reducen a Duris tocando la flauta.
Triste secuela, por tanto, desaprovechada y como ya he dicho decepcionante, que ha roto la posibilidad de hacer una interesante trilogia europea sobre los 20, 30 y 40 años.

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27 de julio de 2005
ALTA FIDELIDAD

Seguramente todo ocurrio de esta manera: John Cusack leyo una novela titulada "High Fidelity" sobre la vida de un friki musical y quedo entusiasmado de ella.
Cusack telefoneo a su amigo Stephen Frears, al que le dijo;

-Stephen, ¿como tienes la agenda? - De momento, tranquila, ¿por?
- Es que he leido una novela y quiero llevarla al cine. Yo sere el protagonista, podemos llamar a Tim, a mi hermana y a Catherine, incluso a Bruce y quiero que tu seas el director.
- Bien, ¿de que trata? ;
- De los grandes éxitos de la música...se llama "Alta Fidelidad"!-.

Por supuesto Frears aceptó y en poco tiempo la pelicula "Alta Fidelidad" fue una realidad. Y se convirtio en una pelicula fetiche para cientos de treintañeros que no abandonaron la adolescencia, para cualquier seguidor de Elvis Costello, Velvet Underground, Arthur Lee, Steely Dan o Bruce Springsteen o lo que es lo mismo, para todo amante de la musica, para todo coleccionista empedernido o para todo hombre en busca de respuestas existenciales.

"Alta Fidelidad" se situa en Chicago en lugar de Londres y su protagonista pasa de llamarse Rob Fleming a Rob Gordon. Esas son las dos unicas diferencias de la pelicula respecto al libro.Estamos ante una adaptacion fiel, agradecida y acertadisima de las vivencias de Gordon, un personaje que nos cuenta de manera desenfadada la relacion con las mujeres que ha tenido en los diferentes momentos de su vida a traves de su larga coleccion de discos de vinilo.

Todo ello lo hara Cusack-Gordon (rara vez se ha visto una mayor complicidad entre personaje y persona que lo interpreta) dirigiendose directamente al espectador, mirando a la camara, recitando sus opiniones y quejas y marcando la personalidad de su personaje, al mas puro estilo Woody Allen, en una tecnica narrativa que posteriormente ha utilizado con distinta fortuna, Jude Law en la cinta "Alfie".Cusack se remonta a sus primeros amores y los ordena bajo la formula Top 5, obsesion del personaje de marcado caracter musical.

Aunque "Alta Fidelidad" nos narre la peculiar vida de Rob Gordon, es la musica la que guia los movimientos de todos y cada uno de los personajes, ya sea a traves de colecciones de discos, de la tienda musical que regenta Gordon, o de las brillantes conversaciones entre la divertida pareja Jack Black-Todd Louiso, que como las grandes parejas de comicos de la historia,son personalidades antagonicas que se unen por el caprichoso azar y que tienen los mejores momentos de la película.

"Alta Fidelidad" es un espejo para el espectador masculino, con sus obsesiones sobre lo femenino, sus preguntas habituales acerca de la responsabilidad, la madurez, el compromiso. De ahi, que muchos dijesen que "Alta Fidelidad" era al hombre lo que significaba "El Diario de Bridget Jones" a la mujer, un fiel retrato de sus neuras y caracteres.


"High Fidelity" es una sencilla, modesta y familiar pelicula, en la que se nota, la intención de Cusack de llevar a buen puerto una de sus novelas favoritas, en la que tambien se aprecia camaradería en el rodaje, rodeado de amigos como Tim Robbins (que tiene una escena memorable), pequeñas apariciones o cameos, como Catherine Z Jones o el "Boss" Springsteen y una banda sonora excelente, que da gusto escuchar en la pelicula y posteriormente en el cd en casa.
Una ultima recomendacion, leer el libro e intentar localizar todas las canciones que se citan en el. La mayoria son grandes temas, muchos de ellos sorprendentes que haran las delicias de todo amante de la musica.

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26 de julio de 2005
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No deseo el fracaso ni el mal ajeno, pero al mismo tiempo soy capaz de alegrarme de que el ultimo tontoproducto de Michael Bay, "La Isla", se haya pegado el batacazo en la taquilla americana.
Sus peliculas, como la de tantos otros directores del Hollywood actual, no aportan absolutamente nada a el septimo arte, entonces, ¿por que esa mania a Bay y no al resto?.
Principalmente porque el señor Bay, se cree que realiza obras colosales y que la calidad va directamente relaciona al tamaño, y lo que es mas, el muy ceporro, piensa que es un nuevo James Cameron o un nuevo Spielberg.
Es grandilocuente, si no le dan millones y millones de dolares no es capaz de hacer una pelicula, siempre introduce alguna que otra secuencia pastelosa en sus peliculas, aunque ni venga a cuento, por no hablar de que no deja la camara quieta, la mueve demasiado y es exacerbadamente patriotero y americano.
De su filmografia solo se podria salvar "La Roca", porque este hombre es el responsable de "Armaggedon", "Pearl Harbor" o "Dos policias rebeldes".

"La isla", cinta con Ewan Mcgregor y Scarlett Johansson, ha recaudado tan solo 12 millones de dolares en su estreno (una cifra ridicula, para ser un estreno con una gran campaña publicitaria) y eso que ha costado cerca de 130 millones de dolares, que dificilmente alcanzara.
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EL PACTO DE BERLÍN

En "El Pacto de Berlin" se unieron los talentos en cuanto a narrativa de accion, de John Frankenheimer y el escritor Robert Ludlum Era el año 1985 y el director tenia una carrera consolidada en el campo del cine de intriga y accion. Suyas eran cintas como "El tren", "El mensajero del miedo", "Domingo Negro" o "The French Connection II".
Mientras, Robert Ludlum era uno de los literatos mas leidos y con mas copias vendidas de sus ejemplares en aquellos años. Sus obras, basicamente, narraban intrigas internacionales, con temas de transfondo recurrentes, como la Guerra Fria, la Segunda Guerra Mundial, o el espionaje britanico.

"The Holcroft Covenant", traducida en España como "El Pacto de Berlin" fue una de las primeras adaptaciones al cine de sus obras con cierta importancia, a la que superaria en fama años despues, las aventuras de Jason Bourne encarnadas por Matt Damon.
El encargado de adaptar la novela de Ludlum al cine fue George Axelrod, un irregular guionista, que ya habia trabajado con Frankenheimer en "El mensajero del miedo". Axelrod era ademas responsable de obras ampliamente populares como "Desayuno con Diamantes" o "La tentacion vive arriba". "El Pacto de de Berlin" fue su penultimo guion, coescrito con Edward Anhalt.

En esta ocasion la trama giraba en torno a una hipotética resurreccion nazi, a traves de un legado de 4 billones y medio de dolares, confiado 40 años despues de la caida de Berlin, a tres hijos de generales nazi.
Los intereses de los herederos de la fortuna y de terceros implicados son bien distintos, y entre ellos estaba el de ver renacer un nuevo imperio aleman y el de impedirlo.

"El Pacto de Berlin", como buena narracion de intriga internacional, se desarrolla entre Nueva York, Ginebra, Londres y Berlin y por supuesto su protagonista era Michael Caine, experto en protagonizar peliculas con accion en diferentes localizaciones, ya sean trabajos en Italia, Marsella o Rio.

Michael Caine intrepreta a uno de los herederos, que se ve envuelto en esta trama kafkiana, donde se va dejando llevar por multitud de personajes de dudosas intenciones. Su personaje reniega de sus antepasados nazis y por tanto su pretension, conforme se van sucediendo los diferentes acontecimientos, es la de proteger el dinero de los alemanes.
Frankenheimer logra desde el comienzo captar la atencion, llevandonos de ciudad en ciudad, con un misterio del que conocemos tanto como el protagonista, cualquier personaje es sospechoso y nadie es de fiar.

Por tanto, "The Holcroft Covenant" funciona en su misteriosa trama y en su vertiginosa accion. Aunque las secuencias de accion han envejecido mal, se nota que la cinta pudo ser una clara influencia para el Spielberg de "La ultima cruzada" a la hora de narrar la intromision de un personaje en las intenciones nazis, con rubia alemana incluida (la actriz Victoria Tennant, la ex-esposa del comico Steve Martin). La cinta acaba estupendamente, planteando una cuestion que ya se planteo de manera inmejorable en "Los niños del Brazil"; la idea de que todavia existan resquicios en la sociedad de los ideales hitlerianos, y que algun loco pueda urdir un plan para verlos renacer, aunque fuese de la manera mas increible.

Como ultimo apunte, hacer mencion a la presencia de la veterana actriz alemana, Lili Palmer, encarnando a la madre de Michael Caine. La acrtiz ya aparecia relacionada con los nazis en la ya citada, "Los niños del Brazil" y envuelta en otra intriga internacional de la mano del director que mejor supo plasmar estas historias, Alfred Hitchcock, en "Agente Secreto".
Una actriz que fallecio pocos meses despues de rodar "El Pacto de Berlin" y que siempre sera recordada en nuestro pais, por su papel principal en la tenebrosa y sugerente pelicula de Chicho Ibañez Serrador, "La residencia".

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24 de julio de 2005
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Se estrena ahora en la gran pantalla, "La morada del miedo", remake de "Terror en Amityville" una pelicula de terror setentera con James Brolin y Margot Kidder, que aprovechaba el tiron de "El Exorcista" o "La profecia".
Ambas cintas comienzan con el ya famoso lema "Basado en hechos reales". Hemos investigado esos hechos reales de la casa de Amityville y como en toda historia de fantasmas, se mezcla el horror con el fraude, el escepticismo con la fe desmedida, pero sobre todo impera la ambiguedad de la ocurrido.

En un pequeño pueblecito de Connecticut, Amityville, vivia una familia, los DeFeo, compuesta por Ronald y Lousie, los padres, Mark, John y Ronald, los tres hijos masculinos y Dawn and Allison, las dos hijas.
En una noche de Noviembre de 1974, uno de los hijos, Ronald DeFeo se despertó y rifle en mano fue de habitacion en habitacion matando a todos los miembros de la familia.

Ronald admitio haber cometido los crimenes y fue arrestado, si bien, en su discurso empezo el misterio. DeFeo decia que habia matado a su familia controlado por un espiriu maligno que vivia en su casa y que le hablaba desde hacia tiempo, incitandolo a cometer la masacre.
DeFeo fue declarado como demente, por sus declaraciones, en cambio, en los examenes medicos realizados, nada se le pudo encontrar. El procurador del juicio dijo que la intencion de Ronald era la de hacerse con el dinero del seguro del fallecimiento de los padres, algo que tampoco cuadraba, al haberse DeFeo entregado a la policia.
DeFeo fue condenado a 150 años de carcel.
Amityville vivio un año conmocionado por los sucesos. El 18 de Diciembre de 1975, una nueva familia compuesta por George y Kathy Luntz y los tres hijos de un anterior matrimonio de esta, ocuparon la casa de los DeFeo.
Pronto comenzaron a notar presencias extrañas en la casa, puertas que se abrian y cerraban, violentos comportamientos en George, el cabeza de familia y el contacto que la niña pequeña de la casa decia tener con un cerdito llamado Jodie. Incluso llamaron a un sacerdote para que exorcizara la casa, pero al parecer a este no le dio tiempo, puesto que escucho como una voz demoniaca le decia "get out", algo asi como "fuera de aqui"
Asi, cuando llevaban 28 dias viviendo en la casa, los Luntz decidieron huir de ella, segun cuenta la historia, tan deprisa que ni se preocuparon en llevar con ellos sus muebles y pertenencias.
Segun ellos, los espiritus demoniacos les hicieron huir.

La leyenda se aumentaria cuando en 1976, dos de los demonologistas mas famosos de Estados Unidos, Ed y Lorraine Warren, decidieron pasar un tiempo en la casa, para comprobar si la historia era cierta.
Y por supuesto, dos demonologistas, no hicieron otra cosa, que afirmar que escuchaban voces y presencias espirituales, completando la leyenda con la historia de que habia en esa casa tumbas indias.

Pasado un tiempo, los Luntz sacaron un libro, que se convirtio en Best-Seller y del que se hicieron eco, multitud de magazines y peridiodicos. Los Luntz y Amityville fueron creciendo en popularidad, mas cuando la novela fue llevada al cine, dirigida por Stuart Rosenberg.
Hasta aqui todo el mundo creia la leyenda de la casa de Amityville, pero el afan de los Luntz, por dar mayor credibilidad a los sucesos, posiblemente les delato.
George Luntz, llamo a un gran numero de mediums y estudiosos de estos fenomenos, para que comprobaran que la casa estaba encantada. Todos llegaban a la misma conclusion; la casa estaba encantada.
Hasta, que George topo con alguien mas serio. Telefoneo al Doctor Stephen Kaplan, director del Instituto de Parapsicologia de America. Este accedio a investigar la casa, pero al mismo tiempo aviso a Luntz, de que si todo era un engaño, el Instituto de Parapsicologia haria publico el fraude en los medios.
Tras aceptar Luntz la propuesta, al cabo de unos dias este llamo a Kaplan y le dijo que no investigase el caso, dado que ni el ni su mujer querian dar mas publicidad a la casa.
Las sospechas de Kaplan de que estaba ante un gran fraude le hicieron investigar por su cuenta, e incluso llego a publicar en algun medio datos sobre la mentira de los Luntz.

Desfortunadamente Kaplan murio mientras estudiaba el caso, si bien el fraude se hizo real, años despues, cuando el abogado del asesino Ronald DeFeo, descubrio que Ronald DeFeo y George Luntz, eran amigos y que en una noche de borrachera, ambos tramaron la historia.
DeFeo queria matar a su familia y Luntz pasaba por problemas economicos, asi que urdieron el plan para que Luntz pudiese beneficiarse economicamente y a medio plazo de las declaraciones demoniacas de DeFeo.


Años mas tarde, una nueva familia habitaria la casa y se demostraria definitivamente que esta no estaba encantada.
Aun asi, muchos todavia creen que esa casa esconde algo misterioso, ya que la mayoria de las personas que tuvieron que ver con el caso, fallecieron en años muy cercanos a la polemica e incluso el hijo de los nuevos habitantes de la casa, (el cual dormia en la misma habitacion que Ronald DeFeo) murio en un tragico accidente años despues de empezar a vivir en la famosa casa de Amityville.



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17 de julio de 2005
EL PREMIO

El fallecimiento del guionista Ernest Lehmann me ha llevado a visionar una de sus peliculas, que tenia pendiente en mi videoteca desde hace tiempo.

Se trata de "El Premio" ("The Prize"), pelicula dirigida por Mark Robson en el año 1963.
La cinta narra los dias previos a la entrega de los premios Nobel en la ciudad de Estocolmo. Allí se reunen todos los premiados, no demasiado calmados, pues cada uno de ellos mantiene alguna disputa con mujer, compañero, madre o lo que este a su lado.Entre todos ellos encontramos a una dulce pareja de tio y sobrina, encarnados por un ya entrado en años Edward G. Robinson y Diane Baker con secretos politicos de fondo y a un escritor alcoholico y mujeriego, que interpreta Paul Newman.

"El Premio" es una suerte de "Con la muerte en los talones". Suponemos que el proyecto fue un encargo con la sana intención de repetir el el exito de la cinta de Hitchcock y Lehmann resolvió multitud de situaciones de guion del mismo modo en que lo hiciese en la popular cinta del orondo director inglés.
Durante sus primeros minutos, "El Premio" parece una comedia ligera, con un Paul Newman en plan ganso, pero efectivo. Resulta gracioso verlo durante muchisimo tiempo con una copa tras otra en la mano, e intentando ligotear con cualquiera. Francamente, la pelicula funciona en esta faceta desenfadada, mientras se allana el camino hacía el misterio con la presentación de los personajes de Robinson y su sobrina, al tiempo que da vía libre a la improvisación cómica Newman.

Como ya hiciese en "Con la muerte en los talones", Lehmann busca el equilibrio entre humor y suspense, por lo que "El Premio" salta entre géneros (en ocasiones, demasiado precipitamente) mezlando investigación, crimenes y cierta ligereza en la narración. Desafortunadamente Mark Robson no es Hitchcock y es inevitable no recordar una y otra vez la citada cinta del inglés mientras uno contempla "El Premio". Destacan tres situaciones descaradamente similares:

1. En "Con la muerte en los talones", Cary Grant es secuestrado y llevado a la casa del villano James Mason. Alli le amenazan, emborrachan e intentan asesinarlo. Grant logra escapar y vuelve a la casa de Mason con la policia para denunciar los hechos. Les recibe una mujer amablemente, fingiendo que nada ha pasado, incluso la estanteria de bebidas ha cambiado y ahora, a ojos de todos, es una estanteria de libros. La policia cree que todo es producto de la borrachera de Cary Grant.

En "El Premio", Paul Newman es citado misteriosamente en una casa, a la que este acude, y ve un cuerpo recien asesinado delante del televisor. El asesino persigue a Newman y lo tira al rio, intentando acabar con su vida, pero sin exito. Newman vuelve, mas tarde, al lugar del crimen.Una mujer les recibe atentamente y dice no acordarse de Newman. Incluso no existe el citado televisor. La policia no cree a Newman, al cual es habitual verle bebido.



2. En "Con la muerte en los talones" , Cary Grant esta indefenso en medio de un campo de trigo. Una avioneta intenta matarlo.
En "El Premio", Paul Newman esta indefenso en medio de un puente. Un coche intenta matarlo.

3. Y la escena que guarda más similitudes: En "Con la muerte en los talones" Cary Grant es perseguido por los dos matones. Este entra en una subasta y arma un escandalo para que la policia acuda y asi poder salir seguro del lugar.
En "El Premio", Paul Newman es perseguido por dos matones. Este entra en una convencion de nudismo y arma un escandalo para que la policia acuda y asi poder salir seguro del lugar.

Tres copias de guión demasiado sospechosas. La productora buscó claramente repetir el exito de las cintas persecutorias de Hitchcock, dotando a la cinta del humor a traves del lucimiento de su galan protagonista.

A pesar de esta sensación constante de deja vú, la cinta divierte, emociona, tiene actrices glamourosas, un marco elegante como Estocolmo, un galan de la talla de Newman, un villano de la altura de Robinson y ademas aparece Leo G. Carroll, estandarte de este tipo de cintas y una evidente declaracion de intenciones de "El Premio", cinta hitchcockiana de las que ya no se hacen.
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Ha salido a la luz otra de esas listas de cine. Si hace poco eran las mejores frases de la historia, ahora le toca el turno a las mejores (para los americanos) persecuciones de coche en la gran pantalla.
La "afortunada" ganadora ha sido "Bullit", en la cual el señor Steve McQueen recorria a gran velocidad con su Ford Mustang, las calles de la inclinada San Francisco.
En el segundo puesto nada mas y nada menos que un producto veraniego ya olvidado por todos, "60 segundos" con el sobrino de Coppola y la morritos Jolie.
"Smokey and the bandits" pelicula del año 1977 con Burt Reynolds y Sally Field, y la mitica "Granujas a todo ritmo" de John Landis, ocupan el tercer y cuarto lugar.
Completan la lista "A todo gas", "Ronin", "The French Connection", o "The Italian Job",claro esta, la nueva version, porque la antigua de Michael Caine, seguramente ni la conozcan.
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15 de julio de 2005
EL APARTAMENTO: LA OBRA PERFECTA


"El 1 de Noviembre de 1959 la población de Nueva York era de 8.042.753 personas. Tendidos en el suelo uno tras otro, suponiendo una estatura media de 1'70, llegarían desde Times Square a las afueras de Karachi, Pakistán. Conozco
estos datos porque trabajo para una compañía de seguros, la Consolidated Life de Nueva York. Somos una de las cinco empresas más importantes del país. El último año suscribimos nueve punto tres miles de millones de dólares en pólizas. Nuestra oficina tiene 31.259 empleados, que es más que la población de Natchez, Mississippi, o Gallup, Nuevo México. Trabajo en el piso 19, Departamento de Pólizas Comunes, División de Contabilidad de Primas, Sección W, mesa número 861"


Con este monólogo pronunciado por el ya inmortal C.C Baxter (o Buddy para los amigos) comenzaba la que podría ser considerada como mejor pelicula de la historia del cine. No lo digo yo, lo decía el mismísimo Berlanga; -“El cine se compone de 3 millones de películas....y “El Apartamento”.
Si no atendemos a las tan socorridas clasificaciones cinéfilas “El Apartamento” puede ser simplemente una joya mayúscula e irrepetible del séptimo arte, la obra más universal y unánime de su director, Billy Wilder, y una de las historias más sinceras, humanas y entrañables con la que un espectador de cine podría encontrarse.

Wilder escribió la comedia perfecta y el drama más certero sobre la base de la necesidad de amar y ser amado. Lo hizo desde la descripción de un personaje que acumulaba los miedos más propios del ser humano; soledad, aparente mediocridad, inseguridad, taras de socialización y ausencia de caracter. Todos reunidos en la figura de C.C. Baxter, si cabe un ser más desapercido e invisible gracias a la habilidad del director austriaco para dotar de entidad a sus personajes, situando a su protagonista en una empresa de miles de empleados, en la época más familiar del año, Navidad, y en una de las urbes más pobladas y gigantescas del mundo, Nueva York.

Era el año 1960 y con “El Apartamento” Billy Wilder estaba creando una obra maestra que ganaría 5 Oscars de la Academia, a pesar de que en la conservadora sociedad norteamericana el argumento de este cruce de infidelidades y escarceos sexuales, fuese considerado simplemente como un “cuento de hadas sucio”, “una pelicula libertina, lasciva, asquerosa y repulsiva", aún cuando en todo momento la sutileza primaba ante lo explícito.

Cuenta Wilder que la premisa de la que nacería "El Apartamento" le surgió viendo la cinta de David Lean, “Breve Encuentro”;- “Se trataba de la historia de un affaire entre un hombre casado y una mujer casada, y el utilizaba el piso de su amigo para sus encuentros sexuales. A partir de entonces no podia quitarme esa historia de la cabeza”. Ese sería el germen de una historia que más tarde matizarían el propio Wilder y su gran amigo y compañero el matemático y guionista I.A.L. Diamond.

Poco a poco se fue gestando uno de los guiones mas precisos jamás hecho, donde se narraba la historia del tal Baxter, un “pobre diablo” de oficina que prestaba su apartamento a los compañeros de trabajo para sus encuentros sexuales, y con lo que recibía a cambio favores dentro de la empresa. Todo cambiaría con la irrupción de la Srta. Kubelick, amor platónico de Baxter.

En la segunda de sus memorables colaboraciones con Wilder, Jack Lemmon encarnó, personificando la extrema bondad humana, a Baxter. Shirley McClaine, írrumpió, a su vez, en pantalla ejemplificando el modelo físico de joven americana de los años 60, pizpireta, independiente, inteligente, con pelo a lo Jean Seberg. Completando el trio romántico, después de perderse en una aventura negra con Barbara Stanwyck y el propio Wilder, Fred McMurray encarnó a Frank Sheldrake, el jefe de la compañía para la que trabaja Baxter.

En el retrato de estos tres personajes, Wilder hallaba el tesoro. Baxter era un pequeño desastre, constantemente constipado, usando el pañuelo de forma compulsiva, comiendo comida precocinada, y con fama de juerguista para sus confundidos vecinos. Miserable, sí, pero al tiempo, adorable.
No era dificil para el espectador enamorase de Miss Kubelick y sus graciosos gestos de ascensorista, como solidarizarse con sus continuos desencantos amorosos.
Para Sheldrake, Wilder guardaba variados motivos para el rechazo; jefe autoritario, infiel y mezquino. Por si era poco, con abuso de poder sobre Baxter.

Aunque el propio Billy Wilder no lo pretendiese, como siempre ha afirmado, su película es también una muestra del funcionamiento de la América capitalista, de los ascensos, los favores, el clima de empresarial, donde una llave es la dominadora de este modelo de sociedad capitalista.

Comedia pura, el drama más triste, romance no correspondido, puntuales halos trágicos, “El Apartamento” reunía todas estas cualidades en un guión redondo donde el simple detalle de una raqueta que escurre spaghettis servía para definir esta historia de seres incapaces con capacidad de amar y para demostrar que estamos ante la obra más impecable dentro de la historia del cine que un buen día Wilder nos regaló.

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La caprichosa traduccion al español de "The Killing" hizo que una vez mas la palabra "perfeccion" estuviese unida a Kubrick. Sin embargo "Atraco Perfecto" es una de las pocas peliculas del genial director que cuando la visionas, llegas a la conclusion de que en ella no se obsesiono por su tan ansiada busqueda de la perfeccion.

Esa obsesion con lo perfecto es la que llevo a Stanley a crear algunas de las mejores peliculas de la historia, pero al mismo tiempo en todas esas peliculas se podia notar que el director buscaba de ellas que fueran la obra del siglo, la obra maestra por excelencia de su carrera. Una rigurosidad que hacia a sus peliculas inflexibles, rotundas y brillantes,a veces, pero posiblemente fragiles al transcurso del tiempo y donde la minuciosidad, la planificacion restaban espacio al talento espontaneo.
No se denota eso de "Atraco Perfecto", y en cambio si que estamos ante una gran obra maestra.

Dirigida por Kubrick en los inicios de su carrera, en 1956, "Atraco Perfecto" es una muestra de cine negro con regusto a serie B, donde un grupo de individuos normales y corrientes, tipos de la calle con sus respectivos oficios, se unian para llevar a cabo un atraco organizado, consiguiendo asi un botín que cambiaria sus aburridas y tristes vidas.
Sterling Hayden, el que mas tarde apareceria en los asuntos mafiosos de los Corleone, era el jefe de la banda, el cual, tras pasar cinco años en la carcel, habia tramado el atraco perfecto a las taquillas de un recinto de carreras de caballos.

Kubrick utilizo una tecnica narrativa original, hoy en dia de rotunda actualidad, que consistia en ofrecernos diferentes momentos del robo y de su gestacion descolocados cronologicamente, y con una voz en off que situaria al espectador a cada momento en la hora y dia concretos de la accion.
Esto posibilito a Kubrick para hacer de "Atraco Perfecto" una pelicula incisiva y directa, que se centraba en contar los hechos verdaderamente importantes, pudiendo jugar ademas con el suspense del robo y las posibles traiciones.
Al no ser los personajes atracadores profesionales, Kubrick jugaba con su incompetencia frente a lo arriesgado de un robo, asi basaba el suspense y la inquietud del espectador en que George (Elisha Cook ) y su mujer Sherry (Marie Winsor) serian los que echarian por tierra el plan, componiendo estos algunas de las mejores secuencias de las peliculas, donde el dominio de la mujer sobre el hombre era absoluto. Porque a pesar de ello, en "Atraco Perfecto" se destila una gran misoginia por parte de Kubrick. Aqui la mujer es inservible o inutil y si para algo sirve es para entorpecer o estropear el plan.

Desde un comienzo el personaje de Stanley Hayden dice a su mujer que desaparezca, y esta asi lo hace, no volviendo a asomarse hasta los minutos finales de la cinta. Hayden nunca tratara a su mujer con muestras de cariño. Mientras la mujer de George, el cajero de las carreras de caballos, se presenta como un ser despreciable e interesado, que engaña a su marido y con el unico interes de lo economico. Por su parte, la mujer de otro de los miembros de la banda, es una mujer enferma, postrada en cama, por la cual este tendra que participar en el robo si quiere conseguir dinero para devolverle la salud.

"Atraco Perfecto" es una obra seca, dura y fatal, donde apenas se esboza una sonrisa, con personajes en la linea del sufrimiento y la desesperacion, donde no existe una señal de bondad. Ese es el tono que ha hecho que esta cinta sea una de las mejores de la carrera de Kubrick, por no decir la mejor.
Una obra que evoluciono las luces y sombras del cine negro, que ya experimento el director en "El beso del asesino" y que se ha consolidado como una de las cimas del cine negro.
Su desenlace no muestra mas esperanza o luz que el resto del metraje. Es un final soberbio, decandente, que me recordo al de "El quinteto de la muerte" o al de "El salario del miedo" (con la diferencia de que aqui habia cierta mala leche en ambos finales) y donde la ilusion se desvanece al completo.
Una obra francamente redonda, ejemplo magnifico de cine negro y leccion de cine con mayusculas.

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14 de julio de 2005
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A mi me resultan sospechosamente parecidos. Solo cuatro años separan el diseño de un cartel con el otro. La cinta de Soderbergh data de 2001 y el debut tras las camaras de Luppi se acaba de estrenar. Escaso tiempo como para no asociar ambos carteles.

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13 de julio de 2005
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Sabido es por todos, que Jack Nicholson ha compuesto muchos de los mejores tarados de la historia del cine. Mitica es su cara, hacha en mano, en "El Resplandor" de Kubrick, el Joker de "Batman" o su uraño personaje en "Mejor Imposible".
Ahora en "The Departed", el remake que prepara Martin Scorsese de la cinta hongkonesa "Infernal Affairs", Nicholson ha decidido dotar a su personaje de una locura suprema.
Han salido a la luz las primeras fotos del rodaje, donde se puede ver a Nicholson paseando con un consolador, ejemplo de lo histrionico que puede llegar a ser este nuevo papel.
Ademas, en la cinta, Nicholson se metera una raya apoyado en el culo de una stripper.
Esperemos que este Nicholson no este demasiado pasado de vueltas y su personaje vuelva a ser memorable.
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12 de julio de 2005
UN BOTÍN DE 500.000 DÓLARES

"Un botin de 500.000 dolares" fue el comienzo de la breve pero intensa carrera cinematografica de Michael Cimino, un extraño caso de director que tan pronto consiguio saborear las mieles del exito como caer en el mas profundo fracaso, y todo en cuestion de 6 años.
"Thunderbolt y Lightfoot", titulo original de la cinta, fue el debut en la direccion de Cimino en el año 1974 y tras ella la gloria ("El Cazador") y el fracaso ("La puerta del cielo").

Con esta cinta de debut, Cimino escribio y dirigio una historia donde Clint Eastwood y Jeff Bridges encarnaban a un atracador de bancos y un joven impulsivo que decidian robar el banco de Montana.
Con la forma de road movie, Cimino mezclaba accion y comedia, aprovechando tambien la presencia del malogrado George Kennedy, como compañero de robo de Eastwood y Bridges.
El personaje de Eastwood volvia a ser el tipico hombre "de vuelta de todo", como asi lo define el propio Bridges en la cinta. Uno de esos hombres maduros, curtidos en mil batallas y un tanto desencantados con la vida que tan bien sabe interpretar Eastwood.
Mientras un jovencisimo Jeff Bridges, consiguio la unica nominacion al Oscar de la cinta, por interpretar a Lightfoot, un personaje bocazas, inquieto, gracioso, que tiene su punto maximo de culminacion en las secuencias en que este tiene que travestirse para ser participe del robo.

"Un botin de 500.000 dolares" es una pelicula desenfadada, lejos de la autoimportancia que podian tener "El Cazador" y sobre todo "La puerta del cielo".
Cuenta con un soberbio comienzo, con Eastwood dentro de un disfraz de reverendo, oficiando una misa, y un asesino tras de el, motivo por el cual el bueno de Clint debera de huir, uniendose en esa huida a Bridges, el cual tambien huye por acabar de robar un vehiculo.
En ese punto comienza el viaje, la aventura de Thunderbolt y Lightfoot, en un primer momento mera diversion con chicas y cervezas, mas adelante accion con excelentes persecuciones, seguido de planeamiento y ejecucion del robo y por ultimo, de un desenlace que mezcla alegria con tragedia.

Un guion preciso de Cimino, que sabe muy bien en que momentos hacer uso de lo comico y cuando imponer la sobriedad y seriedad que conlleva un robo. En el tambien hay cierta vision de la decada de los 70, de los bruscos cambios ocurridos en Norteamerica y que otras peliculas, que son clara influencia para esta, como "Easy Rider" ya narraban mas directamente.
"Un botin de 500.000 dolares" hubiese sido el modelo de pelicula idoneo a seguir por Cimino, tras haber ganado la edicion de los Oscars del 78, con "El cazador". La ampulosidad que quiso conseguir con "La puerta del cielo" destruyo al western y le destruyo a el mismo. Cimino era joven e impulsivo como Lightfoot y con alguna que otra pelicula mas como esta, hubiese conseguido aprender tan bien el oficio que hoy por hoy podria ser uno de los grandes cineastas existentes.
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10 de julio de 2005
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El estudio de las muy diferentes versiones de la historia de los asesinatos del museo de cera, nos ofrece un buen ejemplo de la evolucion del cine en general y del tratamiento del terror en la gran pantalla, en concreto.
En estos dias se puede encontrar en cartel, "La casa de cera", producto juvenil pseudogore, con golpes de efecto y sustos a golpe de notas de sonido que toma muy libremente la historia que ya se narro en anteriores peliculas.
La mas lejana y antigua se titulaba "Los crimenes del museo", y se remonta al año 1933, cuando un todavia no muy conocido Michael Curtiz (Pre-Casablanca) dirigia esta pequeña muestra de terror acerca de un museo de cera donde se mezclaba horror y amor a partes iguales, donde se respiraba un gran aspecto a "El fantasma de la opera". Una pelicula que fue la ultima rodada en el formato Tecnicolor en dos colores, lo que daba un aspecto curioso a la cinta, cuando en aquellos tiempos lo habitual era el blanco y negro.
Curioso es lo que ocurriria con esta pelicula en años futuros. Con el Codigo Hays todavia sin implantar "Los crimenes del museo" contenia dialogos y escenas explicitas, incluyendo desnudos femeninos. Pero con la inminente llegada del famoso codigo de censura, la pelicula fue tachada, prohibida y con el tiempo olvidada.
Pasaron 20 años hasta que la produccion volvio a ser recordada como una de las primeras peliculas de Curtiz con la actriz que se hizo popular por ser la novia de King Kong, Fay Wray.

La siguiente revision de los crimenes de cera, vino de la mano de Andre de Toth. Warner Bros encontro el negativo de la cinta de Curtiz entre sus archivos, recuperando asi el film y decidiendo ademas, adaptarlo a los nuevos tiempos en "Los crimenes del museo de cera".
Si la anterior cinta estaba rodada en Tecnicolor de dos colores, la nueva tendria el fabuloso (por entonces) formato de 3D.
El horror de la historia unido al atractivo popular de las tres dimensiones hicieron de "Los crimenes del museo de cera" una de las cintas mas taquilleras del año 1953 y alzaron a la fama a Vincent Price.
Desde entonces el apuesto actor Price, protagonista absoluto de la cinta, se forjo una importante carrera en cine de terror, reclamado casi siempre para papeles de protagonista en cintas de Roger Corman o William Castle.
Suyas fueron "La mascara de la muerte roja", "House of haunted hill", "La mosca", "El pendulo de la muerte" o "La caida de la casa Usher".
En el remake de estos crimenes del museo de cera, tambien aparecia un joven Charles Bronson, acreditado como Charles Bukynski, en el papel del criado de Price.


Antes de la ultima y juvenil version, hubo otras pequeñas y olvidadas adaptaciones como "Terror en el museo de cera" con Ray Milland y Elsa Lanchester o muchas otras de serie B como "Nightmare in Wax" del año 1969.

Ahora se puede ver "La casa de cera" dirigida por el catalan afincado en Hollywood, Jaume Collet Serra y en la que la cera no es mas que una excusa para ofrecernos otra muestra de terror adolescente con jovenes perdidos en medio de ningun sitio y que se separan siempre en el momento menos indicado para proporcionar las suficientes dosis de terror.
Si bien la pelicula tiene una cuidada y actualizada estetica a la hora de recrear el pequeño pueblecito donde se reunen todos los "habitantes" de cera, en lo que es con seguridad, lo mas terrorifico de la cinta.Una cinta que ademas contiene ciertas dosis de gore y las tipicas carreritas de rubias tontas pechugonas que confirman que estamos ante otro de esos productos estandar de terror para quinceañeros.
Al menos, su estreno nos ha servido para recordar esta evolucion cinematograficas de las figuras de cera.

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8 de julio de 2005
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Falleció Ernest Lehmann (1915 -2005), uno de los mas versatiles y brillantes guionistas del Hollywood dorado. Entre sus numerosos y grandes guiones se encuentran algunas de las mejores peliculas de la historia del cine, como "Sabrina" de Billy Wilder, "Chantaje en Broadway", "Con la muerte en los talones", "Family Plot, La Trama", "West Side Story", "El Premio", "Sonrisas y lagrimas" o "¿Quien teme a Virginia Woolf?".

Sin duda, todas magnificas peliculas. Se va uno de esos escritores capaces de hacer un buen musical, una buena narracion de suspense o una estupenda comedia romantica. Todos destacaron sus grandes ideas y su buen trabajo en equipo, ya que tuvo que lidiar codo con codo con autores como Hitchcock o Robert Wise.


Descanse en paz.

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