28 de febrero de 2006
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Ha muerto el hombre que luchó contra el diablo. El que nos enseñó a todos los conductores que es necesario y obligatorio mirar por los retrovisores. Un ejemplo de conducción frente a la adversidad. El primer protagonista de Steven Spielberg. Uno de los duelistas de "Duel", aunque el no pretendiese duelo alguno. El único actor que le ha dado la replica interpretativa a un camión. Ha muerto Dennis Weaver. Descanse en paz.
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27 de febrero de 2006
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"Los 100 golpes", así se llama el polémico y exitoso libro que autobiograficamente escribió Melissa Panarello, una joven italiana que ahora ronda los 19 años. Dicho libro trajo consigo el escandalo al relatar la vida sexual de esta chica cuando tan solo contaba con 15 y 16 años. Y es que este no es un cuento del despertar sexual a lo "Verano del 42", es un espejo de la sociedad actual, en la que el sexo ha dejado de ser un juego de adultos para ser un juego de niños, con los riesgos psiquicos y físicos que esto puede conllevar.

Esto es lo que se intenta transmitir en la versión cinematográfica de "Melissa P.", en donde el sexo con todas sus variantes es descubierto por la joven Melissa, cuando su inocencia y su ingenuidad todavia están a flor de piel.
Para esta Lolita del siglo XXI, los italianos han importado a la Lolita española, Maria Valverde, la actriz que se dio a conocer y ganó un Goya por aquella estupenda película de Manuel Martín Cuenca titulada "La flaqueza del bolchevique", en la que supo dar a su personaje la dulzura y descaro necesarios. Todo un descubrimiento en aquella película, donde apenas tenia 16 años, Valverde se ha convertido en una de las más prometedoras actrices de nuestro cine. Esperemos que su rostro añiñado e inocente no sea flor de un día y que con los años sepa afrontar papeles que no sean el de niña provocativa. Que pueda acoplarse a papeles adultos.
En esta ocasión, su papel vuelve a requerir gestos infantiles con actitudes maduras. Valverde convence en su inocencia, pero no tanto en su contacto con los personajes adultos. Hubo que esperar a que Valverde cumpliese los 18 años para que pudiese rodar las escenas de desnudos y lo cierto es que no han escatimado en secuencias de este tipo, necesarias por otro lado, para contar una historia, que no es sino, un diario sexual con todas sus consecuencias. Además el doblaje de la propia Maria Valverde, le hace un flaco favor en su versión española.

Lo verdaderamente interesante de esta "Melissa P.", aunque nada nuevo por otro lado, es algo que ya contenia la novela. Ese espejo, como decimos, en que puede mirarse una gran parte de la juventud más temprana. El sexo y sus consecuencias en un niño que todavia usa mochilas y acaba de dejar de jugar con sus juguetes. El trastorno psiquico que ello puede conllevar en la persona. Para reafirmar la fragilidad de la niña, la cinta introduce dos personajes y uno fantasma, alrededor de Melissa. Una madre que cree que le da todo a su hija, pero que en realidad apenas la conoce, una abuela que entiende a la joven, pero que no vivirá en su casa para aconsejarla y un padre inexistente con el que Melissa, solo se comunica por SMS.
Por tanto un retrato en donde vemos a una quinceañera, sin una ayuda patenal o maternal, sin ese básico entorno familiar que es necesario para una correcta socialización de un ser humano. Una casa en donde abunda la soledad. Y en cuanto al ambito del Instituto, buenas y malas influencias son mostradas en la cinta. La elección de unas u otras por parte de Melissa, la llevarán a un infierno de sexo descontrolado o al camino recto que corresponde a su edad.

En cuanto a lo estrictamente cinematográfico de "Melissa P.", poco podemos salvar o destacar. Lo interesante y anteriormente citado,ya era la base del libro, y, como no podia ser de otro modo, se mantiene en la cinta. Pero el resto parece sacado de un telefilm de medio pelo, que ni las cadenas más proclives al telefilm seleccionarian para su parrilla.
Una dirección sin tacto, sin gusto. Un montaje pésimo y una malisima utilización de la música.
Luca Guadagnino, el director de la función, se queda a medio camino entre el tono poetico y el tono sordido. Introduce personajes de los que se olvida facilmente para luego introducirlos de nuevo en pantalla sin previo aviso. Además algunas secuencias sexuales están rodadas sin el más mínimo talento. Y lo más preocupante, a veces da la sensación de que estamos ante un anuncio de compresas.

No hay nada con una mínima relevancia en "Melissa P.". Un relato nada escandaloso, (quizá hace unos cuantos años si lo fuese) a veces gratuito, con pretensión de transgresor, una narración desafortunada, casi dos aburridas horas de metraje y una malisima dirección. No es precisamente la recomendación de la semana, aunque habra muchos de los que quedaron enamorados de María Valverde en "La flaqueza del bolchevique" que querrán ver como le va a esta chica con dos anitos de más...

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25 de febrero de 2006
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¿Quíen de nosotros no ha disfrutado en su más tierna infancia del cine que nos proporcionaron dos señores llamados Carlo Pedersoli y Mario Girotti?. Marcado por la estética de la década en que se rodaron sus películas, principalmente los setenta, y por sus argumentos simples pero efectivos, el cine de Bud Spencer y Terence Hill, como así se llamaron artísticamente los dos señores anteriormente citados, ha sido denostado por la crítica y quizá no valorado como se merece, independientemente de las masas de fans que siguen visionando sus películas como el primer día.
Y es que el cine de estos dos llamativos seres humanos, bebe de las fuentes del slapstick más puro, busca la diversión más sincera del espectador como se buscaba en los años del cine mudo, cuando los mismisimos Charles Chaplin, Keaton o Lloyd, ya utilizaban los golpes y porrazos para goce y risa del personal asistente, y además trajo consigo a una de esas parejas cómicas entrañables, llamativas y míticas del cine en general.

Sus historias eran reiterativas, mínimas, simples a más no poder. Bastaban unos malos con muy malas intenciones para formar un argumento que guiase la película en cuestión.Una pequeña excusa para ofrecer al público eso que ansiaban ver, unos puñetazos bien dados, sin ensañamiento en la violencia y algún momento de amable discusión entre sus protagonistas que era un recurso típico en esta pareja de raíces italianas.
Si bien, es cierto, que Bud Spencer y Terence Hill explotaron al máximo la formula de su éxito, haciendo muchos filmes de dudosa calidad en sus últimos años.


"Y si no, nos enfadamos" ("Altrimenti ci arrabbiamo") de Marcello Fondato es posiblemente uno de sus films más memorables. Con un argumento tan plano como el de unos matones que quieren hacerse con un solar en el que está instalado un circo para construir un casino, y que en su camino se toparán con Bud y Terence, los cuales no pararán hasta conseguir que estos les devuelvan su mini-bolido que destruyeron en unos de sus ataques al circo.
De este modo, "Y si no, nos enfadamos" se ha consolidado como una ligera y bienintencionada comedia en donde la relación entre ambos personajes resulta tan cariñosa como divertida para el espectador. Vemos a un Bud Spencer pacíficamente malencarado y un Terence Hill pillamente tranquilo. Ambos tienen algunos momentos cómicos brillantes, como la secuencia de las salchichas, la del cazador con gafas de culo de vaso o la del coro, parodiando al Hitchcock de "El hombre que sabía demasiado", con esa música tan pegadiza y surrealista.
Yo personalmente he aplaudido alguna de las secuencias cómicas de este título y he encontrado en él, un pequeño talento que seguramente, fue providencial para el éxito en su día. Un cine que no es precisamente, desprestigiable, como muchos pueden asegurar con suma facilidad.

"Y si no, nos enfadamos" es un producto tan gracioso como curioso. Rodado en España y con guión de dos españoles, Vicente Coello y Jesus R.Folgar, responsables de títulos míticos de nuestra filmografia como "La familia y uno más", "Atraco a las tres", "Once pares de botas" o "Maribel y la extraña familia". Con pequeños papeles para el recientemente fallecido Luis Barbero, Manuel de Blas, habitual secundario de teleseries españolas como "Motivos Personales" u "Hospital Central" e incluso un cameo de Emilio Laguna. Y para completar la función, la presencia de Donald Pleasance, visto en "La Gran Evasión" junto a Steve Mcqueen, "THX 1138" de George Lucas o en "Solo se vive dos veces" de la saga 007.
Vamos, que yo me lo pase en grande disfrutando esta setentera cinta, que ya vivi en mi infancia. Encontre un sentido más que positivo para aquel cine de consumo de masas. Bienintencionado y en definitiva bonito. Como era aquel cine para todos los públicos de los 70 y los 80.

La parte más mediterranea de ese cine estaba personificada en este gordo y este flaco, a los que yo recomendaria revisar, siempre y cuando uno carezca de prejuicios o no se encuentre dentro de un grupo sumamente elitista y exigente, y solo pretenda emplear animadamente una hora y media de su vida. Puede que incluso su visionado le ayude a rejuvenecer.

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22 de febrero de 2006
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Parece que este año los Oscars pretenden volver a ser referente televisivo, además de ser una ceremonia elegante y elogiada.
Primeramente fue la apuesta de un presentador joven y no muy conocido para todo aquel que no sea americano, como John Stewart, que puede ser del agrado del gran público e incluso consolidarse para el futuro, como presentador de la gala.

Ahora, se nos muestra, a modo de anticipo, como será el escenario de estos premios, que se vuelve más elegante y menos moderno, a imagen y semejanza de los teatros y cines americanos de los años 30 y 40, según ha indicado Gil Cates, el productor de la ceremonia.
El diseñador de este escenario, Roy Christopher es todo un clásico en esto de los Oscars, ya que con esta, es la 17ª vez que se encarga de crear los escenarios y decorados.
Lo cierto es que esta 78º edición de los premios Oscars buscan un nuevo rumbo para su ceremonia, con el que se puede recuperar la audiencia y el beneplacito del espectador y la critica televisiva. Esa que le ha venido dando la espalda durante las últimas galas.

Ya queda menos para que llegué el día 5 de Marzo y se van conociendo detalles como este. Seguiremos informando desde "El Séptimo cielo"...
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21 de febrero de 2006
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Si hay un director controvertido, anárquico y transgresor en el cine europeo, ese es Lars Von Trier. Creador del Dogma y con una carrera tan atípica como brillante para unos o pretenciosa para otros.El caso es que el director danés nunca deja indiferente al espectador que acude a sus películas.

Hace 3 años dicho autor, decidió llevar a cabo un proyecto dividido en 3 episodios, que llevasen por título el nombre de un estado o ciudad y que tuviesen al ser humano, sus instintos y comportamientos como objeto de juicio. La singular saga comenzó con "Dogville", sigue ahora con "Manderlay" y tendrá su culminación con "Washington".

"Dogville" fue una grata sorpresa para el público y la crítica. Su fondo y su forma llamaban claramente la atención. Una obra cuasi teatral, con unos decorados inexistentes, en donde la tiza era la protagonista, un reparto coral de actores de gran importancia, una historia narrada por una elegante voz en off y dividida en un prologo y nueve capítulos. El minimalismo hecho película para contarnos un rotundo cuento moral de consecuencias contundentes.
La propuesta, era, cuanto menos, provocadora e inusual. Y hay que reconocer que Von Trier, consiguió con "Dogville" una más que interesantisima obra, apoyada además en el potente gesto interpretativo de Nicole Kidman.
Ahora, "Manderlay" continua con la historia de Grace, su padre, los gangsters y una nueva comunidad en donde los blancos y los negros cobran protagonismo.

La Grace de entonces ha cambiado, en todos los sentidos. Bryce Dallas Howard, el mejor trabajo de Ron Howard hasta la fecha, coge el relevo de Nicole Kidman. La joven actriz, deslumbrante en "El bosque" de Shyamalan, consigue una interesante interpretación, pero lejos de la fuerza y presencia de Kidman. Da la sensación de que con este cambio físico del personaje, tambien la personalidad del mismo ha seguido el cambio. Nunca se llega a reconocer a la Grace (Kidman) en la nueva Grace (Howard). Parece otro personaje, más obstinado, menos candoroso que en la anterior cinta.
Tambien hay otras nuevas presencias; Willem Dafoe, como nuevo padre de Grace (sustituyendo a James Caan) y Danny Glover, como patriarca de la raza negra.

Lo racial es ahora el vehículo para el estudio del ser humano en "Manderley". Von Trier utiliza la relación amo-exclavo dentro de un microcosmos comunitario como trama principal, que finalmente será extrapolable a un ámbito universal. Juega, además con la democracia, el totalitarismo y la libertad, con la sumisión, la tolerancia y la independencia, así como los imparable deseos sexuales. Nos muestra todos los palos de esta amplia baraja durante las más de dos horas de metraje, de un modo claustrofóbico e incomodo.
Sin embargo hay algo soterrado en "Manderlay" que no resulta. Aquel giro tan tremendo que tan bien funcionaba en "Dogville" y que justificaba toda la película, no existe en esta ocasión. Da la sensación de que todo lo que nos esta contando Von Trier, lo podría haber hecho recreandose en menor medida, siendo más directo, breve y preciso, exigiendo un menor esfuerzo del espectador para acompañar su propuesta.
Asistimos a un final que deja incompresiblemente una extraña sensación de vacío. Y eso que la historia esta bien narrada, siguiendo al pie de la letra, el estilo de su antecesora. Pero posiblemente, por esa carga aleccionadora tan contundente que tenía "Dogville", sobre lo bajeza absoluta del ser humano, permitiamos, aceptabamos y aplaudiamos a la cinta.
Ahora, a pesar de apreciar su esfuerzo moralizante, acabamos hastiados de tanta opresión.
El factor sorpresa de "Dogville" engrandecia a esa cinta. Su puesta en escena, su radicalidad y su grandioso discurrir con ese final impagable, hacian de ella una gran película.
Aquí ya no existe ese factor sorpresa, y su final no guarda una coherencia tan rotunda y certera como "Dogville". "Manderlay" es, por tanto,una decente continuación, pero no tan brillante como su predecesora.

Si fuisteis de los que disfrutateis de esta cinta anterior, sabeis muy bien lo que vais a encontrar en vuestro viaje a "Manderlay". Eso si, podeis hacer caso omiso si el anterior estado, que llevaba por nombre Dogville, os pareció un cacharro intelectualoide del enfant terrible danés. De lo que no hay duda es de que el señor Von Trier seguirá provocando división de opiniones con su personal trilogia...la cuestión está en si logrará, en esta ocasión,que la balanza se situe de su lado.
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18 de febrero de 2006
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Nos remontamos al año 1985, cuando Martin Scorsese escogió a Griffin Dunne para adentrarlo en una pesadilla nocturna. El pobre Dunne ya las había pasado canutas en otra pesadilla con hombres lobos de por medio por obra y gracia de John Landis. Sin embargo Dunne no aprendió la lección de como salir de situaciones adversas que ocurren más allá de la medianoche y volvió a caer en una espiral de situaciones desagradables para su integridad nerviosa en "Jo, que noche" ("After Hours").

"Jo, que noche" es una de las películas más redondas de Scorsese, a la par que atípica. No tuvo la repercusión de otros de sus films como "Uno de los nuestros", "Toro Salvaje" o "Taxi Driver". Es una cinta a reivindicar, a pesar de tener una buena legión de seguidores. Una de sus escasas comedias, al mismo tiempo que otro de sus retratos del Nueva York nocturno.
La acción de este "After Hours" nos situa en el Nueva York de buena posición. Allí encontramos a Paul Hackett (Griffin Dunne), el cual lleva una aburrida pero acomodada vida, dedicada a su trabajo de administrativo.
Esa comodidad, rutina, tranquilidad, o como se le quiera llamar, parece tener hastiado a Hackett, que busca una nueva emoción en su vida en forma de mujer con nombre de Rosana Arquette.
Ahí empezará su infortunio.

Y es que Scorsese introduce a Dunne en un cúmulo de despropositos que se desarrollaran a tiempo real, durante una única noche. Esa historia, permite a Scorsese formar un retrato de Nueva York. No de las altas zonas, sino de otras menos lujosas como el Soho. Le permite describir una fauna urbana peculiar, desequilibrada y ochentera hasta la medula.

El éxito de "Jo,que noche" radica principalmente en el acertado personaje de Dunne. El aparece en todos los planos de la cinta. Es un personaje tranquilo, afable, buena persona y con un gran sentimiento de culpabilidad.
El director italoamericano situa a Dunne en un universo radicalmente opuesto al de su personalidad y le añade mala suerte particular y una espiral de situaciones que rozan lo absurdo, lo increible, lo surrealista y lo cómico.
Una cómicidad la de "Jo, que noche" singular por si misma. La cinta de Scorsese tiene la capacidad de divertir al espectador que no se ponga demasiado en la piel de Hackett, sino que unicamente le acompañe visualemente en sus accidentes nocturnos. De otro modo, la crispación nerviosa del espectador sería similar a la del personaje.

Si "Scorsese" ya utilizó "Taxi Driver" como vehiculo para presentar el Nueva York oscuro, en todos los sentidos,y repitió años más tarde con "Al limite", otra pesadilla de medianoche, "Jo, que noche" es la parte más divertida de ese retrato nocturno que tanto le gusta al director, pero no menos caótica, angustiosa o peligrosa y sobre todo, cargada de mucha mala uva.
Igualmente este "After Hours" es una fiel y precisa representación de los años 80, con sus atuendos y sus modas, su arte y su música. Imprescindible para comprender los años ochenteros.

El guión de Joseph Minion, es de esos guiones redondos, circulares, que abren y cierran la historia en un mismo punto y que deján una perfecta sensación de haber contemplado una de esas narraciones sin errores en su planteamiento y consecución, siendo además un guión y una película únicas en su especie.

Con descubrimientos actorales, de éxito posterior, como Catherine O´Haraa y John Heard (futuros padres de Macauley Culkin en "Solo en casa"), Linda Fiorentino y Will Patton en pequeños papeles o Bronson Pinchot famoso por la serie "Primos Lejanos", con ese peculiar acento que todos recordamos en el doblaje español de la serie.

Y es que ¿quién no ha tenido una de esas noches en que nada sale bien? "Jo,que noche" es precisamente eso, llevado al paroxismo del absurdo. Así que cuidado este Sabado Noche.No andad con desconocidos.Porque ya nadie es lo que parece...y menos en los 80.

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17 de febrero de 2006
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Hace unas semanas, ya os hablaba del café, gracias a esa antigua campaña de Leche Condensada que jugaba con los géneros cinematográficos.
Ahora, navegando por la red, he encontrado esta web, dedicada integramente a esta excitante bebida y que dedica uno de sus apartados a las apariciones del mismo en la gran pantalla.

Acompañada de acertados comentarios, esta sección de "El café en el cine" nos muestra imagenes en las que actores y actrices de grandes films acompañan su actuación con un aromático café.
Películas como "Pulp Fiction", "Mullholland Drive", "Deseando Amar" o "Uno, dos,tres" del gran Wilder decidieron poner un café de por medio en uno de sus muchos planos. Y ahora estas imagenes son recopiladas por esta página que desde "El Séptimo Cielo" animamos a que echeis un vistazo o dos. Seguro que os animará a bajar a la cafeteria más cercana.
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14 de febrero de 2006
ENJUGUESCÁS

Por mi tierra, manchega ella, es frecuente el uso de la palabra enjuguescá. Estar enjuguescao es estar juguetón, jovial, inquieto y con algunos matices...engrillotao.
Este vocabulario, puramente albaceteño, y en concreto esa palabra, muy amoldable al comportamiento adolescente, fue lo primero que me vino a la mente mientras veia la última adaptación de la novela de Jane Austen "Orgullo y prejuicio". En ella todas sus protagonistas están enjuguescás durante su metraje. No se si es Joe Wright el responsable de este estado, o si el mismo se ha contagido de ese vigor, el caso es que "Orgullo y prejuicio" es una de las cintas más alegres y desenfadadas del año.

Y es que ese es el tono pretendido y conseguido en la nueva versión de "Orgullo y prejuicio". Un tono alegre, contento, dinámico que se consigue gracias a un agil guión (según dicen, supervisado por la mismisima Emma Thompson) y a una dirección del debutante Joe Wright, que recurre a los planos secuencia, numerosisimos durante toda la cinta, para narrar y rejuvenecer el imperecedero clásico de la señora Austen, a través de las cinco dicharacheras hermanas protagonistas.

Muchas han sido las ocasiones en que Austen ha sido adaptada a la gran pantalla. "Sentido y Sensibilidad", del ahora encumbrado Ang Lee, es quizá, la mejor adaptación del mundo de Austen, ayudada por su estimable reparto o "Emma" comandada por Gwyneth Paltrow. También "Orgullo y Prejuicio" tiene numerosas versiones. La clásica con Laurence Olivier y guión de Aldous Huxley, la mini serie británica que dio fama a Colin Firth en la piel de Darcy y porqué no, "El diario de Bridget Jones" que habilmente toma personalidades y nombres de dicha novela.

Es estimable y agradable el visionado de este "Orgullo y prejuicio". La bonita dirección de Wright tiene mucho que ver en el resultado final. Nunca pierde de vista a los muchos personajes de la trama, mantiene un ritmo apropiado, aporta credibilidad a la época recreada, convence en el romanticismo y en las escenas menos románticas y su puesta en escena es encomiable, sobre todo en las coreografias de los bailes.

Tambien ayuda el acertado casting, que nos muestra a un tal Matthew Macfadyen (desconocido hasta la fecha) idoneo en el papel del tímido Darcy. Él es, el gran descubrimiento de la cinta.
Lo de Keira Knightley es otro tema. Nunca me acaba de convercer esta actriz, con su gesto forzado y sus morritos. Con sus numerosos tics interpretativos. Si bien, conforme avanza el metraje se adapta a la perfección a la orgullosa Elizabeth Bennet de la novela. Y hay que reconocer que lo saca a flote. Eso y ser un rostro guapo en Hollywood le ha valido la nominación al Oscar a la mejor actriz por el papel.
Y como no, en una cinta británica y de época, no pueden faltar una histrionica Brenda Blethyn y una imponente Judi Dench, que aporta la flema necesaria.

Con todo ello, "Orgullo y prejuicio" se acaba estableciendo como un apreciable film, respetuoso con su fuente, agradable y emotivo con lo que pretende transmitir. Muchisimo más que correcto. Con las joviales y enjuguescadas hermanas Bennet, con su tranquilo y sereno padre (otro buen papel de Donald Sutherland, con gran parte final), con su nerviosa madre, con los típicos prejuicios de clase alta y con una historia romántica, que a mi, al menos, me convenció.
Un film que bien vale como regalo de San Valentín por encima de la típica rosa o de la caja de bombones.

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9 de febrero de 2006
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Pues sí, son ellas. Dos de las actrices más cotizadas y deseadas del panorama cinematográfico actual, Keira Knightley y Scarlett Johannson. Y además, como diós las trajo al mundo.
El caso es que cada año, cuando los Oscars se acercan, Vanity Fair busca la sorpresa con sus portadas. O bien uniendo a los nominados en una sesión fotográfica o bien realizando estos tipos de desnudos artísticos. Hace unos años, si no recuerdo mal, desnudaron a Julianne Moore junto con el director Todd Haynes, con motivo del estreno de "Lejos del cielo".
Ahora han recurrido a estas dos actrices que se presumian nominadas en esta nueva edición de los Oscar, habiendolo conseguido unicamente Keira Knightley, por lo que el efecto de desnudar a dos nominadas al Oscar se ha quedado finalmente a medias.
También cuentan las malas lenguas que Rachel McAdams, vista en "Vuelo Nocturno" o "El diario de Noah", era la tercera en discordia, y que a última hora se arrepintió. Lenguas aun peores dicen que una vez tomadas las fotos, obligó a que la eliminaran a base de Photoshop.
Por cierto, que tambien sale el diseñador Tom Ford, por si no os habiais fijado.

Bueno, yo os dejo con estas dos guapas actrices por unos días. Me tomo un pequeño descanso septimocielero y laboral, en el cual aprovecharé para viajar. El Domingo estaré por aquí de nuevo. Podeis seguir visitando "El Séptimo Cielo" y así poder contemplar una y otra vez la blanca piel de Johannson y Knightley. Saludos.
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6 de febrero de 2006
2 de febrero de 2006
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Voy a tratar de no deshacerme en excesivos elogios hacía Steven Spielberg en este comentario de "Munich". Me va a ser dificil no hacerlo, pero lo voy a intentar. Y es que la última película de este hombre de barba y gorra está en otro nivel. Su cine ha llegado a cimas inalcanzables para cualquiera. Rueda con una perfección absoluta, maneja los tiempos de forma excelente, narra como nadie y además siempre trabaja con Kahn, Kamisnski y Williams. Lo tiene todo.
Y ese todo, se ve ejemplificado una vez más en su nueva película, "Munich" que parece rodada en el 1975. Parece tener la misma sangre de "La Conversación" de Coppola o "Desaparecido" de Costa Gravas o "Easy Rider" de Dennis Hopper o el cine de Arthur Penn, Peckinpah, Scorsese, Friedkin, Lumet y otros muchos que dieron bravura al cine de los 70.
Spielberg no andaba muy lejos de ellos en aquella década, solo que él iba a contracorriente, dirigiendo un cine menos violento y crítico pero igual de genial.

Con "Munich", Spielberg ha hecho la película que podría haber rodado en aquella corriente cinematográfica, comprometida y rompedora.
Lo que Spielberg nos cuenta, se basa en un hecho real. Por un lado el atentado llevado a cabo por terroristas palestinos contra 11 deportistas israelies durante la celebración de las Olimpiadas de Munich de 1972. Por otro, la posterior venganza tomada por los israelies contra los cabecillas de dicho atentado.

La recreación no puede ser más perfecta. Spielberg intercala imagenes televisivas reales con la ficción. No hay más que ver el tremendo parecido entre los atletas reales con los actores que los interpretan. Espeluznante es todo el comienzo de la cinta que concluye con un acertado montaje paralelo de los deportistas asesinados y los terroristas a asesinar, con las que Spielberg deja más que claras las intenciones de fondo de "Munich".

A partir de este momento, entrará en juego la venganza, con sus cinco agentes a cargo y el recorrido por todo el mundo en busca de los asesinos. Una excusa argumental de la que Spielberg ha sacado todo el provecho posible. Ha logrado la perfección.
Hay secuencias de pura tensión (la bomba telefónica) al más puro estilo Hitchcock, secuencias donde la persecución y la locura se mezclan (la historia del hombre en el armario), al más puro estilo de "La conversación". Hay momentos de cine de acción trepidante. Y repito, todo filmado con una depuración, una brillantez y un dominio rotundo del cine en todos los sentidos. Hasta París, Amsterdam, Atenas o Londres parecen agradecidos por haber sido filmados con tanta belleza.
A todo esto, ayuda, como no, la fotografía de Janusz Kaminski (que nos ofrece un prodigioso retorno a la fotografía setentera), el montaje de Michael Kahn y la música de John Williams,que tanto en "La guerra de los mundos" como en esta película, no sobresale tanto escuchada junto con las imagenes, pero va como anillo al dedo al film.

El casting es tambien otro de los grandes aciertos. El quinteto vengativo es todo un acierto. No hay ninguna estrella y eso es estupendo. Eric Bana tiene carisma, tambien Daniel Craig y Matthie Kassovitz. Cirian Hinds y Hanns Zischler, aportan la veteranía. Componen un quinteto atractivo y sobrio. El mejor desde "El quinteto de la muerte".
Además Spielberg, se permite el lujo de llamar a una buena nómina de actores franceses de "qualité". Michael Lonsdale, Mathieu Almaric, Yvan Attal o la italiana Valeria Bruni-Tedeschi.
Se nota que Spielberg está al día en cine europeo.

Todos son aciertos en "Munich". Tecnicamente impecable. Y narrativamente tambien. Es el Spielberg más valiente que hemos visto nunca, con escenas de sexo incluidas, sordidez y gran dureza en los asesinatos.
Se le ha acusado al director americano (y también de origen judio) de antisemita por esta película...por diós, como decir eso de alguien que ha hecho "La lista de Schindler"!.
"Munich" expone la dificultad de la lucha contra el terrorismo. La uña que se corta y vuelve a crecer. Lo inutil de la violencia.
Es una película vital para entender estos tiempos que corren, para comprender el conflicto de Oriente Medio, con un mensaje claro expuesto a través del personaje de Eric Bana, que condena la violencia, cualquier acto terrorista, cualquier signo en contra de la paz. Es más que elocuente ese plano de las Torres Gemelas indicando que los actos de violencia llevan a más actos de violencia.

Creo que finalmente me he deshecho en elogios. Pero es que no es para menos. Creo que nadie actualmente es capaz de igualar lo que hace Spielberg. "Munich" está en otro nivel cinematográfico. Nunca el cine y todos sus recursos se han utilizado tan fenomenalmente para denunciar algo tan necesario como el terrorismo.
Yo me quito el sombrero y le doy a Steven Spielberg los dos Oscars de plástico que tengo en mi habitación. Por si acaso...

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1 de febrero de 2006
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Ya tenemos otro año más lleno de candidatos a los Oscars. Todos nosotros plantados delante de la tele para ver la rapidisima lectura de las categorias importantes e inmediatamente después expectantes en la red para conocer el resto de nominados. Cierta sensación de dejavú en ese momento y opiniones posteriores para todos los gustos en esta 78 edición del tio Oscar.
No voy a citar las candidaturas, son muchas y seguro que ya las sabeis. Eso si, os dejo algunas de mis reflexiones sobre estas nominaciones...

Reflexión 1: Hay buenas películas entre las nominadas, otras que no lo son tanto. Ninguna con carisma suficiente.

Reflexión 2: Paul Giamatti debió ser nominado y además favorito por "Entre Copas"...como no...la "ley de la compensación" de estos premios funciona de nuevo. Este año si que figura Giamatti. Puede que gane.Lo merece. Pero tambien lo merecia antes.

Reflexión 3: Nominación para Alberto Iglesias. Por "El Jardinero Fiel".Buena banda sonora. Pero atipica para unas nominaciones al Oscar.Le deseamos suerte.

Reflexión 4: Una única nominación para "Match Point".Demasiado poco para una película tan brillante.

Reflexión 5: ¿Como los productores de "Una historia de violencia", no se dieron cuenta de que debian promocionar a Maria Bello como Actriz Secundaria y no como Actriz?. Su actuación es potencial de Oscar, sin embargo no figura. Mismo caso, pero diferente resolución para Rachel Weisz. Era actriz principal pero la promocionaron para secundaria.Ganará de calle. Que no se preocupe Bello, el año que viene le compensarán.

Reflexión 6: John Williams iguala el record de nominaciones de Alfred Newman. Repite doble candidatura. Este año será el suyo si no se reparten los votos, en su contra, entre sus dos grandisimos scores.Yo no se con cual de los dos me quedaría...

Reflexión 7: Me gusta "Crash".Y mucho. No quiero que gane. Por respeto a "Vidas Cruzadas" y a "Magnolia". Ni siquiera estuvieron nominadas.

Reflexión 8: La sorpresa de las nominaciones fue que finalmente entrase "Munich" en lugar de "En la cuerda floja"...Algo grave está ocurriendo.

Reflexión 9: ¿Es Ang Lee un maestro del cine? ¿Qué pensará Scorsese si Lee gana Director y Película?

Reflexión 10: ¿Por qué las ciruelas negras son rojas cuando estan verdes?...

Seguiremos informando hasta el día 5 de Marzo...
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