31 de agosto de 2006
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El hombre que pegó la bofetada más famosa de la historia del cine, ha fallecido durante la pasada noche del 30 de Agosto en su casa de California.
Tenia 90 añós y con su perdida, ya son pocas las grandes estrellas del Hollywood dorado que continuan con vida.

Porque Glenn Ford fue uno de los grandes. Sin llegar a ser un magnifico actor (aunque tiene papeles memorables), si que llegó a ser una estrella. Hizo mucha comedia y sobre todo muchisimos westerns, un que le puso cercano al encasillamiento. Practicamente tocó todos los géneros.

Si bien, yo siempre lo recordare por la excelente cinta de cine negro "Los Sobornados" de Fritz Lang, director con el que hizo dos de sus mejores películas, ya que tambien participó en "Deseos Humanos" que se basaba en "La Bete Humaine" de Emile Zola y que le volvia a unir a Gloria Grahame.

Ford tiene en su haber títulos que han quedado para la historia gracias a detalles. "Semilla de maldad" será recordada por ser la primera película en la que sonó un rock n´roll. Y que vamos a decir de "Gilda", la cual, solo con el baile de Rita Hayworth y la bofetada del bueno de Glenn, ya pasó a la historia.

Nunca ganó un Oscar ni logró una nominación, pero si un Globo de Oro por "Un gangster para un milagro" de Frank Capra.
Otras de sus cintas relevantes fueron "Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis" de Vicente Minelli, "El tren de las 3:10" de Delmer Daves, la cinta bélica,"La batalla de Midway" de Jack Smight y el "Superman" de Richard Donner.

En 1987 Glenn Ford obtuvo el Premio del Festival de San Sebastián en reconocimiento por su carrera. Ford era entonces el actor vivo que más películas había protagonizado, con un total de 234 hasta el 1987.
Descanse en paz.
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30 de agosto de 2006
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Paul Greengrass, director nacido en Cheam Surrey, Inglaterra. Que mejor que alguien no estadounidense para acercarse de un modo directo a lo acontecido en la fatidica fecha del 11 de Septiembre de 2001.
El acercamiento cinematográfico a tal suceso era una bomba de relojeria según en que manos cayese. Y en las manos de Greengrass adquiere una condición de objetividad inmejorable.

Porque es muy facil hacer de los ataques de Al Qaeda una película de buenos y malos, con matices religiosos. Es sencillo recurrir a la crítica al Gobierno de Bush. Queda muy mono el hacer un homenaje lacrimógeno y “bigger than life” sobre los Estados Unidos. Y es una tentación muy grande el no hacer de este brutal ataque terrorista, un film con mensaje, aderezado con unos desbordantes efectos especiales.

Lo difícil es hacer lo que Greengrass ha hecho. Recrear en tiempo real y con la máxima veracidad posible aquellos terribles momentos. Sin posicionarse (ni falta que hace), sin un mínimo intento de condicionar la respuesta del espectador, algo que con el material de partida, se presumía altamente complicado.

El director de “Bloody Sunday” o “El mito de Bourne” ha acertado en pleno en el hecho de dejar que los hechos hablen por si solos, como ya lo hicieron en el momento en que sucedieron, y para ello ha elegido el tono semidocumental, posiblemente el más adecuado para conseguirlo.
Cámara en mano, con nervio y una feroz intención de realismo, Greengrass va moviendose por el camino que le guian todos los seres anónimos que presencian las extrañas maniobras de los aviones y el impacto de la noticia televisiva sobre el accidente, además de aquellos que intentan en balde evitar la tragedia.
Actores no profesionales (y unos pocos que si lo son) dotan a “United 93” de una mayor sensación de autenticidad a lo narrado.
Una visión plenamente sincera que recurre a la realidad para emocionar, impactar y recordar.

“United 93” goza de un ritmo frenético, de un montaje endiablado y de dialogos que podrian ser perfectamente los pronunciados por los testigos reales de los atentados.
Todo ello es suficiente para lograr el interés del espectador, sin necesidad de recurrir a mostrar el choque de los aviones contra las torres gemelas (solo lo vemos por televisión) o lo gratuito de las imágenes de las victimas. No hay sangre, no hay sensacionalismo, solo franqueza.

Aunque “United 93” se situa en torno a los centros de control de vuelo que veian atonitos la descontrolada situación, y tambien nos da la visión militar, la cinta toma el nombre y se centra en uno de los cuatro aviones que tenian como misión atentar contra los EEUU.

Concretamente ese vuelo 93, el único que no cumplió su objetivo terrorista. La visión documentada de Paul Greengrass nos habla de una reacción de los pasajeros, que fueron aquellos que heroicamente evitaron que el avión se estrellase contra el Capitolio y si contra un campo en Pensylvania. Todavía existen muchas dudas sobre ese hecho, ya que no está demasiado claro que fuese la valiente actuación de a bordo la que llevase al fracaso la misión y si se habla de que un caza de Gobierno estadounidense fue el encargado de derribar el avión, el cual tenia la menor cantidad de pasajeros de los cuatro, y en una parcela de tierra deshabitada.

El caso es que, dudas aparte, Greengrass escoge su versión de los hechos y destina la última media hora de metraje a narrar lo acaecido dentro del United 93, en los que son los mejores momentos de toda la cinta. Los más desesperados, desgarradores y humanos. Y los que albergan gran cine dentro. Todo un prodigio de narración que confirma a Greengrass como realizador de innegable talento.

"United 93" es una cinta imprescindible, como obra cinematográfica y tambien como documento histórico. Un film impecable y sobrio. Brutal y estremecedor. Una película sobre las personas que sufrieron directa o indirectamente aquel atentado, a la que seguro, todo el mundo agradecera el haber tratado tan delicado tema desde una óptica tan sumamente respetuosa.

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28 de agosto de 2006
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En su ultima película, “La joven del agua”, M.Night Shyamalan introduce a un critico de cine como uno de los muchos personajes que desfilan por la cinta.
Un personaje que, no caprichosamente, tendrá un destino muy diferente al del resto de habitantes del bloque de viviendas que se nos presenta en el film.
Este guiño, lleno de cinismo y mala uva, se establece como un certero golpe en la mesa, por parte del director de origen hindú hacía aquellos que no acaban de comprender su cine.
Shyamalan rueda y rodará siempre sus singulares historias, al margen de los convencionalismos del género, el público y por supuesto, la crítica. Y dentro de ese cine de constantes “shyamalanescas”, “La joven del agua” es su máxima expresión.

“La joven del agua”, nos cuenta la historia de Cleveland Heep (Paul Giamatti) y de la comunidad de vecinos a la que atiende diariamente. La llegada de una ninfa marina (Bryce Dallas Howard), alterara la rutina del lugar.

Con esta historia, Shyamalan se ha consolidado como la antitesis del cine actual. Mientras Hollywood se encuentra sumido en una profunda crisis creativa, adoleciendo de una alarmante falta de ideas, Shyamalan busca la originalidad extrema en cada una de sus narraciones, las cuales, con sus virtudes y defectos, se constituyen como una esperanza para todos aquellos que seguimos el cine americano contemporáneo.

“La joven del agua” es el film de Shyamalan que más impetuosamente busca esta originalidad, hasta el punto de ser una película difícilmente clasificable en un solo género y con elementos, que demuestran, que no todo esta inventado.
Es por eso que la historia de esta sirena de otro mundo, es el film más complejo y ambicioso de Shyamalan hasta la fecha. Lo que trae consigo algunos de los momentos más bonitos, maravillosos y brillantes del cine de este año, pero también la sensación de que Shyamalan quiere contar tantísimo que a veces, se ve desbordado por la cantidad de personajes, microhistorias y detalles que inundan el film.

La cinta comienza de una manera inmejorable. Con un bello prólogo que nos pone en situación sobre el cuento del que vamos a ser testigos. Un prólogo animado y acompañado por el excelente (una vez más) score de James Newton Howard. El arranque promete y Shyamalan no tarda en presentarnos a Giamatti y su encuentro con la ninfa.
Un Paul Giamatti que dota a su personaje de una gran humanidad. Con solo unas pinceladas sobre el pasado y sobre el presente de su personaje, Giamatti ha compuesto a un héroe atípico a la perfección, siendo su interpretación digna de todos los elogios.

Pero si, en “El Protegido” o en “El Sexto Sentido”, su protagonista masculino, llevaba el peso de la historia, en “La joven del agua”, Giamatti cede parte de su protagonismo al reparto coral. Una gran cantidad de personajes aparecen en la película (algo que ya comenzó a elaborar Shyamalan en “El Bosque”, la cual puede considerarse como la madre de esta) que son descritos de un modo cómico.

Shyamalan elabora cuidadosamente la presentación de cada uno de ellos y lo hace usando el humor y la amabilidad en cada descripción. De este modo encontramos a un joven que desarrolla los músculos de un solo brazo, a un grupo de colegas fumados, a un padre y un hijo adictos a los crucigramas y a los cereales. Todos ellos, curiosos personajes que habitan en los apartamentos no por casualidad, y es que en el cine de Shyamalan una caja de cereales o una mariposa no aparecen gratuitamente. Todo esta ensamblado, planificado, como si de una orquesta se tratase. Y es que en “La joven del agua” el protagonista principal es la comunidad de vecinos.

Se puede afirmar que todos y cada uno de los personajes de “La joven del agua” son un acierto. No tanto el papel que se guarda Shyamalan, el cual debería dedicarse exclusivamente a la dirección. Su personaje es indudablemente hermoso, pero el no está precisamente a la altura. Sus apariciones deberían reducirse a pequeños cameos.

Y en cuanto al doblaje al castellano, un personaje tan relevante para la historia como es el de la estudiante china, debería haber sido más cuidado por los dobladores. Da gran cantidad de datos y nombres que son cruciales para que el espectador pueda seguir la trama, pero ese absurdo chino-castellanizado hace que se difícil su comprensión.

Con todo perfectamente mezclado, Shyamalan va componiendo su particular cuento chino, en el que tanto sus protagonistas como el espectador se vera inmerso en un juego a contrarreloj, en el que unir las piezas perfectas llevará a un feliz desenlace.
Un cuento adulto bienintencionado digno de elogio, arriesgado y como digo complejo. Puede que tenga algunas irregularidades, las propias de aquel que se sabe capaz de contar un cuento con muchísimos elementos entroncados con el género fantástico (sirenas, águilas protectoras), terror (lobos al acecho), comedia (Giamatti haciendo de niño o los fumetas intentando ser cultos) y drama (el trágico pasado de Giamatti), pero se ve superado a la hora de equilibrar todos ellos.

Posiblemente, si Shyamalan hubiese realizado tres o cuatro protegidos o dos o tres bosques más, hubiese sido capaz de pulir esos pequeños detalles que hubiesen hecho de “La joven del agua” una redonda obra maestra. Por ser más ambiciosa es menos perfecta.Si bien, es una satisfacción el poder haber gozado en este año, de “Lady in the water”, la cual, con poco, es una de las mejores producciones norteamericanas que nos han llegado en este 2006. Así como una excelente y preciosa muestra de cine, con un mensaje esperanzador, que nos enseña quien es uno de los más finos autores del cine americano actual.
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23 de agosto de 2006
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Me voy cinco días de viaje.STOP.Espero que durante el trayecto, no me asusten como a este individuo.STOP.Fijaos que cara.STOP.El Lunes estoy aquí de nuevo.STOP.Vendré con la joven del agua.STOP.Saludos.STOP.
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22 de agosto de 2006
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Mucho se habla en este blog sobre M.Night Shyamalan. Y es que su cine es magnético, inquietante y visualmente sobresaliente. Dicen de él, que es el nuevo Hitchcock. Otros, que es heredero directo de Steven Spielberg. Después de “El Sexto Sentido”, “El Protegido”, “Señales”, “El Bosque” y a falta de “La joven del agua”, se puede hablar de Shyamalan sin necesidad de comparación alguna.

El caso es que Shyamalan hechiza al público que conecta con su cine, e irrita al que solo quiere ver en su figura, la de un director de terror o suspense. Como habréis comprobado, yo soy uno de sus más fieles seguidores, hasta el punto de considerar a la película que nos ocupa, “El protegido”, como un film cercano a la perfección de todo lo que plantea este director y como una de las mejores películas de esta década en la que nos encontramos.

“El protegido” siguió en la filmografía del hindú a “El Sexto Sentido”, con la cual tiene una gran cantidad de semejanzas. Ambas son películas que hablan de la soledad de un individuo, de su aislamiento social a causa de sus condiciones personales, las cuales, en el cine de Shyamalan, tienen una conexión sobrenatural.

Aunque vestidas en cine de género, lo importante de estas cintas, radica en ese hastió humano que sufren los protagonistas de sus cintas, ya que en la búsqueda de soluciones para sus desoladas vidas, será cuando el elemento fantástico se muestre. Será el momento en que Shyamalan de rienda suelta a sus inquietudes cinematográficas, que no son otras que las enmarcadas dentro del “drama fantástico”, subgénero en el cual, se está estableciendo como el autor idóneo. En “El Sexto Sentido”, el Doctor Malcom Crowe (Bruce Willis), deambulaba por una vida que no le daba respuestas a la frialdad que le transmitían los seres que le rodeaban. En “Señales”, el Reverendo Graham Hess (Mel Gibson), cuidaba con aparente tranquilidad y paz de su familia pero con su fe y su conciencia dañada. En “El Bosque”, Edward Walker (William Hurt), vivía con una triste carga pasada que le había llevado a instalar el miedo como forma de vida en los habitantes de su aldea. Y lo de menos, aunque parezca increíble a simple vista, en todas estas cintas, son los fantasmas, los campos de trigo y los extraterrestres o los monstruos del bosque.

En “El Protegido”, a Davin Dunn ( de nuevo, Bruce Willis) le machacaba constantemente su condición humana, desvelada por diferentes accidentes de los que había salido ileso. Un poder, el que poseía Dunn, que estando oculto, marchitaba a su persona, le ponía una losa a su libertad interior, que terminaba por afectar a su matrimonio y a todo su entorno.

Es de ese personaje, sumido en un drama vital, del cual Shyamalan nunca se aleja y sobre el que asienta su película. Con él, y con su relación con otro atormentado y frágil ser, Elijah Price (Samuel L.Jackson), el director hindú teje lentamente una historia de superhéroes, lejana a la épica habitual de las cintas de estos heroicos personajes de capa y superpoderes. Estudiando con serenidad durante todo el metraje de la cinta, la vida cotidiana del ser que esta dotado de condiciones especiales. Vamos, que a Shyamalan le interesa más en todo momento, al Bruce Wayne que hay dentro de Bruce Willis, más que al Batman que pueda existir en él.

Y en ese desarrollo dramático, Shyamalan derrocha una potencia visual brillante. Tiene mano maestra a la hora de dirigir el suspense, de ofrecernos las pistas exactas y de hacer evolucionar a la película conforme a la evolución del personaje de Willis.
Amén de una inteligente utilización de los colores para transmitir sensaciones, algo que el realizador de origen hindú, ya hizo en “El Sexto sentido” con el color rojo, aquí con los colores azul y naranja (perfectamente visible en las escenas en las que Bruce Willis pasa a la acción) o el mostaza en “El Bosque”.

De este modo, poco a poco, con memorables escenas, como aquella en la que el niño pretende disparar a su padre para conocer si realmente es un superhéroe (claro homenaje a una de las escenas eliminadas del montaje final del “Superman” de Donner y existente en los comics del hombre de acero) o esa en la que Willis descubre su verdadera condición, Shyamalan consigue la cinta de superhéroes más contenida que jamás se ha hecho, así como una de las mejores de este género, de la que puede considerarse una rara avis.

No faltarán, en “El Protegido”, las firmas de este director, como la utilización de los reflejos (las escenas de la infancia de Elijah reflejadas en un televisor) o su propia aparición a modo de cameo. El excelente acompañamiento sonoro de la música de James Newton Howard. Y sobre todo, un impactante final, habitual de Shyamalan,que termina por redondear esta historia de superhéroes cotidianos.

En cuanto a las interpretaciones, Bruce Willis y Samuel L.Jackson, los cuales ya coincidieron en “Pulp Fiction”, tienen la moderación perfecta que reclamaban sus papeles, y componen los más tristes superhéroe y villano, respectivamente, de la historia del cine. Con las flaquezas y atuendos propios de alguien con su condición. Ellos son los absolutos protagonistas del evento. Solo Robin Wright Penn puede hacerles frente, minimamente eso si, en el film.

“El Protegido” es, hasta la fecha, el mayor logro de M. Night Shyamalan. Una joya del género y una de las mejores películas del cine americano más reciente.Y todo un sincero homenaje al mundo del comic, además de suponer la confirmación de un director sobresaliente en el fondo y en la forma. Un creador que mima sus cintas y las dota de fuerte carácter y personalidad. Un diez en todos los sentidos filmicos, al menos, en esta historia de seres frágiles, pero irrompibles.

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20 de agosto de 2006
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Fue la reina de la música a principios de los años 90. Una cantante que logró vender más de 100 millones de copias de sus discos.
Con su potente voz, su belleza física y su simpatía de cara a los medios, se ganó una enorme popularidad, que hizo que Hollywood se fijase en ella. Whitney Houston llevaba la carrera propia de una gran estrella.

"El guardaespaldas" fue su primera película y su primer personaje protagonista. Y a su lado, la estrella masculina más de moda por aquel entonces, Kevin Costner, que venia de ganar el Oscar por "Bailando con lobos" y de haber protagonizado éxitos como "Robin Hood, principe de los ladrones" y la cinta de Oliver Stone, "J.F.K".

"El guardaespaldas", se estableció como una producción taquillera en aquel año 1992, y su banda sonora, compuesta por temas de Houston, fue número 1 en ventas durante varios años.

Luego vendrían, "Esperando un respiro" o "La mujer del predicador" junto a Denzel Washington, su actuación en la Gala de los Premios Oscar por su canción para la primera producción animada de Dreamworks, "El Principe de Egipto" (junto a Mariah Carey), además de 6 premios Grammy.

Houston fue muy famosa. Quizá por ello nos impacte tanto el ver su imagen actual. Ella se ha convertido en el paradigma del camino oscuro de la fama.Las drogas, el alcohol y todos los excesos que inevitablemente rodean a los artistas, han afectado de un modo vertiginoso a la cantante, bien por su fragilidad, bien por su tormentosa relación con Bobby Brown que incluia violencia y terceras personas.
El caso es que la cantante del "I will always love you", tiene 42 años y una vida que coquetea diariamente con la muerte. Adicta al crack y a la heroina, Houston vive encerrada en su mansión, en la cual acumula grandes cantidades de basura puesto que sufre el llamado Sindrome de Diogenes. Según el diario sensacionalista, "The Sun", Whitney solo sale a la calle para juntarse con heroinomanos y en busca de sexo.

Una vida de contrastes, de estar en la cima y caer en picado hasta los infiernos. La misma que tuvo una grande del Jazz, Billie Holiday, que murio siendo adicta a la heroina, la misma que Jim Morrison, que se marchó a morir a Paris, tras una carrera llena de sustancias, la misma que Janis Joplin, Kurt Kobain o River Phoenix, la misma que se llevó a los 35 años de edad al gran Charlie Parker.

Unas vidas que son carne de biopic hollywoodiense. Tan brillantes como, a la larga, decadentes. Tan admiradas como olvidadas. Es el carísimo precio que, en ocasiones, se cobra la fama. Una fama peligrosa para seres frágiles y capaz de arrebatar la gloria a Whitney Houston o la cordura a Michael Jackson.
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18 de agosto de 2006
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TERRY O´QUINN (John Locke)

El gran descubrimiento de “Lost”. El mejor papel de la serie, en el cual el actor cumple con creces. Aunque ha participado en alguna que otra película como “La Puerta del Cielo” de Michael Cimino o “The Rocketter” donde encarnaba al mismisimo Howard Hughes, es en el campo televisivo en donde John Locke se ha sentido como pez en el agua. Y es que no hay serie que se le resista. Desde “Remington Steele” hasta “Corrupción en Miami” pasando por “Expediente X”, “Luz de Luna”, “Perry Mason”, “The Twilight Zone” o “La ley de Los Angeles”, sin olvidar a “JAG”, “Diagnostico Asesinato”, “Alias” y “El Ala Oeste de la Casa Blanca”. Nada más y nada menos.

YOON-JIN KIM (Sun)

Toda una estrella del cine asiatico que ha dado el salto americano gracias a “Perdidos”, su primer trabajo fuera de Oriente. Era conocida como “La Julia Roberts Coreana” y ha suscitado un gran interés de los coreanos hacía la serie en la que encarna a la delicada Sun. Su carrera, de momento, no va más allá de “Lost”, aunque ya tiene un largo curriculum gracias a todas las producciones hongkonesas que ha protagonizado.

DANIEL DAE KIM (Jin)

Coreano de nacimiento, el bueno de Jin es un experto en papeles secundarios en la gran pantalla. Lo hemos podido ver en cintas como la oscarizada “Crash”, “Hulk”, “Chacal” o “Spiderman 2”, asi como en muchas series como “Cinco en familia”, “24”, “Urgencias” o “C.S.I”.No tiene proyectos cinematográficos a la vista.

HAROLD PERRINEAU (Michael)

Antes de llegar a la isla, fue un personaje con cierta importancia en las inncesarias secuelas de “Matrix”. Interpretó a un travesti en “Woman on Top” al lado de Penélope Cruz y fue el inolvidable Rashid en “Smoke” en donde compartía grandes momentos al lado de William Hurt. Tambien apareció en “Romeo y Julieta” de Bazz Luhrmann, donde era Mercutio y en “Sangre y Vino” con Jack Nicholson. No tiene películas a la vista.

MICHELLE RODRIGUEZ (Ana Lucia)

La actriz de “Lost” que más ha trabajado en cine en los últimos años. La acabamos de ver en la cinta de terror “Aullidos”. La película “Girlfight”, en la que interpretaba a una boxeadora, le dio a conocer y desde entonces ha desarrollado su carrera participando con papeles de acción como “A todo gas”, “Resident Evil” o “S.W.A.T”.

IAN SOMERHALDER (Boone)

Otro de los actores que intenta abrirse paso en el mundillo hollywoodiense. Hasta el momento solo ha tenido dos papeles reseñables en la gran pantalla. Por un lado, lo vimos en "La casa de mi vida", junto a Hayden Christensen (o Anakin Skywalker, como se prefiera) y Kevin Kline y también en aquella marcianada juvenil basada en la novela de Bret Easton Ellis, llamada "Las reglas del juego", junto a Kate Bosworth y Shannon Sossamon. Antes de "Lost" también se pudo ver en capitulos de "C.S.I" o "Smallville", donde aparecia en varios capítulos. Ahora prepara una tv-movie sobre Marco Polo en la que es protagonista.
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17 de agosto de 2006
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Mientras Hollywood va a la baja, la televisión norteamericana lleva un camino opuesto. Cuida sus producciones al máximo y observa como el público les corresponde con altas audiencias. Series como "Sexo en Nueva York", "House", "A dos metros bajo tierra", "24" o "Prison Break" son solo algunos de los ejemplos de la alta calidad y la gran competitividad que existe en este mercado incipiente. Entre todas ellas destaca "Perdidos" ("Lost"), que acumula millones de fans que teorizan sobre los enigmas que plantea esta adictiva serie.

La ficción televisiva ha pretendido parecerse tanto al cine, que en cierta manera, lo está superando, gracias a guiones elaborados, estupendos personajes y buenas historias.Sin embargo, el cine todavia sigue siendo el referente y la televisión, un trampolín hacía la gran pantalla, para los realizadores y actores de las series.

Pero...¿hasta que punto, un gran éxito televisivo, garantiza una futura carrera en el cine?.No habría más que detenernos en la sitcom "Friends" y en sus protagonistas, los cuales, todavia buscan un hueco dentro del firmamento de estrellas de la "Meca del Cine", para comprender que no siempre la estrella de la pequeña pantalla lo será, en un futuro de la grande.Para ver los distintos casos de esta cuestión planteada, he elegido el numeroso reparto de "Lost" para observar con detenimiento las carreras pasadas, presentes y futuras de algunos de sus protagonistas y ver cuales de ellos podrán aprovechar su popularidad en la isla para otros menesteres mayores, asi como tambien, observar un proceso inverso (el paso del cine a la tele).Con ello además, "El Séptimo Cielo" dedica un post a esta serie que seguramente ha enganchado a muchos de vosotros, como tambien lo ha hecho con un servidor. Ahí va;


MATTHEW FOX (Jack)

Dentro del amplio reparto de la serie de J.J Abrams, el doctor Jack Shepard es el que ostenta un mayor protagonismo, además de la voz cantante dentro del grupo. Se dio a conocer gracias a la serie “Cinco en familia”, como tambien lo hicieron Neve Cambell o Jennifer Love Hewitt.Al mismo tiempo que rueda “Lost” ha hecho para la pantalla grande “We are Marshall”, cinta sobre fútbol americano, en la que le acompaña otro Matthew (McConaughey, para ser exactos). Además lo podremos ver en “Vantage Point” en la que estará junto a Sigourney Weaver, William Hurt, Forest Whitaker y…Eduardo Noriega. También, se pondrá a las ordenes de Silvestre Stallone en “Rambo IV”, todavía en pre-producción.

NAVEEN ANDREWS (Sayid)

Antes de “Lost”, lo pudimos ver en “El Paciente Inglés” o en el “Rollerball” de McTiernan. Tambien explotando su vena árabe en films como “Bodas y Prejuicios” o “Kamasutra”. Parece ser que Andrews es el actor de todo el reparto de “Lost” que mejor va a aprovechar el éxito de la serie. Aparecerá en “Grind House” de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez y en “The Brave One”, la nueva cinta de Neil Jordan, al lado de Jodie Foster, o el nominado al Oscar, Terrence Howard.

HUGO REYES (Hurley)

Actor de físico inconfundible, algo que le proporcionará simpáticos papeles, pero que al mismo tiempo, reducirá las posibilidades de interpretar otros. Ha dado el salto al cine gracias a “Lost”, y lo podremos ver en la comedia “Deck the halls” junto a Danny de Vitto y Matthew Broderick y en la cinta independiente “Sweetzer”.

EMILE DE RAVIN (Claire)

Actriz televisiva desde sus comienzos, la popularidad de “Lost” le garantizó formar parte del remake de “Las colinas tienen ojos” de la mano del francés Alexandre Ajá, en la cual, tenía la suerte de ser una de las supervivientes.Esa es, de momento, su única aparición de relevancia en la gran pantalla. No tiene ningún proyecto futuro a la vista.

ADEWALE AKINNUOYE-AGBAJE (Señor Eko)

Difícilmente podrá hacer carrera en el cine con ese nombre artístico. O lo cambia o pocos recordaran su nombre. Actor fornido, ha interpretado con anterioridad a “Lost”, papeles que se adecuaban a su físico. Lo pudimos ver en “The Mummy Returns”, “El caso Bourne”, “Congo” o “Ace Ventura; Operación Africa”. Tampoco trabajará en cine a corto plazo ya que no cuenta con proyectos.

MAGGIE GRACE (Shannon)

Gracias a “Lost” consiguió un papel en el remake de la cinta de Carpenter, “La Niebla”, donde tambien aparecía el Clark de “Smallville”, Tom Welling. Como la serie le ha dejado bastante tiempo libre, la veremos de nuevo en la gran pantalla en “The Girls´guide to Hunting & Fishing” con Sarah Michelle Gellar, Alec Baldwin y Richard Dreyffus.

DOMINIC MONAGHAN (Charlie)

Tres cosas reseñables ha conseguido Monaghan durante su carrera. Primero, participar en la saga de “El Señor de los Anillos” de Peter Jackson, que le dio fama mundial como el Hobbit, Merry. Segundo, interpretar a Charlie en la serie de “Lost” que le ha hecho no caer en el olvido en el que cayeron sus amigos los Hobbits. Y Tercero, casarse, en la vida real, con la más pretendida de la serie y la segunda actriz más deseada del momento, según la revista Maxim, Evangeline Lilly.

EVANGELINE LILLY (Kate)

Escaso bagaje tenía Lilly antes de llegar a “Lost”, la serie que le ha catapultado a la fama. Apenas unos anuncios y unas pequeñas apariciones en “Smallville” o en “Hospital Kingdom”. La serie le ha dado a conocer y lo normal es que fuese un rostro famoso en la gran pantalla desde ya. Suponemos que el rodaje de "Lost" no le deja tiempo, porque no tiene ningún proyecto a la vista en televisión o cine, a parte, como no, de seguir siendo la aguerrida Kate en “Perdidos”.

JOSH HOLLOWAY (Sawyer)

Caso parecido al de Lilly. Participó en muchos anuncios, en el videoclip de Aerosmith, “Cryin´” o en series como “Walker Texas Ranger”, “C.S.I” o “Angel”. Pocas apariciones destacadas en el cine y tampoco parece que las tendrá, ya que su único proyecto, al margen de “Perdidos” es una cinta independiente llamada “Whisper”. Por su físico podrá ser explotado en alguno de los muchos films de acción "made in Hollywood".

(Seguiremos con el resto del reparto en los próximos días)

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12 de agosto de 2006
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Cuando una segunda parte y una tercera se ruedan al mismo tiempo, es que previamente algo ha funcionado más que bien. Eso fue lo que ocurrió con "Piratas del Caribe; La maldición de la Perla Negra" en el año 2003, la cual recaudó más de 300 millones de dólares, tan solo en los Estados Unidos.

Bajo la producción del todopoderoso Jerry Bruckheimer, "Piratas del Caribe; La Maldición de la Perla Negra" pretendia traer a la actualidad un género tan desatendido como el de piratas. Errol Flynn o Stewart Granger quedaban ya muy, pero que muy lejos, y los intentos más recientes de resurrección del género ("Piratas" de Polanski, "La isla de las cabezas cortadas" o en cierto modo, la delirante "Waterworld"), habían fracasado en su propósito.

Lo que a Polanski, Kevin Reynolds o Renny Harlin (responsables de las cintas de pirateria citadas) no les funcionó, a Bruckheimer le fue de maravilla. Le encargó el proyecto al polifacético director Gore Verbinski y su guión a los responsables de "Shrek", Ted Elliot y Terry Rossio, los cuales, compusieron una historia que mezclaba habilmente, el cine de piratas, con el género fantástico, introduciendo además, grandes dosis de aventuras y humor.

De este modo, "Piratas del Caribe; La Maldición de la Perla Negra" se convirtió en el gran éxito del verano del 2003 y gracias a su popularidad logró 5 nominaciones al Oscar, entre las que se encontraba la categoria de Mejor Actor, para el que fue nominado Johnny Depp por su composición del Capitán Jack Sparrow.

Y claro está, cuando una película surgida de Hollywood funciona de esta manera, la maquinaria comienza a trabajar en sus secuelas.

Tres años han pasado entre "La Maldición de la Perla Negra" y "El cofre del hombre muerto" (título de esta segunda parte), tiempo suficiente para que los elementos e intenciones de ambas cintas, disten entre sí.

Orlando Bloom y Keira Knightley han aumentado sus cachés considerablemente. Ambos tenian sus primeros papeles protagonistas en la "La Maldición de la Perla Negra", y desde entonces, Bloom se ha convertido en heroe de cintas de aventuras como "El Reino de los cielos" o "Troya" (de medio pelo, pero al fin y al cabo heroe) y Knightley en chica para todo, en películas como "Love Actually", "The Jacket" u "Orgullo y Prejuicio" (con nominación al Oscar incluida). Y por su parte, Johnny Depp, ha visto como Jack Sparrow, le daba una fama universal y convertia a este personaje, escrito por los guionistas, pero elevado a la fama por la creación interpretativa de Depp, en un icono del cine moderno.

La industria tambien ha sufrido profundos cambios en estos tres años. El ansia económica en el cine de Hollywood impera y parece ir proporcionalmente relacionada con la cantidad de efectos especiales utilizados en una película.

Así, mientras "La Maldición de la Perla Negra" era un modesto blockbuster (si es que este término permite ir acompañado de dicho adjetivo) con actores en ciernes y el afán de ofrecer un vistoso entretenimiento aventurero, "El cofre del hombre muerto" es un carrusel de efectos especiales, recargado en muchas de sus escenas, con actores ya consolidados dentro del cine mainstream y rodada junto con la tercera parte, en lo que es una operación comercial a gran tamaño que ha terminado modificando el interés final del producto.

Algo similar a lo ocurrido con la saga "Matrix", la cual no fue concebida como una saga, sino como un solo film, estirado a trilogia en vista del enorme éxito de la cinta. La necesidad de continuar una historia que solo permitia una única película hizo a los guionistas rebanarse los sesos, lo que unido a la precipitación que conlleva el rodaje conjunto de la segunda y tercera parte, dieron consigo a una ininteligible e innecesaria saga, que, eso si, recaudó importantes cifras en taquilla.

Con "Piratas del Caribe" ocurre algo parecido, si bien, sus guionistas han intentado hacer una segunda parte al uso, sin preocuparse demasiado en desarrollar la historia de la primera, sino más bien, en repetir esquemas y personajes.

En "Piratas del Caribe; El cofre del hombre muerto", nos encontraremos con los mismos protagonistas de su primera parte, Will Turner y Elizabeth Swann, pero amenazados, en esta ocasión con la horca. Mientras, Jack Sparrow, continua metiendose en problemas a bordo de La Perla Negra. La necesidad, volvera a reunirlos para hacerse con una llave que posee el peligroso corsario Davey Jones (Bill Nighy).

Ese es el leve hilo argumental que propone el film, que se desarrolla entre varios navios enfrentados y que apenas se entromete en las relaciones entre sus personajes. Va directa al grano durante sus dos horas y media de duración, con dialogos no demasiado elaborados, pero si mucha acción y aventuras. Eso es lo que interesa en este segunda parte (y tambien tercera) de "Piratas del Caribe". Eso y las dosis de humor proporcionadas por Sparrow, que esta vez llevá a un limite peligroso la sobreactuación de este personaje.

"Piratas del Caribe; El cofre del hombre muerto" encarna a la perfección la definión de blockbuster, como título del productor Bruckheimer que es. Tiene un gran sentido del ritmo, un arranque trepidante (posiblemente la estancia en la isla con la tribu canibal es lo mejor y más cómico de la cinta), música de Hans Zimmer, elevadas dosis de humor, leves toques de romance y mucha, mucha acción, en la que, por supuesto, los efectos especiales llevan la voz cantante, incluyendo la recreación de los villanos y su barco fantasmal "El holandes errante" y ese pulpo gigante.

Esta segunda parte ya ha superado las cifras en taquilla de su predecesora y se ha preocupado de preparar el camino para que su tercera parte haga lo mismo. Eso será el próximo verano (la temporada idonea para estos films de entretenimiento ágil) y contará de nuevo con los mismos artífices de las dos primeras, más la participacion del hongkonés Chow Yun Fat. Hasta entonces, a entrenerse con este cofre, rebosante de billetes y monedas, por el que seria capaz de librarse en duelo cualquier pirata.

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11 de agosto de 2006
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Hoy toca ración de carteles. Porque son todos nuevos y refrescarán, más tarde o más temprano, la cartelera de los grandes complejos cinematográficos. Vayamos por partes;

En primer lugar podeis ver el teaser japonés de "Casino Royale", en un cartel que potencia dos cosas del nuevo 007; sus ojos azules y su pistolita.
A su lado tenemos un cartel de "World Trade Center", la (a priori y por lo visto en el trailer) megapatriotica y lacrimógena, cinta de Oliver Stone sobre los atentados del 11-S, que acaba de estrenarse esta semana en EEUU. El cartel en cuestión, no es el internacional que se puede encontrar facilmente por la red, sino otro, que ha tenido menor repercusión (debido posiblemente a que muestra una imagen real de las Torres Gemelas).

Completando la primera fila, encontramos al señor Viggo Mortensen en la piel de "Alatriste". El día 1 de Septiembre se estrena la película de Díaz Yanes sobre la novela de Pérez Reverte, y ya se empieza a notar en los medios de comunicación, que se le va a dar mucha cancha, como gran superproducción española que es.

Y en la fila de abajo, encontramos dos carteles de "El laberinto del fauno", la nueva cinta fantástica de Guillermo del Toro, que ya se pudo ver en el Festival de Cannes y que como se observa en los carteles, llevará como título inglés "Pan´s Labyrinth".

Finalmente, "Viva Pedro" es el cartel anunciador del reestreno estadounidense de 8 de las más notorias cintas de Pedro Almodovar
A raiz del éxito de "Todo sobre mi madre" y "Hable con ella", parece haber en el país yankee, un profundo amor por el cine del realizador manchego. Con ese motivo, Sony Pictures, la distribuidora americana de los films de Almodovar, va a reestrenar en Nueva York y Los Angeles durante este mes de Agosto, los ocho títulos que se apuntan en el cartel, para posteriormente estrenarlos en todo el país.
Es facil adivinar que Sony está haciendo campaña y abriendo boca a los americanos, para el estreno de "Volver", que llegará al otró lado del charco el 3 de Noviembre. ¿Estarán pensando en dejarse una pasta gansa con tal de ganar el Oscar del 2006?. Apostemos a que si.
Para más información; www.vivapedro.com
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9 de agosto de 2006
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El director hindú puso el listón muy alto con "El Sexto Sentido". Las productoras se frotaron las manos y el público vio en él, un director muy jugoso. Sin embargo y desde aquel éxito, Shyamalan no ha hecho más que luchar contra todos para imponer su sello autoral e impregnar a su cine con sus inquietudes, que van más allá de cualquier cinta de terror o suspense.
Cierto es que sus trailer contienen engañosos mcguffins y que el tratamiento de su nombre en la publicidad de sus películas es inadecuado, y que eso se está tornando en una preocupación para el realizador.
Pero tambien es cierto, que Shyamalan se está convirtiendo en un director de culto dentro del cine de género, con una gran legión de fans tras su cine y con el inconveniente de que su primera película de relevancia fue un pelotazo, algo que parece estar reñido con el cine de un autor.
Por todo ello, hemos preparado un breve estudio de la carrera de Shyamalan en taquilla, con el que se puede observar claramente el comportamiento del público con respecto a su cine;

AÑO 1998 "LOS PRIMEROS AMIGOS" 282.175 dólares

Primer largometraje de Shyamalan. Un encargo de Miramax para los más pequeños de la casa que se estrenó con 29 copias en EEUU. Su títuto original fue "Wide Awake" y al menos, evitó el estreno directo en mercado de video, consiguiendo distribución internacional. En España se estrenó en Junio de 1999 recaudando 21.422,56 € y llevando a nuestras salas 7404 espectadores.


AÑO 1999 "EL SEXTO SENTIDO" 293.506.292 dólares

La película con la que Shyamalan llamó la atención. Una excelente cinta de terror con un, ya famoso, giro argumental en su parte final. Su gran éxito y popularidad le elevaron a la categoria de film clave en la historia del cine de terror. Obtuvo 6 nominaciones al Oscar. Estrenada en 2161 salas de los EEUU. En España fue la película más vista del 99 con 26.556.361,11 € de recaudación y 6.762.480 espectadores. La cinta más taquillera del hindú hasta la fecha y la película número 25 entre las más vistas de la historia del cine.

AÑO 2000 "EL PROTEGIDO" 95.011.339 dólares

El mejor film del director y a la vez el más incomprendido. Gozó de un buen arranque en taquilla pero se desinfló rapidamente. Más de uno se llevó una decepción cuando no encontró sustos fáciles en esta historia de superheroes cotidianos. Otros cuantos aplaudieron la genialidad que derrochaba cada plano de la cinta. Estrenada con 2708 copias en EEUU. Mientras, en nuestro país, consiguió la cifra de 9.801.300,36 € y 2.346.883 espectadores.

AÑO 2002 "SEÑALES" 227.966.634 dólares

La segunda película más taquillera de Shyamalan. Un film fallido para los que disfrutaron de "El protegido" y una cinta más accesible para el gran público. Bebedora de diversas fuentes ("La noche de los muertos vivientes" o "La guerra de los mundos" de Wells), la cinta se proyectó en 3264 pantallas en Norteamerica, siendo la sexta película más vista del 2002 en aquel país. En España, "Señales" gozó de gran aceptación con 2.498.409 de espectadores y una recaudación final de 11.238.843,27 €.

AÑO 2004 "EL BOSQUE" 114.197.520 dólares

"The Village" fue la cinta con la que Shyamalan terminó de crispar al público americano, el cual esperaba ver una historia de criaturas monstruosas y se encontró con un estudio de la sociedad, sus miedos, represiones y el poder. Junto con "El protegido", la cinta más personal de Shyamalan. La más cercana al cine de autor que propone el director. Excelentes críticas en Europa y fria acogida en EEUU en donde se estrenó en 3730 salas. 2.083.522 españoles acudieron a verla, dejando una taquilla de 10.188.332,00 €.

AÑO 2006 "LA JOVEN DEL AGUA" 38.633.274 dólares (Hasta el 6 de Agosto)
Todavia pendiente de estreno en nuestro país (llega el 25 de este mes), ha recibido una gran division de opiniones entre la crítica americana, si bien, parece que el público la respalda en sus valoraciones, aunque no tanto en la taquilla. Va camino de convertirse en la cinta de menor recaudación de Shyamalan, con permiso de la primeriza; "Los primeros amigos". Estrenada en 3235 pantallas de los EEUU, ha abandonado el top ten de las películas más vistas en una semana escasa. Parece estar más cercana, en su estilo, a "El Bosque" que a cualquier otra.
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6 de agosto de 2006
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Apenas transcurrido tiempo desde su estreno, "Los santos inocentes" se convirtió una de las peliculas de la historia del cine español que mejor recibimiento tuvo por parte del espectador y critica.
Adaptando una novela de Miguel Delibes, Mario Camus, en un alarde de inteligencia narrativa, austeridad de medios y sobre todo de dirección de actores consiguió un film preciso y eficaz sobre la España profunda de mitad del siglo XX, sobre las jerarquías y lo despreciable de todo ser humano poseedor de unos gramos de poder, por pequeño que sea.

"Los santos inocentes" es una de esas peliculas míticas de nuestro cine, que denominan una etapa del cine español, la de los años 80, comprometida con el pasado histórico y donde las adaptaciones literarias de grandes escritores nacionales, eran comunes y muy habituales ("La casa de Bernarda Alba" del propio Mario Camus, "El bosque animado" de Jose Luis Cuerda o "Jarrapellejos" de Antonio Gimenez Rico, eran solo algunos de los muchos ejemplos).

A falta de premios Goya (los cuales se crearon en 1986), "Los santos inocentes" tuvo su recompensa en uno de los festivales de cine de mayor renombre, el Festival de Cannes, en donde Alfredo Landa y Paco Rabal, consiguieron la Palma a mejor actor, en un premio ex aequo, en una ceremonia donde las palabras de agradecimiento de Paco Rabal al recoger el premio fueron “Milana bonita”.

Mario Camus, también vio reconocida su labor al recibir una mención especial del jurado.
Camus, es uno de esos directores literarios y ya veteranos que han dado fama internacional al cine español, puesto que ha ganado premios en Berlin, (consiguió El Oso de Oro por "La colmena") Buenos Aires, Montreal y por supuesto en los premios Goya.
Aunque hoy por hoy se encuentra un poco perdido (su ultima película, "La playa de los galgos", apenas tuvo reconocimiento y pasó desapercibida), Camus es ya realizador de importancia en nuestra filmografía y sobre todo un buen adaptador de grandes novelas. En su carrera destacan, "La casa de Bernarda Alba", "La colmena", "Young Sánchez", o la fallida "La ciudad de los prodigios", ambientada en la agitada Barcelona de finales del siglo XIX y principios del XX.

La labor de dirección de Mario Camus es encomiable, pero no menos plausible es la de sus actores, destacando a Alfredo Landa y Paco Rabal, los cuales compones unos personajes míseros, ingenuos y subordinados con un cruel realismo. El Azarías encarnado por Rabal es icono del cine español.

Landa se confirmó como actor dramático en la década de los 80, tras haber sido uno de los cómicos cinematográficos mas importantes del cine de la transición (“No desearas al vecino del quinto”, “Vente a Alemania, Pepe”, “Jenaro el de los 14”). Garcí le dio la oportunidad con “El crack” en el año 1981 de demostrar como no solo era capaz de hacer comedia. Desde entonces encadenó una serie de títulos notables como “La vaquilla”,“Tata Mía”, “El bosque animado” o la cinta que nos ocupa.

Tampoco se descubre nada si afirmamos que Paco Rabal, es otro de los grandes de la cinematografía española. En sus inicios galán, Rabal fue evolucionando en sus registros de la mano de Buñuel, del cual era uno de sus actores fetiche. Trabajo en Francia, Italia o México y realizo films tan sonados como “Viridana” (este, a la par que polémico) o “Nazarin”, ambos con Luis Buñuel.
Actor prolífico hasta su fallecimiento, ganó el Goya por una de sus más antológicas interpretaciones solo unos meses antes de morir. La película en cuestión era “Goya en Burdeos” y su papel el del delirante Goya.

“Los santos inocentes” se ambientan en los años 60 en el cortijo de una familia aristócrata y franquista, un universo propio donde se contrastan dos mundos muy marcados, el de los amos y el de los criados, a través de unos personajes inolvidables.

Es esta una dura crónica rural en los años 60, un periodo donde el contraste entre clases sociales es abismal y unos dominan completamente a otros sin ningún tipo de piedad o compasión, como consecuencia de la alta diferencia entre unos y otros, provocada por el sistema de reparto agrario, del cual salieron claramente beneficiados nobleza y burguesía.
La familia de Paco (Landa) y Regula(Terele Pavez) es el verdadero ejemplo de la sumisión a la que se ven abocados los campesinos de estos años, un crudo ejemplo de pobreza, miseria e infortunio así como de la ingenuidad.

Son seres que asumen su condición y no intentan discutirla, sus vidas se deben únicamente a los amos, los cuales también asumen otro estatus y lo llevan al paroxismo. El que es pobre se sabe pobre y el que es rico se sabe rico, y ambos ejercen su posición.

En “Los santos inocentes” esa miseria es aun mayor y se ve salpicada por dosis de ternura lo que hace que el retrato sea si cabe mas eficaz. Esa hija disminuida, inútil, a la cual deben de mantener con sus escasos recursos o Azarias un personaje desquilibrado que consigue la complicidad y el cariño del espectador.
Son seres bondadosos machacados por la vida, en contraposición con la fortuna, la tangible y la que no lo es, de los ricos.

"Los santos inocentes" se rodó en escenarios extremeños sin perder la fuerte carga emocional que contenía la novela original de Miguel Delibes, el cual ya dio otras novelas a adaptar a directores como Ana Mariscal o Antonio Mercero.
Dura, cruel, tierna, inocente e ingenua, estos son algunos de los adjetivos que se le pueden dar a "Los santos inocentes", sin duda uno de los mejores films patrios de los años 80.

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