30 de diciembre de 2006
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Era un día de los azules, pero tirando a un azul tan oscuro que era casi negro, de esos en que desde que amanece, apetece quedarse en casa escondido. El hombre del tiempo había dicho que la cosa no iba a mejorar y que la temperatura iba a llegar a bajo cero. Mi mujer me observaba tumbado en la cama y decía, “cariño estas hecho un perro”, lo cual era una gran verdad, que no dejaba de ser incomoda.

Tan perro estaba hecho, que decidí llamar a unos amigos con dinero para apostar al dominó, un juego que a mi mujer le parecía un “juego de idiotas”, y así no tener que salir de mi maldita caverna. Cuando llegaron, pusimos la tele, en la que se jugaba un Galatasaray-Depor y nos sentamos, prestos y dispuestos a comenzar la partida. La cosa se demoraría un poco, ya que Jorge, al que apodábamos el curioso, se sentó en la silla de Fernando, para cabreo descomunal de este, y ambos estuvieron discutiendo unos minutos. Yo les dije que dejasen el orgullo y los prejuicios para otro momento, y que empezásemos a jugar.
Salvador, y yo estábamos a la derecha y Fernando y Jorge a la izquierda, lo suficientemente separados como para no hacer trampas.

La reina de la casa (mi mujer), se harto del panorama que yo había preparado. Amigos, cerveza, juego, tabaco y fútbol. Aburrida, sacó su rabia y lanzó un grito matador y reivindicativo; “Yo soy la Juani” dijo, y acto seguido cogió a Cándida, la criada y salio por la última puerta, dispuesta a tomar un café en cualquier esquina.

Hubo un minuto de silencio, pero no tardó en continuar la partida. Nos quedamos solo amigos, en tierra de hombres, sin presencias femeninas, dimos gracias por poder fumar sin reproche alguno y aprovechamos para rememorar tiempos de amor, juventud y libertad. Aquellos tiempos de vida y color en los que, incluso Tomas, estaba enamorado, y todos andábamos en busca de un beso salvaje y estábamos locos por el sexo.

Tras horas de juego y aislados del mundo exterior, en las que tanto ellos como yo ansiábamos el triunfo absoluto, en busca de ser el rey, el mito, el jefe del dominó, olí el intenso perfume de mi mujer, que ya estaba de vuelta en casa. Apostamos al limite en la ultima partida y con un seis nueve ganador me hice con todo el gran bote de la noche.

Una vez triunfador, despedí a los colegas y la mire a ella, que estaba irresistible pero de mala leche. La casa estaba hecha un caos y sentí que aquel era uno de esos momentos en que nuestra relación estaba en la cuerda floja y que podía hacer crash en cualquier momento. Pero yo tenía un plan oculto. Le pregunte ¿Cuánto me amas? y me declare culpable de aquella situación. Le prometí llevarla de Madrid a la Luna y de camino,parar a desayunar en Plutón. Le juré y perjuré que desde ese momento, todo iba a ir sobre ruedas, que solo tenia que dejarse llevar, y que la semana que viene sin falta, nos iríamos de vacaciones a una casita cerca de un lago en Munich, que le regalaría rosas rojas y le pondría un toque de seducción a nuestra relación.

Ella, me miró y me dijo; “eres muy guapo”. Yo la bese y respondí con toda mi sinceridad; “este 2007 va a volver a ser un buen año, ya lo verás”.

Atrás dejamos el año 2006 para coger el 2007 en el que, esperemos, haya grandes películas que ver y comentar. Feliz entrada de año a todos y cada uno de los visitantes de "El Séptimo Cielo". Hasta el año que viene!
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27 de diciembre de 2006
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Gracias al concurso de Red Stovall, me hice con una edición en DVD de una de mis películas favoritas, el clásico de Robert Aldrich, “¿Qué fue de Baby Jane?” y le prometí a Red, hacer una crítica del film en cuestión. Como lo prometido es deuda y también como más vale tarde que nunca, aquí va la reseña de “El Séptimo Cielo” de esta imperecedera obra de arte cinematográfica.

Era el año 1962 cuando Robert Aldrich llevó a la gran pantalla la diabólica historia de las hermanas Jane Hudson y Blanche Hudson. La primera de ellas y bajo el nombre artistico de “Baby Jane”, había sido una estrella desde su más tierna infancia. Una especie de Shirley Temple, adorada por el público gracias a sus dotes para el espectáculo y que gozaba de una increíble fama que iba más allá de su mera persona. Pero, como a toda estrella infantil que se precie, los años desvanecieron la figura de la pizpireta niña, la cual nunca lograría las dosis de fama que consiguió en los primeros años de su vida. Fue justo entonces, cuando su hermana, Blanche, oculta tras el éxito de Baby Jane, se convertiría en una de las actrices más famosas y bellas de Hollywood.

A partir de esta premisa argumental, Aldrich compuso inteligentemente uno de los más terroríficos dramas que ha dado el cine. Aldrich hizo de “¿Qué fue de Baby Jane?” un malsano retrato del ocaso de las estrellas, sobre los efectos de la fama prematura, sobre la envidia, la vejez, la locura y el ego. Y recurrió para ello a dos viejas estrellas del Hollywood de los 30 y 40, posiblemente dos de las personalidades más grandes que ha visto nacer el cine, Bette Davis y Joan Crawford, las cuales protagonizaron un duelo interpretativo en el que se entregaron en cuerpo y alma, en una mezcla de superación personal y rivalidad que traspasaba la ficción propuesta por Aldrich.

A Davis y Crawford, que fueron dos de las grandes divas de los años dorados de la meca del cine, no les importó mostrar su lado más poderoso, visceral y caricaturesco en un afán por demostrar que seguían siendo, no de las mejores actrices de Hollywood, sino “la mejor”, aunque para ello tuviesen que competir entre ellas. Eran malos tiempos para unas actrices que ya rondaban esa edad maldita para conseguir buenos papeles femeninos e incluso Bette Davis había llegado a poner un anuncio en los periódicos para conseguir este papel. La historia de estas dos hermanas con odios mutuos, sería por tanto, el mejor guión posible para dos actrices que necesitaban imperiosamente la notoriedad, y dos actrices en semejante decadencia artística eran las más idóneas para un guión así.
De esa lucha de egos, se vio beneficiado el film de Aldrich, que logró dos descarnadas interpretaciones. Guiñolescas, crueles y plenamente entregadas.

Bette Davis sería “Baby Jane” Hudson. Nunca los ojos de Davis fueron utilizados con semejante poder. Sus miradas, sus atuendos, su histrionismo, que estaba en el perfecto límite de la sobreactuación, la iluminación que le proporcionó el director de fotografía Ernest Haller y un exagerado maquillaje hicieron de esta, un personaje mítico del séptimo arte. Su intepretación fue escalofriante, excentrica y sublime.

Joan Crawford, por su parte, se metió dentro de la piel de un personaje lleno de matices. Una invalida en silla de ruedas, al servicio de una hermana, mentalmente desviada, que la odiaba hasta límites insospechados. Un personaje que requería la compasión del espectador pero que al mismo tiempo, creaba un cierto estado de inquietud y levantaba suspicacias en este. Un complicado papel, que Crawford supo plasmar con la perfección que este merecía.

Pero “¿Qué fue de Baby Jane?” no era un simple film de interpretaciones. Había muchísimo más detrás de esas dos colosales actrices en estado de gracia. Y lo mejor de todo es que el nivel del resto de elementos que formaban el conjunto de “¿Qué fue de Baby Jane?”, estaban a la altura de las señoras Davis y Crawford.

“¿Qué fue de Baby Jane?” era más que un drama, mucho más que un film de suspense o un relato con dosis de horror psicológico. Era, doce años después de “El Crepúsculo de los Dioses” de Billy Wilder, una nueva mirada a la decadencia de la estrella de Hollywood. Las hermanas Hudson, como la Norma Desmond de Wilder, habían sufrido en sus carnes su dolorosa caida del estrellato y habían sido incapaces de superar o de acondicionarse a nuevos tiempos. Tal situación unida a su incontrolable ego, hacia de estas antiguas divas, seres inestables y altamente peligrosos en sus actos.
Aldrich y Wilder reflejaron con rotundidad este declive personal, que hoy en día podemos comprobar en famosos (prematuros o no) capaces de los comportamientos más inexplicables y alarmantes (Michael Jackson, Macauley Culkin, etc).

Una obra, la que nos ocupa, de enorme interés, con una historia “in crescendo” que nos atrapa por múltiples razones. Por un hábil guión, de Lukas Heller, que manejaba en cada momento los elementos necesarios del suspense y el drama e introducía a personajes secundarios como el de Victor Buono (el pianista de Baby Jane), en el momento preciso para descargar las tremendas dosis de tensión contenida en el espectador. Por su esplendida fotografía, la utilización de la chirriante canción de Baby Jane, las portentosas recreaciones de dos insuperables actrices y la magistral dirección, fina, elegante, así como malévola de Robert Aldrich. Y por si todo ello fuera insuficiente, con un giro final sorprendente.

Uno de esos clásicos que continúan modernos hoy en día. Una obra llena de fuerza, que tendría una especie de continuación en la no menos loable, “Canción de cuna para un cadáver” de nuevo con Bette Davis. Sin duda, "¿Qué fue de Baby Jane?" es una de esas películas que uno no puede morir sin haber visto.

(Apunte; Bette Davis fue nominada al Oscar por su interpretación. No así Joan Crawford. Davis era la máxima favorita, pero finalmente no ganó, siendo la galardonada Anne Bancroft por “El Milagro de Anna Sullivan”. Como Bancroft no pudo asistir a la ceremonia, encargó a, nada más y nada menos que a Joan Crawford subir a recoger su Oscar, la cual se pasearía posteriormente y durante toda la noche con la estatuilla como si esta fuera suya, para rabia y cabreo de Bette Davis. Como venganza, Bette Davis dijo a la prensa que Crawford deseaba que Bette Davis no ganase y que la intención de Crawford era quedarse con la estatuilla y no devolvérsela jamás a su ganadora real.)

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23 de diciembre de 2006
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Llega esa fecha tan marcada que es el día de Navidad. No sin antes,haber disfrutado de la Nochebuena. Momento de amor y paz en el cual , todos los españolitos de a pie, somos testigos del maravilloso Mensaje Navideño de Su Majestad el Rey, de la excitante misa del gallo y del profundo arte de Bertin Osborne y Anne Igartiburu como maestros de ceremonias de galas navideñas grabadas en el mes de Junio. Sin duda, grandes momentos para compartir en familia.

Desde "El Séptimo Cielo" quiero felicitar estas Navidades a todos los que cada día visitais este blog,y a los que, con sus comments, aportan la calidad y contraste necesarios para que esta modesta página pueda merecer la pena a todo el que la lee.

Y como regalo os dejo con el más imposible Mensaje Navideño de Don Juan Carlos. No tiene desperdicio.

Feliz Navidad!!!
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21 de diciembre de 2006
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“Munich” es una película cercana, por estética, valentía y compromiso al cine que se hacía en los años setenta. Basada en un hecho real ocurrido en las Olimpiadas de 1972 y con temas de fondo muy actuales como el terrorismo, la violencia injustificada o los radicalismos, Spielberg compuso una obra magnifica en la que Janusz Kaminski (fotografía), Michael Kahn (montaje) o John Williams (música) se lucían. Por no hablar de la portentosa dirección del maestro norteamericano. Un thriller único, con un extraordinario clímax y con momentos de verdadera tensión, pero sobre todo maduro, muy maduro. Posiblemente una de las 3 mejores películas de Spielberg, que ya es decir. Una obra deslumbrante.


La más grata sorpresa del año, la ha dirigido un mexicano con dinero de Hollywood. “Hijos de los hombres” de Alfonso Cuarón es y será un film de culto en el campo de la ciencia-ficción. Un relato futurista pero lleno de realismo, cargado de secuencias sobrecogedoras y con una modélica narración por parte del director mexicano. Clive Owen, Julianne Moore y Michael Caine, dotaban de credibilidad a los personajes de una sociedad que no puede procrear y que sufre unos males de los que la humanidad ya ha sido testigo en un pasado de no ficción. Una de esas cintas con las que te quedas pegado a la butaca y de la que no puedes despegar ojo durante su proyección debido a sus poderosas imágenes, sus continuos giros arguméntales y lo comprometido de su relato. Una joyita.

Si Sam Peckinpah levantara la cabeza, estaria orgullosisimo de “La noche de los girasoles”. Si además se enterara de que se trata de la primera película de su director, apostaría fuerte por él. Jorge Sánchez Cabezudo es el hombre que ha escrito y dirigido esta película, que es para mi, la mejor cinta española del 2006. Un guión de los redondos, dividido en capítulos, seco, rural, violento y sobre todo muy inteligente, con el protagonismo justo y necesario para cada uno de sus personajes y con interpretaciones fabulosas de Cesáreo Estébanez, Celso Bugallo, Judith Diakhate o Walter Vidarte. Una cinta que ya la quisiese Hollywood para si, y que debéis descubrir si no lo habéis hecho aún. Tiene 3 nominaciones al Goya, pero se merecería todas si estos premios fuesen medianamente serios.

Y otro mexicano en la lista de lo mejor, Guillermo del Toro, que ha hecho con “El laberinto del fauno” su mejor obra hasta la fecha. Una historia a medio camino entre el fantástico y el drama de postguerra, en el que sobresalen la niña Ivana Baquero, un villano de comic, encarnado por Sergi Lopez y el secundario Alex Angulo. Una evolución de “El Espinazo del diablo” que perfecciona los momentos que fallaban en aquella. Con una gran potencia visual, algo de lo que siempre ha gozado el cine de Del Toro, y con un interés máximo en los distintos contextos planteados, que se mueven paralelamente para crear una maravillosa película tan interesante como historia de maquis y franquistas enfrentados y también como cuento de hadas tenebroso. Muy bonita y altamente recomendable.

Scorsese volviendo por sus fueros. Adaptándose a los nuevos tiempos, pero en el terreno en el que más disfruta, el de narrador de la mafia, ya sea italiana, irlandesa o norteamericana. “Infiltrados” es un remake de la asiática “Infernal Affairs” para la que Martin ha contado con Jack Nicholson (encantado, como siempre, de haberse conocido), Leonardo Di Caprio (convenciéndose y convenciéndonos de que es un buen actor), Matt Damon (no está de más por ahí) o Mark Whalberg (en su mejor papel hasta la fecha, aunque sea breve y secundario). Un Scorsese más enérgico, vital y liberado que el de “El aviador” o “Gangs of New York”, en una película que tiene un ritmo trepidante y a la que solamente su resolución final evita que se convierta en una de las grandes obras del director norteamericano. Este 2006, sí se puede decir que Scorsese ha vuelto.

Otro debut, en este caso de un británico, Joe Wrigh, se cuela en la lista de lo mejor del año. “Orgullo y prejuicio” no tiene nada que envidiar a “Sentido y Sensibilidad” o a “Mucho ruido y pocas nueces”, todo lo contrario. Wright hizo de esta, una película de época renovada, fresca, dinámica y entretenidísima, y todo ello sin perder la esencia de las narraciones de Jane Austen. Y además se permitía el lujo de hacer unos planos secuencia la mar de majos. La película le valió su primera nominación al Oscar a Keira Knightley, la cual intentará repetir éxito con Wright en “Atonement” otra cinta de corte clásico, al que debemos seguir la pista porque puede darnos muchas alegrias. Por cierto, que la música de Dario Marianelli era maravillosa.

Vale, ya se que no es su mejor película, y que muchos la consideran un fiasco de grandes proporciones, sin embargo, creo que el cine de Shyamalan siempre merece una segunda oportunidad, dada la complejidad de los mundos que plantea. Con “La joven del agua”, Shyamalan ha querido hacer una obra tan compleja y recargada, con tantos personajes, que la cosa se le ha ido un pelín de las manos, lo que no quita que esta cinta vuelva a sumergir al espectador en un mundo de fábula, con el que puedes conectar y quedar encantado o no acabar de engancharte y creer que te han tomado el pelo. “La joven del agua” es una historia tan ambiciosa en su planteamiento que por ello acaba siendo imperfecta. Aún así es encomiable el esfuerzo del hindú por transportarnos a mundos mágicos e intentar ser original en unos tiempos en los que las secuelas, precuelas, remakes, adaptaciones de comics y demás, mandan en el cine yankee. Es inferior a “El Bosque” o “El protegido”, pero es una cinta con mucha personalidad y llena de magia.

Críticas de "El Séptimo Cielo";

"Munich", "Hijos de los hombres", "La noche de los girasoles", "El laberinto del fauno", "Infiltrados", "Orgullo y prejuicio" y "La joven del agua".
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19 de diciembre de 2006
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Hacía tiempo que no me enviaban un meme, y ha sido Gina en su videoblog, la que me ha propuesto que hable, nada más y nada menos, que del momento de mi muerte…un macabro tema que muchos prefieren evitar y yo entre ellos. No es que tenga miedo a la muerte, solo creo que preocuparse por ella es perder momentos de vida.

Lo que si se es como NO quiero morir. Y en eso, el cine ha mostrado todas las maneras posibles de cómo no debe ocurrir mi muerte. Así que transformo el meme, ambientandolo en el mundillo del cine...

(Advertencia, este post destripa sin discreción unas cuantas películas. El que avisa no es traidor)

Por ejemplo;

- No me gustaria morir con mi boca esclafada en un bordillo al más puro estilo “American History X”.

- No me gustaría morir (por ridiculo) atropellado por un camión por culpa de mi tonteria galopante al cerrar los ojos y abrir los brazos mientras voy por carretera en una bici y después de que la persona a la que quiero se haya sacrificado por mi, como hace Meg Ryan en “City of Angels” (manda huevos que diría Trillo)

- No me gustaría morir mientras me doy una ducha caliente, y menos si el asesino es un travestido con un cuchillo.

- No me gustaría morir en accidente de tráfico, después de haber llevado a su destino, por terrenos peligrosos, un camión lleno de nitroglicerina, como en
“El Salario del Miedo”.

- No me gustaría morir como Gwyneth Paltrow en
“Seven”.

- Ni como Jason Robards en “Magnolia” porque eso supondría sufrir un largo y duro cancer.

- No me gustaría morir como la madre de Amelie, aplastado por un turista que se suicida desde lo alto de un edificio.

- No me gustaría morir acribillado a tiros como Bonnie o Clyde.

- No me gustaría morir montado en una bomba atómica como en
“Teléfono Rojo, ¿volamos hacía Moscú?”

- No me gustaría morir atacado por una bandada de pájaros con mala leche

- No me gustaría morir devorado por un tiburón mientras me baño en agua salada, ni tampoco devorado por un dinosaurio mientras realizo una visita cultural por un parque temático.

- No me gustaría morir como la asesina holandesa de “Munich”.

- No me gustaría morir como conejillo de indias de un crimen perfecto por parte de dos compañeros de clase, como en
“La Soga”.

- No me gustaría morir victima de un fatal malentendido como Kevin Spacey en “American Beauty”.

- No me gustaría morir Joan Crawford en “¿Qué fue de Baby Jane?”, siendo torturado por mi enloquecida hermana.

- No me gustaría morir como King Kong. Ya que me subo al pico del Empire State Building, como un machote, que me dejen disfrutar de las vistas y no me tiroteen.

Y como es debido paso el meme a; Dr.Strangelove, Ángel, pequeñoibán, crunch y Plissken.
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17 de diciembre de 2006
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Desesperada en su intento por volver a ser protagonista principal de un film, Sharon Stone decidió poner en marcha la secuela de "Instinto Básico", y claro está, como ahora Sharon ronda los 50 más que los 30 y la cirujía se sabe su nombre, tomó precauciones. Ni siquiera Verhoeven ni Douglas la secundaron, viendo que la cosa no tenía mucho sentido. Esta segunda parte no ofrecia, "ni chicha ni limoná", nunca mejor dicho. El que iba a ver a Charo Piedra en pelotilla picada no vio mas que cruces de piernas con sillas de por medio, de lo más soft y el que buscaba una historia de intriga solo contempló un guirigay en el que se cruzaban asesinatos injustificados con cambios de vestuario de la señora Stone y que para colmo de los colmos tenía a un acompañante masculino (David Morrisey) de lo más soso. Un aburrimiento de enormes proporciones.

Los avispados cómicos de Paramount Comedy en uno de sus tantos monologos definieron a la perfección el poco talento de todo aquel que estaba detrás de la versión cinematográfica de "El Código Da Vinci", a través de un supuesto dialogo en la preproducción;
- A ver, vamos a hacer la versión cinematográfica de "El Código Da Vinci". Necesitamos a una francesa...
- Pues cogemos a Amelie.
- Perfecto! Pero necesitamos tambien a un francés...
- Jean Reno!
- Estupendo!! Y ahora necesitariamos a un abuelete...
- Pues el Gandalf ese!
- Hecho!
Para colmo le ofrecieron la versión al impersonal de Ron Howard, que consiguió lo que, a priori, parecia más complicado, aburrir al personal. Tom Hanks nunca ha estado tan perdido y aturdido como en esta ocasión, y las más de 2 horas y media de metraje eran imposibles de sobrellevar. Un tostón increible.

Madre mia. Otra que tal bailaba. Y es que parecía que Brian Synger era el director adecuado para resucitar al superheroe de capa roja para la gran pantalla, a juzgar por su trabajo en "X-Men", pero no fue así. Superman merecia algo más que esta película sin carisma ninguno para el personaje que tomaba. Sin el amable toque de humor que tenía la versión de Donner y con la terca manía (muy de moda) de privar de color y volver sombrio al personaje, algunos momentos como el del niño o el del hospital parecian sacados de un culebrón y ni Kevin Spacey ni Kate Bosworth funcionaron en sus respectivos papeles. Al menos Brandon Routh mantuvo el tipo. Warner esperaba comerse el mundo con este "Superman Returns" pero la jugada les salió rana, tanto que se han pensado muchisimo si continuar la saga.

Una de directores desconocidos. Oliver Stone parece sufrir el mal de Ridley Scott, del que muchos ya dudan que dirigiera "Alien" y "Blade Runner". No entiendo como un director, siempre combativo, siempre crítico con su país, creador de cintas como "Nacido el 4 de Julio" o "J.F.K" haya sido tan plano en su versión sobre el atentado del 11-S, que tenía tantisimo por contar y denunciar. El caso es que Stone se paso de correcto y patriota y tomó una actitud cobarde, la de narrar unicamente el sufrimiento de dos policias porturarios atrapados en unos escombros. Que digo yo, que para eso daba igual que los escombros fuesen del World Trade Center, que de un edificio de Estocolmo. Así que "World Trade Center" era en realidad un drama de dos polis (uno de ellos Nicolas Cage, de capa caida desde hace mucho tiempo) que hablaban de sus hijas, de como conocieron a sus esposas y demás cosas del día a día. Además "World Trade Center" contenía la secuencia más increiblemente fea vista en cine en mucho tiempo, la aparición inesperada de Jesucristo con una botella de agua de plástiquete malo en la mano.

Ay! Lo que ha dado que hablar "Alatriste". Lo que ha animado el patio del cine español! Y que derroche de dinero! Con la crítica profesional y la gente de la industria del cine, empeñados en hacernos ver una película que no es, la opinión general del español medio puso en su sitio a "Alatriste" como la película que en realidad si era; una superproducción sin épica, llena de incongruencias, con una alarmante falta de hilo argumental, mal montada, con unas pésimas y preocupantes interpretaciones, mal dirigida, larga, aburrida, etc...
Con un Viggo Mortensen ininteligible que parecia llevar morfina en el bigote y un Diaz Yanes al que el proyecto le quedaba muy grande. Una decepción de la que el cine español, deberia aprender en lugar de autoengañarse.

Si el adjetivo "sobrevalorada" se puede aplicar a una película del 2006, esa sería a "Brokeback Mountain" de Ang Lee. La historia de dos vaqueros homosexuales, que ni siquiera eran vaqueros, sino pastores, era independientemente de su condición sexual, una historia romántica nada emocionante. Si Clint Eastwood hiciera una versión alternativa, sabriamos lo que es bueno. Una historia fria, muy fria, y torpe a la hora de hablarnos de la no aceptación social de esta relación amorosa en un marco conservador. Y es que cuando los paisajes te parecen más bonitos e interesantes que la historia de amor que se esta contando, es que algo no funciona.
Con un poco más de intensidad o pasión en su narración, "Brokeback Mountain" no estaría en esta lista, pero tampoco en la de mejores películas del año, a pesar de que se dijo de ella que era una Obra Maestra.

Otra producción desaprovechada. Una novela de Ellroy,una historia jugosa basada en un hecho real, un reparto con la dos veces ganadora del Oscar, Hillary Swank y con Scarlett Johannson y dirigida por Brian De Palma. Todo mezclado parecía una garantia de éxito que no fue. "La Dalia Negra" estaba repleta de tópicos del cine negro, cargada de dialogos insustanciales, tenía una mala dirección de actores y una incomoda voz en off. Solo se podían salvar un par de planos secuencia "marca de la casa", que ni siquiera son de los más destacados en la carrera de De Palma. Con todo, una espesa narración en la que mirabas la hora de tu reloj muchas veces y que se establecia como una decepcionante adaptación para todo aquel que esperase algo minimamente parecido a "L.A Confidencial", que era lo más que podiamos pedir.

Críticas de "El Séptimo Cielo";

"Instinto Básico 2; Adicción al riesgo", "El Código Da Vinci", "Superman", "World Trade Center", "Alatriste", "Brokeback Mountain", y "La Dalia Negra".
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14 de diciembre de 2006
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Lauren Bacall (82 añitos), Tony Curtis (81), Doris Day (82), Deanna Durbin (84), Angela Lansbury (81), Jerry Lewis (80), Kim Novak (72), Maureen O’Hara (86), Max von Sydow (76), Eli Wallach (91), Richard Widmark (91) y Ennio Morricone (78).

Esa era la larga lista de nombres que barajaba la Academia de Cine Norteamericana para dar el Oscar Honorífico de este año. Una lista con míticas figuras, de entre la cual, y según Reuters, el elegido ha sido el compositor italiano Ennio Morricone.

Seguramente porque la Academia sentirá verguenza por haberle negado en tantas y tantas ocasiones la estatuilla al genial músico, y la mayoria de veces, de un modo injusto. Para eso están los Oscars Honorificos, para compensar graves errores, y en alguna ocasión tambien como homenaje. Ya lo dijo Peter O´Toole, "no quiero el Oscar Honorifico, aún puedo ganarlo por mi mismo".

El caso es que Morricone optó al Oscar por "Dias del cielo" en 1978 (ganaría Giorgio Moroder por "El Expreso de Medianoche"), "La Misión" en 1986 (ganó Herbie Hancock por "Alrededor de la medianoche"), "Los Intocables" en 1987 (ganó Ryuichi Sakamoto por "El último emperador"), "Bugsy" en 1991 (ganaría Alan Menken por "La Bella y la Bestia") y "Malena" en el 2000 (el caso más flagrante, cuando ganó Tan Dun por "Tigre y Dragón").

5 son sus nominaciones al Oscar, pero podían ser cientos, a juzgar por las maravillosas y legendarias creaciones de este músico nacido en Roma, entre las que se encuentran (citando solo unos pocos de los más de 500 scores que atesora), "Por un puñado de dolares", "La muerte tenía un precio" y "El bueno, el feo y el malo", "Hasta que llegó su hora", "Los Cuentos de Canterbury", "Novecento", "Erase una vez en America", "Frenético", "Cinema Paradiso", "Átame" o "Vatel".

El caso es que Morricone sigue en activo, y no es para nada descartable, que pueda volver a estar nominado. "La Sconosciuta" de Giusseppe Tornatore ha sido su último trabajo hasta la fecha, y cuenta con dos proyectos importantes, la precuela de "Los Intocables", "The Untouchables: Capone Rising" tras la que estaría de nuevo, Brian de Palma, y una ambiciosa producción bélica europea, tambien dirigida por Tornatore, títulada "Leningrado".

Para finalizar, tras buscar imagenes de Morricone con las que ilustrar este post, he reparado en el enorme parecido entre el músico italiano y el personaje de Laurence Olivier en "Marathon Man". Os dejo con el parecido, sin olvidarme de dar la enhorabuena a Ennio. Por su inconmensurable carrera y por este premio que ahora le dan.

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11 de diciembre de 2006
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Cuando las diferentes asociaciones de críticos eligen a las mejores películas del año, significa que la carrera hacía el Oscar da el pistoletazo de salida. Y en la noche del pasado Domingo, los nombres de los candidatos empezaron a tomar posiciones.

Las asociaciones de Boston , Los Angeles, Nueva York (críticos online) y Washington han dejado claras algunas cosas; por un lado que "Letters from Iwo-Jima" de Clint Eastwood entra definitivamente en la lucha, por delante de su otro film, "Banderas de nuestros padres", asi como que Martin Scorsese volvera, casi con toda seguridad, a optar a su ansiado tio Oscar.
La rivalidad va a ser grande este año, más cuando ninguna asociación ha repetido premio a Mejor Película, por lo que este año, va a ser complicado que exista una clara favorita.
Tambien ha quedado bastante claro que Helen Mirren parte con una enorme ventaja en la categoria de Mejor Actriz Principal por su papel en "The Queen", al igual que Forest Whitaker en la de Mejor Actor por su interpretación en "The Last King of Scotland".

Aquí van algunas de las menciones;

LOS ANGELES:

Película: "Letters from Iwo-Jima"
Director: Paul Greengrass por "Vuelo 93"
Actor: Sacha Baron Cohen por "Borat" y Forest Whitaker por "The Last king of Scotland"
Actriz: Helen Mirren por "The Queen"
Actor Secundario: Michael Sheen por "The Queen"
Actriz Secundaria: Luminita Gheorghiu por "The Death of Mr. Lazarescu"
Guión: Peter Morgan por "The Queen"

NUEVA YORK (Online):

Película: "The Queen"
Director: Stephen Frears por "The Queen"
Actor: Forest Whitaker por "The Last King of Scotland"
Actriz: Helen Mirren por "The Queen"
Actor Secundario: Michael Sheen por "The Queen"
Actriz Secundaria: Jennifer Hudson por "Dreamgirls" y Catherine O´Hara por "FYC"
Guión: Peter Morgan por "The Queen"

BOSTON:

Película: "Infiltrados"
Director: Martin Scorsese por "Infiltrados"
Actor: Forest Whitaker por "The Last King of Scotland"
Actriz: Helen Mirren por "The Queen"
Actor Secundario: Mark Wahlberg por "Infiltrados"
Actriz Secundaria: Shareeka Epps por "Half Nelson"
Guión: William Monahan por "Infiltrados"

P.D: ("Infiltrados" está rodada y ambientada en Boston")

WASHINGTON:

Película: "Vuelo 93"
Director: Martin Scorsese por "Infiltrados"
Actor: Forest Whitaker por "The Last King of Scotland"
Actriz: Helen Mirren por "The Queen"
Actor Secundario: Djimon Hounsou por "Blood Diamond"
Actriz Secundaria: Jennifer Hudson por "Dreamgirls"
Guión: Michael Arndt por "Pequeña Miss Sunshine"

Y por último decir, que salvo en la Asociación de Los Ángeles, el resto de Asociaciones han elegido a "El Laberinto del Fauno" como Mejor Película de Habla No Inglesa. Ninguna se ha acordado de "Volver".

Más información en Oscarwatch.
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8 de diciembre de 2006
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Día 15 de Noviembre; George Clooney es noticia.

La revista People elige al último ganador del Oscar a Mejor Actor Secundario, George Clooney, como el hombre vivo más sexy del 2006 por segunda ocasión, igualando así el record de menciones que ostentaba hasta ese momento su colega Brad Pitt.
El actor declara; “Brad va a estar molesto…solíamos llamarlo el dos veces

Día 1 de Diciembre; George Clooney es noticia.

El actor Danny de Vito aparece borracho en el programa televisivo “The View”. El menudo actor confiesa que “sabia que las ultimas siete copas de licor eran las que iban a emborracharme”. Debido a su estado de embriaguez, De Vito reconoce haber follado con su mujer Rhea Perlman en todos los rincones de la sala Lincoln de la Casa Blanca e insulta en directo a George Bush, siendo dicho insulto censurado por la televisión norteamericana. De Vito declara que la juerga se la corrió con el último ganador del Oscar a Mejor Actor Secundario y hombre vivo más sexy del 2006, George Clooney. El cual, a su vez, reconoce que tendrá que tener más cuidado con él en próximas juergas.

Día 4 de Diciembre: George Clooney es noticia.

El último ganador del Oscar a Mejor Actor Secundario, hombre vivo más sexy del 2006, y compañero de juergas de Danny De Vito, George Clooney, desvela cual será su cuarta película tras las cámaras. A pesar de no haber rodado aun “Leatherhead”, Clooney ya ha decidido que dirigirá “The Belmont Boys”, una cinta sobre ladrones, muy al estilo de “Ocean´s eleven”.

Día 5 de Diciembre; George Clooney es noticia.

Muere el cerdo de George Clooney, No él, sino su mascota. Max era el cerdo con el que el último ganador del Oscar a Mejor Actor Secundario, hombre vivo más sexy del 2006, compañero de juergas de Danny de Vito y próximo director de “The Belmont Boys”, George Clooney, convivía desde hacía 18 años. Falleció a causa de una artritis con 130 kilos de peso.
El actor se encuentra de luto y declara; “Era un cerdo de los más mayores que habían visto los veterinarios. Me ha sorprendido. Ha compartido una gran parte de mi vida. No sustituiré a Max por otro porcino, ya que éste ha cubierto todas mis necesidades de cerdo”.

Día 6 de Diciembre; George Clooney es noticia.

El último ganador del Oscar a Mejor Actor Secundario, hombre vivo más sexy del 2006, compañero de juergas de Danny de Vito, próximo director de “The Belmont Boys” y de luto por la perdida de su cerdo, George Clooney, compra los derechos para la gran pantalla de la primera novela de no-ficción de John Grisham, "The Innocent Man".
La portavoz de Warner dijo que aún no se había decidido si Clooney dirigiría o actuaría en "The Innocent Man".

Día 7 de Diciembre; George Clooney es noticia.

El último ganador del Oscar a Mejor Actor Secundario, hombre vivo más sexy del 2006, compañero de juergas de Danny de Vito, próximo director de “The Belmont Boys”, de luto por la perdida de su cerdo y comprador de los derechos de la primera novela de no-ficción de John Grisham, George Clooney, admite ser un seguidor incondicional del cine de Bollywood y confiesa querer protagonizar una de las películas musicales de aquella industria. "Me encantaría. Hay algunos cineastas cuyas películas, cuando uno las ve, dice: 'Esa puede ser una historia interesante para contar'", dijo el actor de 45 años en una entrevista transmitida el jueves por el canal privado CNN-IBN.

Día 8 de Diciembre, tal día como hoy; George Clooney es noticia.

“The Good German” dirigida por Steven Soderbergh y protagonizada por el último ganador del Oscar a Mejor Actor Secundario, hombre vivo más sexy del 2006, compañero de juergas de Danny de Vito, próximo director de “The Belmont Boys”, de luto por la perdida de su cerdo, comprador de los derechos de la primera novela de no-ficción de John Grisham y seguidor del cine de Bollywood, George Clooney, se presenta en el Egyptian Theatre de Hollywood. A la premiere también acuden Cate Blanchett y Tobey Maguire, coprotagonistas de la cinta.
Clooney confiesa estar triste; “Es extraño llegar a casa y no ver a Max tumbado en la alfombra”.
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7 de diciembre de 2006
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1. Como se acerca la Navidad no puede faltar el film romántico americano de turno, ambientado, como no, en la época en la que el Corte Inglés se forra. El año pasado la elegida fue “La Joya de la familia” y este año, “Vacaciones”.

2. La peli, la dirige la señora Nancy “memolatantoelcineclásicoquemehartoahacerrefenciasenmispelículas” Meyers, directora de otros productos pastelosos como “Cuando menos te lo esperas” o “¿En qué piensan las mujeres?”.

3. Del global de la película el 99% es paja. El resto, son los títulos de crédito finales.

4. Por supuesto que en una cinta como “Vacaciones” no pueden faltar: la continua taza de café (también validos chocolate y/o té) en mano en todos y cada uno de sus protagonistas (hasta los más remotos secundarios sostienen una), villancicos de los años 50 y 60 que suenan sin previo aviso, nieve en el momento preciso, un clásico en blanco y negro en la televisión, casas superguays, ordenadores supercucos, peinados perfectos, decoración navideña megachachi y de extras; únicamente gente “mona”.

5. Los personajes de “Vacaciones” no son ni albañiles ni alicatadores de cuartos de baño, ni asistentas del hogar…todos tienen profesiones “guays” como compositor de bandas sonoras, redactora, escritor, guionista, actriz o montadora de trailers de películas.

6. Jude Law hace de Cary Grant (o lo intenta), y por si no nos hemos dado cuenta le ponen unas gafas como las que llevaba el eterno galán inglés en “La fiera de mi niña”. Eli Wallach hace de Billy Wilder, aunque aquí lo llaman Arthur Abbott. Cameron Diaz hace de Pato Lucas y Kate Winslet de Pato Donald. El pobre Jack Black bastante tiene con no despeinarse su colocadísima melena.

7. La palabra Amor sale en el 99% de los momentos de la cinta. El resto, son los títulos de crédito finales.

8. Como a Nancy “memolatantoelcineclásicoquemehartoahacerrefenciasenmispelículas” Meyers le mola tanto el cine, mete homenajes poco o nada sutiles (algo así como los que mete, sin disimulo ninguno, Cameron Crowe en sus pelis) a “Cinema Paradiso”, “Tiburón”, “Indiana Jones”, “Vertigo” o “Luna Nueva”.

9. El compositor de la música de “Vacaciones” es Hans Zimmer. El personaje de Jack Black tiene un dialogo en la cinta en que dice lo gran músico que es Hans Zimmer…como dirían en “Pulp Fiction”"Señores, dejemos de chuparnos las pollas".

10. Por supuesto no podía faltar un cameo de los amiguitos de Nancy “memolatantoelcineclásicoquemehartoahacerrefenciasenmispelículas” Meyers y en esta ocasión le toca el turno a Dustin Hoffman.

11. Por último recomiendo esta película. Hay que ir a ver “Vacaciones”. Te enseña todas y cada una de las maneras de cómo NO hacer una película y lo más importante de todo…conseguirá que en estos días de Paz, Armonía, Bondad, Felicidad y Amabilidad, tambien seamos capaces de odiar a muerte a un ser como Nancy “memolatantoelcineclásicoquemehartoahacerrefenciasenmispelículas” Meyers. Feliz Navidad.
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4 de diciembre de 2006
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Cuando de entre una serie de apuestos galanes morenos surgió el nombre de Daniel Craig como nuevo agente secreto al servicio de su majestad británica, la mayoría de nosotros, nos echamos las manos a la cabeza por la desafortunada elección.
Un tipo rubio, con cara de pocos amigos, acostumbrado a papeles antagónicos y desconocido para el gran público iba a ser el nuevo 007, algo insólito a la par que arriesgado, así como una polémica decisión por parte de los veteranos productores de la saga, Michael G. Wilson y Bárbara Brócoli.

Era obvio que estos querían dar un lavado de cara a Bond, incluso se llegó a rumorear que el nuevo Bond seria alguien de color. Finalmente el cambio cromático solo estuvo en el pelo, para alivio de muchos, pero fue igual de sorprendente.

Una vez visto este nuevo Bond, en la primera de las aventuras creadas por Ian Fleming, “Casino Royale” (ya llevada al cine en modo de parodia por Val Guest, John Huston, Woody Allen, David Niven, Peter Sellers y compañía), hay que reconocer, no solo la notable interpretación de Craig como Bond (a excepción de sus agotadores y artificiales morritos), sino también el rotundo acierto de los productores a la hora de dar un giro a la saga, empezando por su protagonista.

El James Bond de “Casino Royale” está más cerca de los agentes contemporáneos, Jason Bourne (“El Caso Bourne” y “El mito de Bourne”) y Ethan Hunt (las tres partes de “Misión Imposible”) que del clasicismo que impregnaba Pierce Brosnan a su espía, más parecido a Sean Connery o Roger Moore.

No solo el cambio de la saga reside en la elección de Craig como agente, también diferentes elementos habituales de estas películas han desaparecido o mutado. El humor desaparece, algo que rompía claramente el clímax en las dos últimas partes de la saga, y con ello Q y R (encarnados por Desmond Llewelyn y John Cleese en las cintas previas) y sus ingeniosos gadgets. A este Bond, le da igual como le sirvan sus martinis, sangra como cualquier humano, es capaz de enamorarse de verdad y no parece tan servicial a como estábamos acostumbrados.

A juzgar por el resultado de este Bond de nuevo cuño, lleno de acción, pero no cargado de efectos especiales, entretenido, con ritmo y también violento, hay que aplaudir la decisión de cambio de los productores. Y es que puestos a pensar, las dos últimas películas, “El mundo nunca es suficiente” y “Muere Otro día” eran productos basados en lo acomodaticio de una formula que funcionaba, y que hacía que estas cintas se convirtiesen en un cúmulo de tópicos jamesbondianos con una trama ínfima. Podrían haber seguido así unos cuantos años más, pero el cambio ha sido positivo y se ha confirmado como necesario y vital para la supervivencia de la famosa saga.

“Casino Royale” comienza de una manera contundente, con un prologo en blanco y negro y con un Bond que aún no tiene los dos ceros y el siete en su carnet. Tras esta secuencia, seca y directa, llegan los títulos iniciales, con su estilo de siempre. Sin embargo, el escuchar al ex de Soundgarden y solista de Audioslave, Chris Cornell, cantar el nuevo tema bond “You Know my name”, comenzamos a notar que algo ha cambiado.

Y es que la acción de “Casino Royale”, frenética y realista al mismo tiempo, dista mucho de aquellos 007 en los que a leguas sabías que del modo más increíble nuestro agente de smoking iba a salir bien parado y además sin que su pelo engominado se descompusiese de delirantes e imposibles ataques radioactivos y/o espaciales. Este Bond, es impulsivo, para disgusto de M, de nuevo encarnada con seriedad por Judi Dench, talentoso, pero también sufridor y humano. Y todo ello sin dejar de ser 007.

“Casino Royale” juega con la baza de una trama de espionaje no demasiado recargada para desarrollar mayores momentos de guión en el personaje protagonista, gracias a la participación de dos escritores curtidos en esto de hacer películas de 007 como son Neal Purvis y Robert Wade, y a la presencia de Paul Haggis, el guionista de “Million Dollar Baby” y director triunfador con “Crash”. Ellos se dedican a elaborar una constante descripción del nacimiento del personaje y a enmarcarla en una convincente y entretenida historia de acción muy de acorde con los tiempos que corren, sin que miremos el reloj en las dos horas y media de duración de la cinta. Conoceremos así, como Bond consigue sus señas de identidad, y seremos testigos de una historia de amor afrontada con una mayor tranquilidad y tacto que en las últimas cintas de la saga, en las que las mujeres aparecían y desaparecían fácilmente.
Eva Green se consolida aquí como una perfecta chica Bond y como una buena actriz, algo que Ridley Scott no le permitió demostrar en “El Reino de los Cielos”.

Aderezada por buenos momentos de suspense gracias a las (siempre resultonas para el cine) partidas de poker frente a Madd Mikelsen, el villano de turno, espectaculares parajes, y a una dirección de Martin Campbell, sencilla y efectiva (es un artesano de este tipo de cine que ya realizó "Goldeneye"), “Casino Royale” marca un nuevo inicio para la saga. Un Bond del Siglo XXI, modernizado pero sin olvidar su esencia. Una buena película de acción que revitaliza a Bond, James Bond, como lo revitalizó en una época ya pasada, Pierce Brosnan en “Goldeneye”. El Episodio I de un personaje que el cine nunca debe dejar morir.
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2 de diciembre de 2006
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Decir John Huston es hablar de uno de los grandes directores de cine americano. Le venia de familia eso del mundo del cine. Su padre, el oscarizado actor Walter Huston le metió como guionista en esto del séptimo arte y John no desaprovechó la oportunidad, escribiendo para William Wyler y otros directores. Pronto daría el salto a la dirección ya que, según sus palabras; “no soportaba ver como masacraban mis guiones”.
Gracias a John Huston existen obras de arte del género negro como “El Halcón Maltés” o “Cayo Largo”, de aventuras; “El tesoro de Sierra Madre” o “El hombre que pudo reinar”, así como cintas tan míticas y diferentes como “La jungla de asfalto”, “La reina de Africa” “Vidas Rebeldes” o “Dublineses”, fruto de su enorme versatilidad. Sin duda, un grande entre los grandes, dotado de un fuerte pero afable carácter que le hizo ser un personaje querido dentro de Hollywood, potenciando también su carrera como actor, al que pudimos ver en “Chinatown” de Roman Polanski o la inclasificable “Casino Royale”. Hoy tendría 100 años.

El neorrealismo italiano le debe mucho a Roberto Rossellini que contribuyó a esta corriente con la que es posiblemente su cinta clave, “Roma, citta aperta”. La revolución y esperanza que este film supuso para una Italia todavía hastiada por las secuelas de la Segunda Guerra Mundial, llevaron a Rossellini a realizar la llamada “Trilogía Neorrealista”, que completó con “Paisà” y “Alemania, Año Cero”. Su cine valiente, combativo, enérgico tuvo una amplia repercusión internacional, que llamó la atención de la protagonista de “Casablanca”, Ingrid Bergman, la cual escribió una carta a Rossellini para trabajar a sus órdenes. Así comenzaba una relación artística y también de pareja, no exenta de polémica, que dio origen a películas como “Stromboli”, “Te querré siempre” o “Europa 1951”. Rossellini nunca abandono su querida Italia, donde rodó maravillosas cintas de la talla de “El General de La Rovere” o “Ya no creo en el amor”.Hoy tendría 100 años.

El que si dejó su Austria natal, para engrandecer el cine hollywoodiense, fue Billy Wilder. Curtido como periodista en Alemania, Wilder, al igual que Huston, comenzó en esto del cine escribiendo guiones para otros directores, en especial para Ernst Lubitsch. Su pluma, ácida, inteligente y humoristica le acompañó en las películas que también dirigió. Charles Brackett y el superdotado I.A.L. Diamond le ayudaban habitualmente en estas tareas. Wilder hizo obras maestras en diferentes géneros, suyas son; “Perdición” magistral cinta negra, “Testigo de Cargo”, hábil cine de suspense, “El crepúsculo de los dioses”, una de las mejores películas de cine dentro del cine, “Sabrina”, romántica y deliciosa o “Días sin huella”, decadente retrato de las consecuencias del alcoholismo.
La comedia fue su campo preferido y el que le unió a una gran pareja cómica, la formada por Jack Lemmon y Walter Matthau.
Wilder es uno de los mejores guionistas que ha dado el cine, sino el mejor.“Con faldas y a lo loco” o la impecable “El Apartamento” son buena muestra de ello. Un cineasta modélico e irrepetible, con siete Oscars en su haber y un buen puñado de obras de arte para la eternidad.
Hoy tendría 100 años.

Carol Reed era, en los años 40, el director británico más popular junto con Alfred Hitchcock. Debutó en los míticos estudios Ealing para dirigir una serie de obras que le llevaron a la fama en Gran Bretaña. Con la dirección en el año 1947 de “Larga es la noche”, una de sus más aclamadas cintas, comenzaría una inspirada y brillante etapa a la que siguieron “El ídolo caído” y “El Tercer Hombre” que unirían su figura a la del escritor Graham Greene. Un reloj de cuco, la Viena de posguerra y la música de Antón Karas hicieron de “El tercer hombre” una obra capital dentro de la historia del séptimo arte.
Reed fue el que mejor supo plasmar los mundos creados por Greene, al que adaptaría nuevamente en “Nuestro hombre en la Habana”. Aunque nunca llegó a instalarse definitivamente en la Meca del cine, Reed realizó algún que otro destacado trabajo en los EEUU, como “El tormento y el éxtasis” o “Trapecio”.La multipremiada “Oliver” musical basado en la obra de Charles Dickens , fue su última gran película. Hoy tendría 100 años.

Autor clave del neorrealismo italiano, junto con Rossellini o De Sica, Luchino Visconti fue un colosal director dotado de una especial sensibilidad demostrada en delicadas cintas como “Muerte en Venecia” o “Senso”. Debutaría en la dirección con “Obsesión” en el año 1942 y prohibida en Italia por Mussolinni. Con la aristocracia, el romance, el melodrama y la tragedia como temas recurrentes, Visconti siempre mostró su gusto por dirigir épicos y ambiciosos relatos que se establecieron como grandes producciones europeas y aumentaron el esplendor del cine del viejo continente en las décadas de los 50 y 60. Inolvidables son “El gatopardo”, “Rocco y sus hermanos” o “La caída de los dioses”. Su última película seria “El inocente” en 1976 que le volvía a unir con el actor Mássimo Girotti, que también aparecía en su opera prima. Hoy tendría 100 años.

Otto Preminger era natural de Viena. Austriaco como Billy Wilder y uno de los tantos directores europeos que emigró a los Estados Unidos, en busca de dar rienda suelta a sus inquietudes artísticas. Precisamente Preminger actuó para Wilder en “Traidor en el infierno” en una de sus escasas participaciones interpretativas. Acogido como un creador americano más, pero no uno cualquiera, Preminger proporcionó a Hollywood memorables e imprescindibles films de cine negro como “Laura” o “Cara de Ángel”.
Gene Tierney y Dana Andrews fueron sus actores fetiches, pero muchos de los grandes de la interpretación trabajaron con el austriaco. Joan Crawford, Henry Fonda, Marilyn Monroe, Frank Sinatra, Charles Laughton o Paul Newman se pusieron bajo sus órdenes. “El hombre del brazo de oro” con un sufridor Sinatra enganchado a la heroina, “Anatomía de un asesinato” uno de los films definitivos sobre juicios, con James Stewart o el drama político, “Tempestad sobre Washington” con Henry Fonda, fueron algunas de sus obras más destacadas.Hoy tendría 100 años.

Muchos lo conocerán por su matrimonio con Sara Montiel, un acontecimiento para la prensa rosa de la época que enlazaba a una actriz española con un gran director americano. Anthony Mann fue un creador de vital importancia para el western americano. Apoyado en la figura de James Stewart, Mann fue un más que solvente director de género que consiguió algunas de las grandes cintas del oeste en sus años de esplendor. “Winchester 73”, “Colorado Jim”, “Horizontes Lejanos” o “Tierras Lejanas”. Todas ellas protagonizadas por el actor de “Vertigo”.
No obstante, Mann no se encasilló en la aventura del oeste, frecuentando otros géneros en los que dejó su impronta. “Las colinas de los diablos de acero” con Robert Ryan es uno de las mejores cintas bélicas que un servidor ha visto y “Musica y lagrimas” un respetuoso biopic a la figura del músico de jazz, Glenn Miller.
En los años 60, Mann se apuntó a la moda de la superproducción épica, la cual lo trajo a España donde rodó “El Cid” y “La caida del imperio romano” bajo la supervisión de Samuel Bronston.
Sus últimas películas fueron la bélica “Los hombres de Telemark” con Kirk Douglas y “Sentencia para un dandy” en 1968, la cual tuvo que finalizar uno de sus actores Laurence Harvey, al fallecer Mann en mitad del rodaje. Hoy tendría 100 años.

(Texto realizado para la Filmoteca de Albacete, dentro de su ciclo "Cien Años de Talento")
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