28 de febrero de 2007
EASTWOOD Y DEGENERES por SPIELBERG

Sin duda, esta imagen pertenece a uno de los más ocurrentes chistes de la pasada ceremonia de los Oscars.

Ellen DeGeneres con Clint Eastwood en una foto tomada por Steven Spielberg y que formó parte de una de las bromas de la presentadora durante la gala, cuando esta mandó repetir la foto al director de "Tiburón" y "Munich" diciendole que no estaba centrada.
DeGeneres prometió poner la foto en su "myspace", y allí la he podido encontrar.

http://www.myspace.com/degeneresellen
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26 de febrero de 2007
LA 79 EDICION

Tras recuperar unas cuantas horas de sueño, esas que se pierden en toda noche de los Oscars, os traigo unos cuantos apuntes de la que ha sido la edición número 79 de los premios Oscars y su ceremonia de entrega de premios;

Apunte 1; El rumor era cierto. Coppola, Spielberg y Lucas para coronar a Scorsese como Mejor Director, y Jack Nicholson (rapado al cero, supongo que por culpa de "The Bucket List" la película de Rob Reiner que está rodando y en la que interpreta a un enfermo terminal junto a Morgan Freeman) para nombrar a "Infiltrados" como Mejor Película del 2006.

Apunte 2: Ni "Toro Salvaje", ni "Taxi Driver", ni "Jo, que noche", ni "Uno de los nuestros", ni "La edad de la inocencia", ni "Casino". Ha sido "Infiltrados" la única película de Martin Scorsese que ha conseguido el premio a la Mejor Película en toda su carrera. Y el caso es que esta, no supera en calidad a ninguna de las anteriormente citadas, aun siendo un vibrante thriller dirigido con buen pulso. La continua devaluación cualitativa de estos premios no resisten comparación historica alguna y demuestran una vez más su propensión a la compensación.No quiero decir que "Infiltrados" no deba merecer este Oscar, pero si, que en caso de haber ganado alguna de las muchas obras maestras que ha realizado Marty en su carrera, muy posiblemente hoy estuviesemos hablando de otra ganadora (no de mayor nivel pero si distinta).

Apunte 3: Jennifer Hudson no ganó el "Operación Triunfo" americano. Fue nominada para abandonar la academia y expulsada. En cambio, ahora tiene un Oscar, por un papel que parece un regalo del cielo hecho expresamente para ella. Veremos si su carrera cinematográfica puede sostenerse en otros tipo de papeles alejados de lo musical y más cercanos a lo dramático y si el peso de este Oscar tan tempranero, no le afecta negativamente.


Apunte 4; El gesto serio y nervioso de Eddie Murphy hacía presagiar lo que iba a ocurrir. Alan Arkin le arrebataria el Oscar a Mejor Actor Secundario, en su gran oportunidad para lograrlo (será dificil que vuelva a optar). Al veterano actor, no le importó dejar su Oscar en el suelo, nada más tenerlo en su poder, para poder leer sus agradecimientos.

Apunte 5; Apenas 7 trabajos para cine y el compositor Gustavo Santaolalla ya tiene 2 Oscars. Y además solo con la ayuda de unas notitas de guitarra que se suelen repetir constantemente en todas sus obras. 2 nominaciónes y sendos premios. Todo ello delante de las narices de Ennio Morriconne, hombre que ha puesto música a la historia del cine y que ha sido ninguneado en 5 ocasiones. Desproporcionadisimo.

Apunte 6: Emotivo el encuentro entre Eastwood y el músico italiano homenajeado, el cual profesó su amor por su esposa y por el cine y dejó claro que no se estaba despidiendo del séptimo arte en ese momento, sino que le queda cuerda para rato, o al menos, esa es su intención. De hecho, ya trabaja en lo nuevo de Tornatore, "Leningrado". Es una maravilla poder escuchar la música de "Erase una vez en America", "Cinema Paradiso" o "Investigación de un ciudadano libre de toda sospecha". Larga vida a Ennio!

Apunte 7: Tres españoles se hicieron con Oscars (Pilar Revuelta, Montse Ribé y David Martí), Fesser y Cobeaga a las puertas, "El Laberinto del Fauno", 3 premios técnicos, y delito imperdonable el no premiar a la fotografía de "Hijos de los Hombres". La cosa estuvo repartida, y pocos de los máximos nominados se fueron si una estatuilla. Incluso la película de "Mari Sofi" Coppola, "Maria Antonietta" se llevó un Oscar, el de Vestuario para la diseñodora Milena Canonero, horriblemente vestida.

Apunte 8: La ceremonia estaba prevista en una duración de 3 horas y 39 minutos. Finalmente la velada se alargó hacía las 4 horas, media hora más que lo que duró el año pasado. Ellen DeGeneres no cobró demasiado protagonismo. Muy original las recreaciones humanas de algunas de las películas del 2006 y muy acertado el homenaje al cine de habla no inglesa en una gala menos americana y más universal que nunca, a pesar de que hubo tiempo para hacer campaña para las elecciones yankees, por medio de Al Gore y sus verdades no convenientes.

Apunte 9: Atención a los innegables parecidos entre el nuevo look rizado de Will Ferrell y un muñeco de los Cabbage Pack Kids. Y también al parecido entre Michael Arndt, guionista de "Pequeña Miss Sunshine" y Peter Stormare, villano en "Fargo" y secundario en "Minority Report" o "Prison Break".


Apunte 10: El año que viene, edición número 80, y esperemos que con mucho mejor cine nominado. Este año la emoción compensó el nivel. Algo es algo.
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25 de febrero de 2007
YA ESTÁN AQUI...

"Ya están aquí", como diría la niña de "Poltergeist". Y solo Martin Scorsese y Helen Mirren parecen tenerlas todas consigo para hacerse con la estatuilla dorada de larga y desnuda figura, en esta edición número 79 de los premios de Hollywood.

En los últimos días se viene rumoreando que George Lucas, Steven Spielberg y Francis Ford Coppola entregarán el Oscar al Mejor Director, ya que el cejudo de Marty se lo va a llevar de todas, todas, y estos son sus colegas de generación. Aunque tan solo es un rumor, y parece que finalmente será Jodie Foster quien lo haga, lo que tambien le da cierto sentido al premio, por eso de que Foster, participó, muy de jovencita en "Taxi Driver". De un modo u otro, será igualmente emotivo ver a uno de los grandes recoger su tan ansiado premio Oscar, aunque "Infiltrados" esté muy lejos del nivel de "Toro Salvaje", "Uno de los nuestros" o "Jo, que noche".

Que Helen Mirren no ganase, tendría delito. Es el Oscar más claro y cantado de toda la noche, y la británica debe llevar ensayando su discurso desde hace tiempo. Ha ganado todos los premios interpretativos previos y se lo tiene muy merecido. Penelope también debe saber que no tiene posibilidad alguna, por mucho que algún medio nacional se empeñe en hacernos creer lo contrario.

En cuanto al resto, es todo una gran incógnita. Ni siquiera Forest Whitaker y su actuación en "El último Rey de Escocia" tiene garantizado el premio. Will Smith y su personaje omnipresente en "En busca de la felicidad" y DiCaprio, el hombre del año, por la mediocre "Diamante de Sangre" (pero, aunque no figure, tambien por "Infiltrados") aún mantienen opciones.
Jennifer Hudson, pinta también ganadora, pero no debemos descartar a la pequeña miss sunshine, Abigail Breslin. y Eddie Murphy, puede ver como el abuelo de la niña, Alan Arkin, le arrebata el premio por su primer papel serio.

Esta será una edición en que la máxima ganadora, no obtendrá más de 4 premios, e incluso "El laberinto del fauno", si logra imponerse a "La vida de los otros" y ver al turolense, Javier Navarrete ganando a Mejor Banda Sonora, puede llegar a hacerse con 4 galardones y ser la más premiada. Su caso puede ser parecido al año de "La vida es bella" o al de "Amelie" si "La vida de los otros" ejerce de de una "En tierra de nadie" particular.

Lo de la categoria a Mejor Película, tiene tela. Según se dice, la cosa anda entre "Infiltrados" y "Pequeña Miss Sunshine", que seria una, enorme e incluso un poco desproporcionada, sorpresa. Pero "Babel" ganó el Globo de Oro y era favorita cuando se cerraron los votos. Aunque "Babel" también se parece mucho a "Crash" y de ganar, podría lograr ese único Oscar de las 7 nominaciones a las que opta, algo que no ha ocurrido muchas veces en la historia.
Los hay que apuestan por Eastwood y sus "Cartas desde Iwo Jima". Y yo, dudo que vaya a ganar, pero Eastwood es Eastwood y sería imprudente por mi parte, restarle opciones. Asi que la emoción esta garantizada y nos lo vamos a pasar tan bien como en una peli de Hitchcock, con suspense hasta el final.

Por otro lado y para ir finalizando, creo que la categoría de Banda Sonora es completamente imprevisible este año, que "Hijos de los hombres" merece la Mejor Fotografía, que me encantaría ver a Fesser recogiendo el Oscar, y que el pobre Kevin O´Donnell, encargado de sonido de "Apocalypto", lleva 19 veces optando al premio y todavía no lo ha ganado. Y tambien la enhorabuena a Morricone que por fin se llevará su tan merecido tio Oscar.
Como ya hice el pasado año, dejo mis ganadores, pero no los que creo que van a ganar, sino los que me gustarían que ganasen;
MEJOR PELICULA: "Babel"
MEJOR DIRECTOR: Martin Scorsese por "Infiltrados"
MEJOR ACTOR: Will Smith por "En busca de la felicidad"
MEJOR ACTRIZ: Helen Mirren por "The Queen"
MEJOR ACTOR SECUNDARIO: Jackie Earle Haley por "Little Children"
MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA: Rinko Kikuchi por "Babel"
MEJOR GUION ORIGINAL: Guillermo del Toro por "El Laberinto del Fauno"
MEJOR GUION ADAPTADO: Alfonso Cuarón por "Hijos de los hombres"
MEJOR FOTOGRAFIA: Emmanuel Lubezki por "Hijos de los hombres"
MEJOR BANDA SONORA: Thomas Newman por "El buen alemán"
MEJOR PELICULA ANIMADA; "Monster House"
MEJOR CANCION; "Love You I Do" de "Dreamgirls"
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22 de febrero de 2007
EL MILAGRO DE LA OTRA FAMILIA AMARILLA

No son "Los Simpsons", pero pintan igualmente amarillos. Y es que a escasos días de la celebración de la 79 edición de los Oscars, una diminuta cinta independiente que lleva por nombre “Pequeña Miss Sunshine” es la máxima rival para alzarse con el premio Oscar frente al último trabajo del mismísimo Martin Scorsese, “Infiltrados” y el cierre de la “trilogía del dolor” acometido por Alejandro Gonzalez Iñarritu, “Babel”.

De naturaleza completamente modesta, “Pequeña Miss Sunshine” está escrita por un debutante, Michael Arndt (que tras este primer guión, ya trabaja en la tercera parte de “Toy Story”) y dirigida por un matrimonio, felizmente casado y con tres hijos, compuesto por Valerie Faris y Jonathan Dayton (curtidos en el campo de los videoclips para gente como Weezer, R.E.M o Smashing Pumpkins) lo que dota a esta producción de un caracter, si cabe, más familiar y humilde.

“Pequeña Miss Sunshine” lleva siendo una grata sorpresa desde su, ya lejana en el tiempo, presentación en el Festival de Sundance, donde recibió calurosas ovaciones y para el cual, tuvo que ser finalizada a marchas forzadas, con el fin poder entrar en alguna de las secciones de la muestra.
Su éxito en dicho festival, hizo que la compañia Fox apostase por su distribución y tras cinco años de problemas de financiación, ocho reescrituras de guión y vaivenes en la elección del reparto, esta optimista, entrañable y familiar road movie, por fin recorrió un camino natural que le llevó a ganarse el favor del público y crítica (con Premio del Público en San Sebastian incluido), hasta ser ahora una inesperada favorita para el máximo premio de Hollywood.Su humanidad y ternura le ha ayudado a superar los handicaps de su carácter independiente y su género, deliberadamente cómico, que la hacían alejarse de unos premios Oscars que parecen haberse olvidado de la comedia y que siempre han mostrado su predilección por las grandes producciones.

La historia de una niña simpática y rechoncha que tiene como mayor ilusión, participar en un concurso de misses, es el enésimo film sobre una familia disfuncional, aquella en que los padres no son, precisamente, un modelo a seguir, y el resto de sus miembros son, a cada cual, más esperpénticos. Pero al mismo tiempo, la cinta de Faris y Dayton consigue trascender a los convencionalismos de aquellas narraciones de carácter independiente, llenas de personajes de extraños e inadaptados, a través de su sentido del humor, logrando ser un divertido y amable film sobre la superación del inadaptado a través de la unidad familiar, repleto de comicidad, pero también de drama, de inteligencia y vitalidad.

A través de un maravilloso guión, y unos personajes estupendamente dibujados, “Pequeña Miss Sunshine” es una travesía de reconciliación con la vida. Una terapia de grupo tan descabellada como beneficiosa para una familia en descomposición con la que todo el mundo puede sentirse identificado, en mayor o menor grado.

“Pequeña Miss Sunshine” es un viaje imposible hacía un fin imposible, del cual sus directores se han valido para transmitir un mensaje bienintencionado que bien puede servir de medicina a la peor de las depresiones. Una llamativa y oxidada furgoneta Wolkswagen de color amarillo, una niña ilusionada y deliciosa (Abigail Breslin, que debutó en “Señales” de Shyamalan), un tio que acaba de intentar suicidarse (esplendido Steve Carrell), unos padres estresados (Greg Kinnear y Toni Collete), un adolescente que se niega a pronunciar palabra (Paul Dano) y un abuelo drogadicto encarnado por el recuperado Alan Arkin (que por ejemplo, hizo sufrir a Audrey Hepburn en "Sola en la Oscuridad"), son los elementos que conforman este gran hallazgo cinematográfico capaz de eludir sabiamente la pretenciosidad y tono cool del género independiente americano y también a aquellos momentos en los que se acerca peligrosamente al telefilme de turno (sobre todo en sus minutos finales).

Una pequeñita película que apuesta por lo natural, por lo genuino, por lo no alterado, como bien trata de mostrarnos esa metafora en forma concurso de Misses Infantiles, en que todas las niñas parecen clones y el cariño del espectador se inclina hacía la joven Abigail Breslin. Un canto a lo diferente, como diferente es "Pequeña Miss Sunshine" que está al lado de Scorsese, Eastwood, Frears o Iñarritu, sin complejo alguno y escalando milagrosamente posiciones para hacerse con el tio Oscar.
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19 de febrero de 2007
LO INMADURO Y LO IMPREVISIBLE

Bajo el lamentable título español de “Juegos Secretos” (que reduce su trama únicamente a la de una infidelidad cuando hay mucho más en su fondo), se presenta “Little Children” el segundo trabajo de Todd Field, el que fuera misterioso pianista en el film póstumo del maestro Stanley Kubrick, “Eyes Wide Shut” y posteriormente se destapase como un estupendo director en la magnifica, “En la habitación”, cinta debut que conseguiría cinco nominaciones al Oscar, incluyendo la de Mejor Película.

Field, director a la par que guionista, vuelve ahora a adaptar una novela que le permite poner en práctica el cine en el que se está instalando y que parece ser el que le hará reconocible para el público. Un cine claramente identificado con el independiente americano, de marcada narración literaria (narrador en off incluido), de historias contemporáneas, urbanas y familiares. Con la tristeza y la tragedia sobrevolando todos los minutos de metraje.

“Little Children” (la llamaré por su título original y no por su traducido), comienza con los planos de unas figuras antiguas de porcelana, metáforas de la niñez estancada que es al fin y al cabo es el tema principal de esta película, oculto tras otros subterfugios, para posteriormente situarnos en un parque en donde unas madres “marujonas” critican a diestro y siniestro a los vecinos de la urbanización en que residen. Apuntes ambos, del camino que tomará Field a la hora de contar su historia, que no es otra que la de la infelicidad del adulto que, aparentemente, vive en un entorno perfecto y supuestamente lleno de calidad de vida. La historia del adulto que actua a base de impulsos infantiles, sin reparar en consecuencias, bajo la atenta mirada de un niño.

En ese retrato urbanita y también en ese intento por parte de sus protagonistas de huir de su artificiosa felicidad, “Little Children” puede recordarnos bastante a “American Beauty” de Sam Mendes. Si bien, la cinta de Todd Field se aleja de esta, por su forma más independiente, gélida y por la imprevisibilidad de los comportamientos de todos y cada uno de sus protagonistas tienen, razones por las que “Little Children”, en cambio, si podría estar más próxima a “Happiness” de otro Todd, Solondz.

Kate Winslet, Patrick Wilson (el de “El Fantasma de la Opera” y sufridor en “Hard Candy”), Jennifer Connelly y Jackie Earle Haley, son los protagonistas de “Little Children”. Los primeros, consumidos por el día a día de su existencia, encuentran en el sexo y la infidelidad, un escape. El último, es el gran descubrimiento de la película (con nominación al premio Oscar incluida), con un personaje acomplejado, enfermizo y sobreprotegido por el ambiente materno, siempre en un segundo plano con respecto a la historia de la infidelidad de Winslet y Wilson, pero no menos importante en el devenir de la historia. Haley era uno de esos actores que se lograron la fama siendo niños (gracias a “Los picarones”, comedia de béisbol con Walter Matthau) y que posteriormente cayeron en el más absoluto olvido, con lo cual su reaparición en la gran pantalla con un personaje de relevancia, y con una actuación tan convincente y sólida, hacen de esta interpretación, una sorpresa mayor.

Mediante silencios, pausas (marcas de la casa ya puestas en práctica en “En la habitación") y a veces, ralentización de imágenes y un narrador en off de tono documental, Todd Field hace de “Little Children” una cinta tan extraña como hipnótica para el espectador, con elementos aislados que parecen piezas a encajar para formar un desenlace trágico que únicamente la inmadurez en los comportamientos de sus personajes echarán por tierra.

“Little Children” cuenta con secuencias a destacar como esa disección que hace Kate Winslet de “Madame Bovary” (en comparación con lo que le ocurre a su personaje), o la cita entre Jackie Earle Haley y Jane Adams, que pone de manifiesto la perversión sexual del pederasta que interpreta el primero. Estos momentos, unidos a las insólitas y curiosas secuencias de fútbol americano y de Patrick Wilson viendo a jóvenes con monopatín, hacen de “Little Children”, repito, una rara avis, pero al mismo tiempo, una obra que se ve con un gran interés.

Todd Field es un excelente guionista. Lo demuestra aquí (acompañado por Tom Perrotta, el responsable de la novela de partida), y lo demostró en su anterior película. Es tambien un formidable director de actores; ha logrado con tan solo dos películas, 5 nominaciones al Oscar para sus interpretes, a los que provee de buenos papeles y les saca un gran provecho (Tom Wilkinson, Sissi Spacek, Marisa Tomei, Kate Winslet y Earle Haley). Pero sobre todo es un buen director, que ha logrado salir más que beneficiado de la siempre temible "segunda obra" de aquel que llamó gratamente la atención en su debut. Su carrera promete, y aunque "Little Children" no mejore a "En la habitación", si que ha apuntado nuevos detalles que hacen que le confirmemos como a uno de los directores a los que no perder la pista en años venideros.
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17 de febrero de 2007
DIFUNDIENDO CINE

Permitidme que siga de enhorabuena.Primeramente la buena noticia fueron esas 100.000 visitas a "El Séptimo Cielo". Un logro de este espacio de la red, con el que me sentí tremendamente agradecido.

Ahora, la otra noticia nos traslada a las ondas radiofónicas, las que vieron nacer a "El Séptimo Cielo" como proyecto de amor al cine. Y más concretamente, la modesta pero iningualable emisora local, "Nova Onda Radio" ,que permite a un servidor disfrutar de una hora de radio semanal, donde poder expresar, con toda la libertad del mundo, sin ataduras publicitarias ni de ningún otro tipo, mi pasión por el cine. Así nació "El Séptimo Cielo" y así ha ido madurando, tras casi 5 años de vida en las Ondas, repasando semana tras semana toda la actualidad del mundo del cine, criticando las buenas películas y las no tan buenas, y ofreciendo las más novedosas musicas de cine.

Pues bien, ahora todo el equipo de esta emisora y por votación popular, ha concedido un premio a "El Séptimo Cielo". Concretamente el premio a la "Mayor Difusión", un premio en el que este blog y todos los que lo visitais, tambien tiene mucho que ver, puesto que "El Séptimo Cielo" no tendria tanta de esa difusión sin la acogida de este blog.

Un premio que agradezco de corazón y que me anima a seguir realizando esta hora de radio semanal con más ilusión todavia, si cabe. No dudeis que intentaré que el mejor programa de radio sobre cine se haga en Albacete. Y es que "El Séptimo Cielo" tiene ultimamente muchas razones para ser feliz! Mil gracias a todos!
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14 de febrero de 2007
ESPECIAL SAN VALENTIN; LAS PAREJAS DE ELLOS









Ellas. Musas. Complemento sentimental del creador. Figuras tan vitales para un director como su director de fotografía. Consejeras. Conocedoras de grandes proyectos mucho antes que el resto del planeta. A veces, cobran protagonismo delante de las cámaras, si ostentan dotes interpretativas o si sus maridos asi lo estiman oportuno.
Hitchcock aseguró no poder vivir sin Alma Reville, la cual le asesoraba en sus guiones y realiza multiples tareas en sus films. Spielberg superó su separación de Amy Irving gracías a un templo maldito en el que estaba Kate Capshaw. Ridley Scott le dedicó bonitos planos de "Gladiator" a su compañera sentimental, Giannina Facio. Polanski sentó la cabeza tras una frenética etapa, con Emmanuel Seigner. Allen encontró en Son Yi algo más que una hija adoptiva y "El Señor de los anillos" no hubiese sido lo mismo sin Fran Walsh.
Argucia comercial o no, hoy es San Valentín, y también es su día...
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9 de febrero de 2007
LAS SUPREMAS DE CONDON

Tres eran tres las famosas “Supremes”. La más guapa se llamaba Diana Ross y llevaba la voz cantante. Había otra, de nombre Florence Ballard, que albergaba un enorme torrente de voz, pero carecía del carisma de la primera. La tercera en cuestión, Mary Wilson, se dedicaba a cantar y a soportar las continuas luchas de ego entre las dos primeras. Y con ellas tres estaba Berry Gordy, creador de la mítica compañía de soul, Motown Records, que se dedicaba en cuerpo y alma a “The Supremes” (y más concretamente a Ross) por delante de otras formaciones de la citada compañía.

Ahora, tres son las “Dreamgirls” de Bill Condon, musical cinematográfico que adapta al estrenado en Broadway en 1981 con gran éxito y que sin duda, se trata de una biografía enmascarada de aquel trío de soul que marcó una época, con la ex Destiny´s Child, Beyonce Knowles como supuesta Diana Ross y Jennifer Hudson (de fácil comparación con nuestra Rosa de España, por su abultado tamaño y su pasado como participante de Operación Triunfo) como supuesta Florence Ballard.

Condon, el oscarizado guionista de “Dioses y Monstruos” y de la también premiada “Chicago”, se enfrenta con “Dreamgirls”, a su segunda experiencia con el musical puro, que ya resucitó de la mano de Rob Marshall la cinta de Gere, Zellwegger y Z.Jones. La circunstancia de ser uno de los artífices de que este olvidado género cinematográfico volviese a tener repercusión, hacía de Condon el candidato perfecto para llevar a cabo un musical tan puro como el planteado en la obra “Dreamgirls”. Y lo cierto es que el resultado final es apreciable, aunque también desigual. A ratos descafeinado, a ratos excesivamente frenético, pero con momentos de lucida brillantez y algún que otro logro o descubrimiento destacable.

La historia de las “Dreamettes” comienza desde su primer minuto con un ritmo trepidante. Bill Condon, director y a la par guionista del evento, intenta dotar a la narración de un gran dinamismo, tratando con la misma e imparable rapidez a los pasajes musicales y a los que no lo son, algo que evidentemente favorece a la factura de los números musicales pero que hace un flaco favor al desarrollo dramático de los personajes. Sin que nos demos cuenta, los protagonistas se enamoran y se desenamoran con una facilidad tremenda, consecuencia de las inexistentes pausas otorgadas por Condon para que estos puedan demostrar o esconder sentimientos. Un entusiasta pero equivocado arranque, que se extenderá mucho más allá de la media hora de metraje.

A ese carrusel de música soul, montaje acelerado y vistosas coreografías, se agarran con fuerza y sobresalen; la rolliza Jennifer Hudson y el renacido Eddie Murphy, (y en una menor medida la bella Beyoncé Knowles) que son los dos miembros del reparto que mejor se acoplan a toda la musicalidad y ritmo propuestos por el director de “Kinsey”. De ahí, que ellos dos, sean los grandes descubrimientos de “Dreamgirls”. Hudson raramente se verá en un papel tan propicio para ella. Recién salida de la Academia de triunfitos americana y con un agradecido personaje esperándola, donde demostrar su fuerza y su voz. Un golpe de suerte que ha sabido aprovechar con talento y carácter en algunos de los mejores números musicales de “Dreamgirls”, como ese “And I Telling you, I´m not going” que interpreta completamente en solitario o cuando se siente desplazada en el número “It´s all over”.

Por su parte, el cómico Eddie Murphy da todo lo mejor de si mismo, en la piel de Jimmy “Earle” Thunder. Da la sensación de que Murphy ha disfrutado mientras cantaba y bailaba para su personaje, al cual, el mismo pone voz. Pero independientemente de su poderoso alter ego musical, Murphy sale ganador de este papel, gracias a lo contenida de su interpretación en los momentos no musicales, algo, a priori, inesperado para un actor dado a la sobreactuación. Eddie Murphy aprovecha al máximo y en todos los sentidos su pequeño papel, que lo coloca como favorito para hacerse con su primer Oscar.

Cuando la cinta serena su vertiginoso ritmo, por fin podemos acompañar a los cantarines protagonistas en su carrera comercial y sentimental. Por fin somos participes de los tiras y aflojas entre los miembros del trío y la ambición “por encima de todo” de Curtis Taylor Jr, el productor encarnado por Jamie Foxx, que se va volviendo un villano despiadado a medida que avanza la película.
El interés, por tanto, crecerá, aunque no sin determinados altibajos, los propios de las limitaciones de una historia que no deja de ser la del ascenso y la caída de un grupo musical, la del patito feo rechazado y el arrepentimiento posterior y la de una figura destructora a la que se le cargarán todos los males del éxito, y que Condon siempre retrata timoratamente, evitando lo incorrecto, no mostrando y solo sugiriendo elementos muchas veces inevitables, en la vida de los artistas como las drogas, las infidelidades o el mismísimo suicidio (recordemos que la Florence Ballard de “Supremes” nunca volvió al grupo cuando fue apartada, sino que acabó suicidándose).

Un Academicismo imperante con el que Bill Condon y sus productores pensaban ser los reyes de los premios Oscars, pero con el que finalmente, solo han logrado ser la película con mayor número de candidaturas (8) que no logra una nominación a Mejor Película, en toda la historia de estos premios. Algo justo para una cinta con buenos detalles que destacar, con estupendos números musicales y temas soul, buenas interpretaciones y momentos de gran entretenimiento, pero también repleta de arritmias que la lastran durante todo su metraje y que la convierten en un musical al que se le puede calificar de irregular.
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7 de febrero de 2007
EL CINE SEGÚN GRIFFIN

Cuando uno ve un capítulo de "Padre de Familia" ("Family Guy") es consciente de que su argumento va a ser inesperadamente interrumpido en, al menos, unas cinco ocasiones, por mordaces y envenenadas secuencias de las que muy pocos han salido bien parados. El cine ha sido objeto principal de estas incisivas bromas o referencias, que hacen de esta serie (que en su quinta temporada ha llegado a limites descacharrantes) un producto altamente recomendable por su descaro, sentido del humor, inteligencia, y por saber comprimir un numero tan alto de inspiradisimos chistes en tan solo 20 minutos. Os dejo con algunos de esos momentos cinéfilos salidos de la incorrectisima familia Griffin y de sus vecinos de Quahog.

Comienzo del capítulo 4 de la 5ª temporada. Un claro homenaje a la saga, "Agarralo como puedas" y dentro de él, referencias a "El Mago de Oz", "El Resplandor", "Doom", "Star Wars", "Sonrisas y Lágrimas" e incluso los mismisimos "Simpsons".

En este episodio, que se desarrolla a imagen y semejanza de "La habitación del Pánico" de David Fincher, encontramos esta discusión de la familia Griffin acerca de "El Padrino".

Bromita con cierta mala leche hacía "American Beauty" de Sam Mendes, y su momento "bolsa de plástico".

En este episodio, que toma prestado como argumento el de "Poltergeist" de Tobe Hooper, hay una secuencia que recuerda mucho a lo ocurrido con Gandalf en "El Señor de los anillos, La comunidad del anillo".


Y por último esta genial secuencia, tambien de la quinta temporada.

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5 de febrero de 2007
LA PASION MAYA

Mel, el antisemita, borracho, machista y ultraconservador, otrora héroe de acción ochentero bajo las ordenes de Richard Donner, ha demostrado poderosamente su talento tras las cámaras con su última película, “Apocalypto”, una de esas cintas llenas de caprichos personales, que a priori parecen una excentricidad pero que más tarde se tornan intachables, una vez visto el resultado final. Caprichos como rodar en lengua maya, con escasez de diálogos, actores desconocidos y/o no profesionales, o ciertas intenciones sanguinolentas, eran elementos que alejaban a “Apocalypto” de las normas establecidas de la industria hollywoodiense.

Pero, a través de un argumento mínimo y sin importarle en absoluto el rigor histórico, Mel Gibson ha concebido con “Apocalypto” una obra vibrante, emocionantísima, rodada con gran brillantez, y haciendo gala de un enorme sentido del espectáculo en la que posiblemente sea su mejor película como director hasta la fecha.

Sucesora directa de “Braveheart” y “La Pasión de Cristo”, “Apocalypto”, comparte con la primera la destrucción de un pueblo, masacrado por conflictos internos y con ambas, el nacimiento de un héroe que se establece como salvador, esperanza o elemento de supervivencia de una cultura, creencia o sociedad.

“Apocalypto” es una obra llena de contrastes. Para Gibson todo es blanco o negro. Hay buenos muy buenos y villanos muy malos, un contraste que es visible desde ese comienzo de plena armonía para la civilización presentada, que se romperá rápidamente de una manera cruel y violenta. Existe también el héroe y el antihéroe, algún que otro personaje que recurre al tópico (el gordito bonachón del que todos se mofan, el patriarca sabio y justo) y sobre todo existe, en los dos bandos enfrentados y por encima de todo, una defensa de la familia, algo de lo que Gibson, extremadamente católico, ha convertido en un elemento presente de un modo más o menos subrayado en su filmografía.

La violencia explicita, de la que todo el mundo habla cuando se refiere a “Apocalypto” o cuando se habló en su día de “La pasión de Cristo” es solo una consecuencia necesaria del realismo que el director australiano pretende impregnar a la historia, igual que el rodar en idioma maya o la no profesionalidad de sus actores. Todo ello unido, incrementa esa sensación selvática, salvaje y brutal que esta presente durante todo el metraje de “Apocalypto” y que no hace más que acrecentar el interés del espectador por la historia. Decir que Gibson ofrece gore gratuito es un error, por mucho que el director de “Braveheart” enseñe cabezas rodando. corazones o heridas abiertas.

“Apocalypto” va al grano en todo momento. Es una trepidante persecución, sin tregua para los protagonistas y para el propio espectador desde su primer cuarto de hora hasta el final, y es capaz de lograr una intensidad fuera de lo común en su última parte de metraje. Es totalmente hipnótica y adictiva. Hay momentos de gran y brillante cine, como la caída al pozo de la familia de Jaguar o el momento en que los nativos apresados tienen que correr y esquivar flechas y lanzas para ponerse a salvo. Y otros muchos que se suceden a lo largo de toda la película y que conviene descubrir durante su visionado.

Una película sobre la convivencia entre civilizaciones, sobre la decadencia y destrucción interna de una cultura y la importancia de la unidad familiar por encima de todo. Su final, maravilloso, con un plano que puede recordar a la más recordada secuencia de “El planeta de los simios”, habla de la supervivencia de la especie, capaz de superar, no sin dificultades, los males internos pero indefensa en cuanto a lo externo y desconocido. Un final esperanzador pero al mismo tiempo amenazador.

De este modo, “Apocalypto” es uno de los mejores filmes de acción y aventuras que un servidor ha visto en mucho tiempo. Visceral, lleno de ritmo, tremendamente entretenido y muy bruto. Lleno de la energía y potencia visual y narrativa a la que Gibson nos esta acostumbrando con su cine y acompañado en esta ocasión por una eficaz música del a veces irregular James Horner y una espectacular fotografía de Dean Semler.

Si no tenemos en cuenta su falta de rigurosidad histórica (y posiblemente, aun teniéndola en cuenta), “Apocalypto” es una de las mejores obras que nos han llegado en lo que llevamos del 2007, y que hace que esperemos ansiosos un nuevo trabajo de Mel Gibson tras las cámaras, una vez que ha demostrado ser un perfecto dominador del lenguaje cinematográfico a la altura de los mejores.
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