30 de julio de 2007
R.I.P: INGMAR BERGMAN

Un cineasta singular. Adorado e imitado por Woody. Amante de lo trágico y lo existencial. La vida y la muerte. Dios. La religión. El mal. La mujer. El psicoanalisis. Una partida de ajedrez.

Dijo que su última película sería "Fanny y Alexander". Eso fue en 1982. Sin embargo, "Saraband", un tv-movie del 2003, estrenada en nuestro país, se ha convertido en la obra que cierra la carrera irrepetible de un creador admirado por un buen número de amantes del séptimo arte.

Su hija, Eva, ha dicho que su muerte, a los 89 años, ha sido "tranquila". Y así eran sus narraciones, para gusto o desesperación del espectador. El cine de Bergman se amaba o se odiaba, era gélido como lo es el clima de su país natal, pero su nombre y su figura son una parte importante e influyente de la historia del cine.

No ha esperado mucho tiempo para juntarse a Sven Nykvist, su fiel amigo y director de fotografía más habitual, apenas un año. Allí donde estén, seguirán rodando en blanco y negro.

"Persona", "El Séptimo sello", "Fresas salvajes", "La flauta mágica", "Sonrisas de una noche de verano" o "Un verano con Mónica", "Gritos y susurros", "El huevo de la serpiente" o "Sonata de otoño" son algunas de sus 62 películas.

Yo no soy el más indicado para profundizar en su carrera, ya que nunca fue santo de mi devoción, por eso os dirijo a "El dormitorio de Maud", la página de mi colega Daniel Quinn, que a buen seguro le dedicará un homenaje más preciso y apreciado.

El cine europeo, tras perder a Ulrich Mühe y ahora a Bergman, está de luto.
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28 de julio de 2007
FOTO DE FAMILIA

Esta mañana me he levantado, he encendido el ordenador y me he encontrado con esta foto de familia. Una manera inmejorable de comenzar el día.
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26 de julio de 2007
LAS BANDAS DEL FIB EN LAS BANDAS SONORAS (II)

RUFUS WAINWRIGHT: Rufus demostró su poderio, personalidad y talento en su actuación en Benicassim. Con un traje imposible que reunia todos los colores existentes, el bueno de Rufus comenzó por todo lo alto interpretando “Release the Stars”, uno de los temas más populares de su último y homónimo álbum, el cual revisaría casi al completo. Con o sin piano, Wainwright corroboró eso que todos sabemos, que su voz es magnifica, que sus composiciones lo son todavía más y que su figura es la de un todopoderoso “mesias gay”. No hay más que ver su cabaretera finalización del concierto, cantando al playback “Get Happy” con medias, tacones y los labios bien rojos,
La relación entre Rufus y el cine se remonta a los comienzos del artista, cuando su versión del “Hallelujah” de Leonard Cohen (que interpretó en el FIB) apareció en la banda sonora de “Shrek” y su precioso tema en francés “Complainte de la Butte” hacia lo mismo en “Moulin Rouge”. Y siguiendo con las versiones, fue uno de los elegidos para versionar a Los Beatles en la banda sonora de “Yo soy Sam”, donde concretamente versionó el mítico “Across the Universe”, y también colaboró en “Zoolander” con su particular visión del “He Ain't Heavy... He's My Brother “.
"Le Roi d´ys” y “Banks of the Wabash” sonaban en la independiente, “The Myth of the fingerprints” con Julianne Moore y Noah Wyle e inedita en España, “Cigarrette and chocolates milk” formaba parte de la edición de la bso de “The Last Kiss” el remake americano de la peli de Gabrielle Muccino y además, se metía más de lleno en el mundo del séptimo arte de la mano de Martin Scorsese, que le daba una pequeña aparición en “El Aviador”, haciendo lo que mejor sabe, cantar. El tema para la ocasión era “I'll Build a Stairway to Paradise” de Gershwin.
Y la cosa no queda ahí. Un icono gay como Rufus no podía dejar de tomar parte en “Brokeback Mountain”, para la que compuso el tema, “The Maker Makes”.
Su último contacto con el cine, hasta la fecha, ha sido componer dos temas para Disney en la peli animada “Descubriendo a los Robinsons”, “Another Believer” y “The Motion Waltz”. ¿Es o no es Rufus un todoterreno?

AMY WINEHOUSE: La chica mala del momento, que en Benicassim me mostró tímida, contrarrestando su encogimiento con su potente voz y sus pegadizos temas de “Back to black”. Lejos quedaba, por tanto su imagen de niñata contestona que mandó callar al mismísimo Bono de U2, que le propinó un puñetazo a una seguidora o que apareció borracha en un programa de televisión. Dos negros bailones, que no dejaron de moverse en ningún momento completaron un espectáculo que se puede colocar entre lo mejor del FIB de este año. No faltaron, claro está, "You Know I'm No Good" o“Me and Mr. Jones”. Hablando de Jones, Amy Winehouse tiene su única participación en las bandas sonoras de cine, en la segunda parte de las aventuras femeninas de Bridget Jones, para la que versionó el tema de The Shirelles, “Will You Love Me Tomorrow”.

KINGS OF LEON: Los hermanos y primos Followill, llevaron su rock de raíces americanas a esta edición de Bennicasim, actuando en el Escenario verde, justo después de The Hives y antes de Black Rebel Motorcycle Club (“ahí es ná”) y dejaron buen sabor de boca. Repasaron su último álbum, “Because of the times” y recordaron algún éxito pasado como “Molly´s chambers”, que junto a “Holy Roller Novocaine” y “California Waiting” sonaba en la comedia de los Farrelly, “Pegado a ti”.
Y solo en comedias se les ha podido escuchar, porque “Holly Soller Novocaine” se pudo oír en “Pasado de vueltas” del amado u odiado Will Ferrell. Son jóvenes y lo llevan en la sangre, que es la misma para los cuatro.

ANTONY AND THE JOHNSONS: Lo de Antony fue la gran decepción de este FIB. Todos esperabamos ansiosos su actuación y poder escuchar en directo su personal voz que tan buen resultado dio, poniéndonos los pelos de punta en “I´m a bird now”. Pues bien, no fue así. Antony apareció en el escenario descentrado, se mostró inestable e inseguro, desapareció en una de sus mejores canciones, “Hope there´s someone” y no dio en ningún momento síntomas de tranquilidad, a juzgar por sus movimientos y la cantidad de veces que agitó extrañamente la mano y miró a sus músicos. Y todo ello sin mencionar su figura, más rechoncha y asexuada de lo que aparentaba en las fotos promocionales.
De la mano de Isabel Coixet, en “La vida secreta de las palabras”, Antony sonó fuerte en nuestro país, gracías a “Hope there´s someone” y Natalie Portman y el justiciero V, bailaron al son de “Bird Gerhl” en uno de los pocos momentos íntimos de “V de Vendetta”. Esperemos que Antony no se vea superado por su propia fragilidad
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25 de julio de 2007
R.I.P: ULRICH MÜHE

Una mala noticia para el día de hoy. Según el diario Bild, el actor alemán Ulrich Mühe, al que recientemente vimos en la maravillosa "La vida de los otros", encarnando a ese frio oficial de la Stasi que acababa conmocionando al espectador, falleció el pasado Domingo día 22, victima de un cancer estomacal.

Alta Films, distribuidora en nuestro país de esa joya que es "La vida de los otros", que como ya sabreís fue la última ganadora del Oscar a la Mejor Película de Habla No Inglesa, ha sido la que se ha encargado de enviar la nota de prensa informando de tan triste hecho.

Mühe, de 54 años, fue operado en Berlín días después de la ceremonia de los Oscars, y trás ello, con su enfermedad en fase terminal, se desplazó a Walbeck, la localidad natal de su familia.

Su personaje del agente Wiesler o HGW X/77 quedará para el recuerdo como una de las mejores interpretaciones que se han visto en los últimos años y como uno de los personajes más emotivos que ha generado el cine reciente. Aunque también será recordado como ese padre de familia que aguanta todo tipo de vejaciones por parte de dos chavales en la violenta e incomoda, "Funny Games" de Michael Haneke.
Mühe era toda una institución en Alemania, donde era uno de sus más importantes actores teatrales y televisivos.
Una pena.
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24 de julio de 2007
LAS BANDAS DEL FIB EN LAS BANDAS SONORAS (I)


THE HIVES: Los suecos, liderados por Pelle Almqvist, un tipo imparable con un rostro a medio camino entre el Alex de “La naranja mecánica” y la gesticulación de Jim Carrey, se ganaron a pulso el ser los mejores en el Festival Internacional de Benicassim 2007. Ellos mismos se auto-adjudicaron ese galardón en el transcurso de su actuación, en la que Pelle, “conquistó” al personal a base de trepar y chapurrear castellano. Sus participaciones en las bandas sonoras se limitan a dos cintas para el público joven. Una de ella, “Admitido”, comedia con Justin Long (al que pronto veremos acompañando a Bruce Willis en “La Jungla 4.0”) dirigida por Steve Pink, el productor de “Alta Fidelidad” y un blockbuster rompedor como fue “Spiderman”, en el que consiguieron colar su mayor hit hasta la fecha “Have to say i told you so”.


ALBERT HAMMOND JR: Su actuación en el FIB resultó escasa e incluso insatisfactoria por ese corte imprevisto de luz en medio de uno de sus mejores temas, “Back to the 101”. Sin embargo tuvo tiempo para demostrar que The Strokes, su banda, no acaba en Julian Casablancas, y que su disco, “Yours to keep” es una delicia y que sus nuevos temas tienen una vena mucho más rockera. Sus incursiones en el mundo del cine van unidas a las de The Strokes. Al igual que The Hives, aparecieron en, la muy vendida, banda sonora de “Spiderman”, con el tema “When it Started” y posteriormente, Sofia Coppola los requirió para imprimir ese toque de modernidad que tanto le gusta a “Maria Antonietta”, su personal retrato de la díscola reina, con el tema , "What ever happened".

THE B-52´s: La mítica y colorista banda neoyorkina, que parece salir siempre de casa con unas vestimentas asesoradas por los dibujantes Hanna-Barbera, tiene, no por casualidad, su más famosa colaboración en la gran pantalla, con el tema “(Meet) The Flinstones” que compusieron para la película de “Los Picapiedra”, en la que también aparecían interpretando el tema “Bedrock twicht”. Su música, de ecos sesenteros, roqueros y ye-ye cuadraban a la perfección en “Las chicas de la tierra son faciles” con Geena Davis y Jeff Goldblum, gracias al tema “Shake that cosmic thing”, en “El cantante de bodas” de Adam Sandler con “Private Idaho”, o en “Mistery Men” de la que podrían haber sido unos protagonistas impecables. Su “Love Shack” ha sido usado en numerosas ocasiones (“El Sol Naciente” o “Frankie y Johnny”) e incluso las cintas más infantiles, “The Rugrats; La película” y “Pokemon 2000”, se han acordado de ellos. Y lo más sorprendente es que todas parecen películas diseñadas por y para las canciones de esta banda con nombre de bombardero americano.

MUSE: Su concierto fue grande, como el espectáculo técnico que llevaban preparado. Para unos puede ser excesivo para otros, maravilloso, pero sobre todo es tan ampuloso como la intensidad de sus guitarras y sus temas, que parecen no concebir una puesta en escena menor que la que enseñan. Muse en el cine, va de la mano de Danny Boyle, quien ha hecho de su tema “Shrinking Universe” un modo de recordar a la saga iniciada con “28 días después” y continuada ahora con “28 semanas después”, y que también introdujo dos temas del disco “Absolution”, concretamente “Blackout” e “Hysteria” en la intimista “Millones”. El resto de su aportación musical al cine se completa con “Cave” dentro de la comedia de Adam Sandler, “Little Nicky” y el tema “New Born” en la peli de acción informática, “Operación Swordfish”, en la que John Travolta rivalizaba con Hugh Jackman, mientras Halle Berry leia sostenía un libro sobre su propio torso y durante las trepidantes escenas de persecución de la tramposa, "Alta Tensión".

KIKO VENENO: En un festival cada vez menos español y más inglés (un 65% de ingleses y un 12% de franceses del total de asistentes), la presencia de la guitarrita y el simpático arte del canoso Veneno hizo recordarnos a todos que seguíamos en España y que no habíamos viajado a Glastonbury. Entre “Joselito” (el de la voz de oro) y “Volando Voy”, Kiko recordó que está muy bien eso del cariño y de este modo, el personal se entrego al flamenquito más patrio y gozoso.
Kiko es una institución y tiene hasta una película reciente con el nombre de una de sus canciones, “Volando Voy”, ese libre biopic de “El Pera” famosos delincuente juvenil, dirigido por Miguel Albaladejo, en la que por supuesto sonaba su no menos famosa canción.
Alberto San Juan, Paz Vega, Guillermo Toledo, Natalia Verbeke, Ernesto Alterio y Maria Esteve pusieron, de nuevo, de moda “Echo de menos”, gracias al musical, “El Otro lado de la cama”, un enorme taquillazo del cine español, igual que “Torrente 3”, para el que Kiko compuso el tema homónimo;“Torrente”. Eze arte, quillo!

Mañana más!
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16 de julio de 2007
CINE DE VERANO; "NEXT"

Se llama: "Next"
Es del año: 2007
El que manda: Lee Tamahori
Los que aparecen: Nicolas Cage, Jessica Biel, Julianne Moore
El que compone: Mark Isham
Los que ponen los dólares: Revolution Studios y el mismico Nicolas Cage

Al igual que "Deja vú" y "Minority Report", "Next" ofrece la posibilidad argumental de anteponerse a los hechos para así elaborar un thriller, mayor o menormente cercano ,al cine de acción y el que una figura masculina protagonista sea el centro de la trama, ya sea victima, heroe o una mezcla de ambas.

Basado en un relato corto de Phillip K.Dick al igual que la citada cinta de Spielberg e inclinandose más por la acción que por la ciencia-ficción, muy al estilo de la también citada cinta de Tony Scott con Denzel Washington, "Next" es un entretenido producto, repleto de tópicos que uno parece saberse de memoria, pero que dirigidos con oficio por alguien como Lee Tamahori (el mismo que hace unos meses se vistió de mujer y salió a la calle dispuesto a hacer una felacion a un policía vestido de paisano) no dejan de ser resultones, garantizando un buen rato de evasión.

Como no podía ser de otro modo, entre amenazas nucleares y terroristas peligrosos, hay historia de amor de por medio, para así dar jugo a la acción. Jessica Biel es la inocente enamorada que se mete en el lio de mafias rusas y FBI sin comerlo ni beberlo, y todo, por caer rendida a los encantos de un mago, como ya hacía en "El Ilusionista", que aquí interpreta Nicolas Cage, que además de mago, puede ver el futuro dos minutos más allá de la realidad.

Un Nicolas Cage que intenta parecer un heroe joven, guay y enrollado a través de una imposible y porque no decirlo, horrorosa, calva melenuda, tan solo a la altura del bigote canoso que lucía en "World Trade Center" y ese peluquín que gastaba en "Ghost Rider". Igual que cuando Emilio Aragón se dejo melena para "Javier ya no vive solo".
También anda por ahí, Julianne Moore, en el típico papel de agente del FBI, fria y masculina, que siempre parece hecho para ella.

Un film de consumo fácil y rapido de apenas hora y media, ideal para disfrutar del aire acondicionado de la sala sin tiempo para el arrepentimiento. Una cinta de acción clásica (es innegable que el cine de acción está volviendo a los 80, no hay más que ver "Transformers" o esperar a "La Jungla 4.0"), con algunos excesos visuales propios del género, para el lucimiento de los efectos especiales y de su actor y también productor Nicolas Cage.


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12 de julio de 2007
"CARNIVÀLE", CUANDO LA TV SUPERA AL CINE

Antes del inicio, después de la gran guerra entre el cielo y el infierno, Dios creó la tierra y dio dominio sobre ella a ese primate habilidoso al que él había puesto como nombre “Hombre”.
Y en cada generación de humanos, nació una criatura de luz y una criatura de oscuridad. Y grandes ejercitos se enfrentaron de noche en la antigua guerra entre el Bien y el Mal…

En una época pasada en la que la necesidad de un líder, de alguien que proporcionase aliento, esperanza y fuerza a una sociedad derrumbada, como era la Gran Depresión Americana, y en unos días, presentes, en que el cine se parece cada vez menos a ese ejemplar vehículo de contar historias que todos conocíamos y la pequeña pantalla suple las carencias de fondo de la industria del séptimo arte, con elaboradas narraciones, se situa “Carnivalè”, una fabulosa producción de la HBO, creada por Daniel Knauf y que consta de 2 temporadas de 12 episodios cada una.

“Carnivàle” es la historia de un circo ambulante y los habitantes de su pequeño universo, y paralelamente, también, la de dos hermanos, Justin e Iris, fieles a los mandatos del señor. El hambre, pobreza, mortalidad y religión son los protagonistas secundarios de este enfrentamiento entre el bien y el mal, en ese marco temporal, en el que los habitantes de la Norteamérica más profunda (aquella que recorre el circo ambulante) deambulan en la más absoluta miseria y que parece idóneo para que este levantamiento de proporciones bíblicas transcurra medianamente desapercibido a ojos de la sociedad.

Con un ritmo pausado y una narración “in crescendo”, “Carnivàle” se muestra hipnótica ante el espectador. Su maravilloso diseño de producción, rodado casi en su totalidad en exteriores (y que llevaron a la serie a su cancelación), sus personajes, estupendamente escritos y descritos por unos guiones inmejorables, la música de Jeff Beal, así como algunos de los nombres que figuran en la realización de determinados capítulos; Rodrigo García (“Nueve vidas”, “Cosas que diría con solo mirarla”), Todd Field (“En la habitación”, “Little Children”) o Peter Medak (“Al final de la escalera”) hacen de “Carnivàle” una serie de altísima calidad, algo que ya se desprende tan solo viendo sus títulos iniciales.

Es imposible no ceder ante la perfección técnica y artística a la que rayan ciertos episodios y que en su segunda temporada alcanzan cotas inimaginables de suspense e interés. La quietud de muchos capítulos contrasta con esa atmósfera de temor y turbación que sobrevuela en toda la serie. “Carnivàle” es sucesora del universo de David Lynch (Michael J.Anderson, actor habitual de Lynch, es aquí el enano Samson, motor del circo y personaje con mayúsculas), del cine de Todd Browning y en concreto de su “Freaks, la parada de los monstruos”, y me atrevería a decir que en sus pasajes más clásicos al cine de John Ford.
Al mismo tiempo “Carnivàle” se muestra como una de las obras audiovisuales más certeras sobre la Depresión Americana, no envidiando en absoluto a “Luna de papel” de Bogdanovich o “Las uvas de la ira” del ya citado Ford, y es que entre el descubrimiento de dos seres dotados de un don especial para su utilización positiva o negativa, “Carnivàle” es una radiografía de aquel doloroso momento. Las canciones populares de entonces, la importancia de la radio por encima de otros medios de difusión, el béisbol, los intereses políticos, la fe en la iglesia, por supuesto, la crisis económica (desarrollada principalmente en la familia de las bailarinas de striptease del circo), el cine, el sexo y el circo como medio de evasión.

En cuanto al apartado interpretativo, el casting y sus sucesivas interpretaciones demuestran el extremo cuidado con el que se ha tratado la serie. Desde Samsom, el jefe enano del circo con una personalidad tan grande como pequeña es su estatura, pasando por Ben Hawkins (un nombre para la historia de la televisión), encarnado por Nick Stahl (“Terminador 3”), Adrianne Barbeau, la encantadora de serpientes (durante muchos años esposa y actriz de John Carpenter), Jonesy, (Tim DeKay) atormentado ex-jugador de béisbol, Clea Duvall (ahora en "Heroes") encarnando a la insegura Sofie y sobre todo, la pareja de hermanos formada por Amy Madigan (esposa en la vida real de Ed Harris) como Iris, y Clancy Brown (el malvado jefe de prisiones de “Cadena Perpetua”), inconmensurable como el Hermano Justin, con su potente voz al servicio de monólogos y discursos apocalípticos y con una dualidad en su persona aterradora.

Planteada, a priori, como una serie de 6 temporadas, el enorme presupuesto que requería “Carnivàle”, rodada en exteriores, y de impecable factura técnica, unido al descenso de espectadores en su segunda temporada, allá por 2005, llevaron a la HBO a la cancelación prematura de la serie, sin apenas margen de maniobra. Por ese motivo, “Carnivàle” acaba con la historia principal consumada pero con una subtrama abierta o inconclusa, que daría para una tercera y cuarta temporada, aunque no por ello, insatisfactoria.

Drama y fantástico van de la mano en “Carnivàle” que sin duda, es una de las series más excelentes que se hayan podido ver en la pequeña pantalla además de la más cinematográfica de todas. Una serie que no busca el efectismo fácil ni tiene prisa por complacer al espectador. Una serie calmada gracias a su guión atento y tranquilo, que va paso a paso desarrollando una historia realista, terrible, desoladora y genial. Una serie imprescindible.
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8 de julio de 2007
CINE DE VERANO:  "EL REY DEL JUEGO"

Se llamaba: "El Rey del Juego" (The Cincinnati Kid)
Era el año: 1965
El que "mandaba": Norman Jewison
Los que aparecian: Steve McQueen, Edward G.Robinson, Ann-Margret,Karl Malden, Rip Torn.
El que compuso: Lalo Schifrin
Los que ponían los dólares: MGM

Steve McQueen era la estrella del evento, encarnado al Cincinnati Kid al que aludía el título original y a ese "rey del juego" al que hace referencia la traducción española. Y ese juego no era otro que el Poker, siendo "El Rey del Juego" junto a "El Golpe", la película más conocida en lo que a apuestas, retos en tapetes, barajas y duelos de miradas se refiere.

Un McQueen en pleno auge, posterior a "La Gran Evasión" y previo a "Bullit", componía a un impasible y talentoso aunque frágil jugador en esta cinta en la que sobrevuela constantemente el miedo a la derrota, no solo en el juego, sino también en el apartado sentimental, en el que la sex-symbol, Ann Margret y la joven Tuesday Weld (nominada al Oscar en "Looking for Mr. Goodbar" y vista en "Erase una vez en America") se disputaban el cariñó de McQueen.

Su rival, un otoñal Edward G.Robinson, que venía de hacer otra cinta divertimento con estrella incipiente de por medio como era "El Premio" muestra aquí elegancía y seguridad en el juego frente al impetuoso McQueen. Un irrepetible duelo de altura.

Ni que decir tiene, que lo mejor de "El Rey del Juego" son sus momentos alrededor de la partida cumbre que enfrenta a los dos grandes jugadores de poker, a diferencia de sus momentos románticos,menos interesantes y un tanto pasados de moda. La tensión, la ambición y la derrota son perfectamente transmitidas al espectador por el buen hacer de Norman Jewison, que se basa en el juego de miradas de estos dos magníficos actores para garantizar la emoción en la partida, así como también en los intereses económicos y amorosos de Rip Torn y el grandisimo secundario Karl Malden.

Nueva Orleans, el soul, el pequeño papel de Cab Calloway, la música de Schifrin (no tan presente como otras de sus míticas partituras) y su acertado final, completan está encantadora obra, que merece la pena revisar aunque haya quedado a la sombra de obras maestras del género como "El Golpe" o "El Buscavidas".

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7 de julio de 2007
7 del 07 del 07 EN "El 7º CIELO"




Hoy es el día del número siete. Para algunos, día de fortuna y suerte, para otros, un día más de este caluroso verano, para los pamplonicas, día de un nuevo arranque de los San Fermines y para "El Séptimo Cielo" un día que no podiamos dejar pasar sin publicar post alguno.


En el día 7 de un mes 7 y un año 7, estas son algunas de las películas que llevan ese número por título...

"Los Siete Samurais" (1954) Akira Kurosawa
"Seis días, siete noches" (1998) Ivan Reitman
"Siete novias para siete hermanos" (1954) Stanley Donen
"Se7en" (1995) David Fincher
"007 contra el Dr.No" (1962) Terence Young
"Siete días y una vida" (2002) Stephen Herek
"Los Siete Magníficos" (1960) John Sturges
"El Regreso de los Siete Magníficos" (1966) Burt Kennedy
"La furia de los Siete Magníficos" (1969) Paul Wendkos
"Blancanieves y los siete enanitos" (1937) David Hand, Walt Disney
"El Séptimo Día" (2004) Carlos Saura
"Siete años en el Tibet" (1997) Jean-Jacques Annaud
"El Séptimo Cielo" (1937) Henry King
"Siete días de Mayo" (1964) John Frankenheimer
"El Séptimo Sello" (1957) Ingmar Bergman
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3 de julio de 2007
LAS 28 SEMANAS

Lejos de limitarse a ser tan solo el nombre que figure en la realización de la secuela de “28 días después” como una especie de sosias de Danny Boyle, el canario Juan Carlos Fresnadillo, ha tirado de oficio y de talento hasta conseguir que su nombre y apellidos trasciendan como uno de los grandes aciertos de “28 semanas después”. Y nosotros, los españoles, estamos si cabe más sorprendidos y orgullosos de Fresnadillo, por demostrarnos que un director del panorama nacional (ese que está tan de capa caída últimamente) se defiende tan por encima del presupuesto y la propuesta visual que requería esta secuela.Y eso, a pesar de que nosotros, fuésemos testigos de su estupenda puesta de largo en el largometraje como fue “Intacto”, que ya dejaba entrever las inquietudes y el buen hacer del canario.

En “28 semanas después”, Fresnadillo se muestra tan vivo, visceral y contundente como se mostraba Boyle en esa primera entrega que fue capaz de resucitar el cine de zombies. Con una secuela muy bien planteada desde su creación (el guión es del propio Fresnadillo junto a Jesús Olmo, Enrique López Lavigne y asesorados por Rowan Joffe), esta continuación contiene un inteligente enlace con su film predecesor que permite el desarrollo de una nueva historia provista de interés y que además se permite el lujo de abrir nuevas vías para sucesivas entregas. “28 semanas después” es, por tanto, una secuela bien proyectada y ejecutada, y un buen ejemplo de cómo construir una secuela que funcione con y sin su film original, sin fracasar en el intento.

Con un arranque tremendamente agresivo, Fresnadillo atrae rápidamente la atención del espectador y entronca sabiamente ambas partes. La presentación de una familia que es devorada por los portadores del letal virus y el dilema de un padre (Robert Carlyle) que entre salvar a su esposa o escapar, elegirá la segunda opción, abre una vía familiar, vengativa y trágica de propagación del virus. 6 meses después de ese hecho, uno de los tantos sufridos en Inglaterra por esa infección, la cuarentena se ha implanta en la sociedad y un código rojo de aniquilación indiscriminada sobrevolará Londres ante el temor de una nueva plaga.

“28 semanas después” no se distrae y va al grano en todo momento. Es tan brutal y despiadada como lo era “28 días después”. Su cámara es epiléptica para la tensión y reposada en todo lo demás. Es tan entretenida o más que la cinta de Boyle y contiene todos los elementos y situaciones del cine de zombies (aunque en este caso no sean muertos vivientes al uso). La presencia militar, que en “28 días después” cambió, la historia, de tercio desafortunadamente, es aquí utilizada como posibilidad de escape para los protagonistas y leve y soterradamente como denuncia política a la presencia de Bush y compañía en Irak.

La dirección de Fresnadillo instala el terror y el nerviosismo en la sala de cine. La introducción en la historia de esa familia machacada por el virus, da pie a Fresnadillo a utilizar al dolor, la tragedia, la perdida, como vehículos de su narración, aunque siempre interrumpidos por la acción, por la mortal persecución del humano infectado al que no lo es, evitando así que el espectador tenga respiro alguno y que permanezca en tensión constante.

Visto lo visto, parece que con Fresnadillo tenemos a un director de género para rato. El siguiente paso sería el de continuar en la industria internacional, pero con una obra de autoría propia, con la que confirme los buenísimos augurios dejados con “28 semanas después”, una cinta francamente entretenida y a la altura del original.

(P.D; De nuevo "chapeau" para la utilización de la música de John Murphy y también a esa camiseta del Real Madrid que viste el hijo de Robert Carlyle durante unas cuantas secuencias)
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