30 de mayo de 2010
DENNIS HOPPER EN SIETE APUNTES

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1. ABRIENDOSE PASO EN EL CINE: Pequeños papeles en grandes películas. Es posible ver a Hopper en títulos como “Gigante”, “Rebelde sin causa”, “Duelo de titanes” o “La Leyenda del Indomable”, aunque en algunas de ellas haya que agudizar la vista para encontrarlo.

2. EASY RIDER: La película que definitivamente cierra el cine clásico e inicia una nueva era en Hollywood. Estrenada en un momento clave en el cambio de los EEUU,1968, "Easy Rider" significa rebeldía, drogas, rock, libertad, sexo, paz y hippismo. Hopper no solo protagoniza, sino que también escribe y dirige esta película que siempre irá unida a Steppenwolf y su “Born to be wild”. Junto a él, Peter Fonda y Jack Nicholson


3. MOTERO SALVAJE: No son pocas las líneas que le dedica Peter Biskind en su libro “Moteros tranquilos, Toros Salvajes”. Tres ejemplos;

-El satánico Charles Manson quería que Hopper protagonizase la versión cinematográfica de su vida
-En una fiesta Hopper apuntó con el dedo al anfitrión, el productor David O´Selznick mientras rezaba: “Nosotros vamos a enterrarte, nosotros vamos a tomar el poder, estás acabado”,
-Durante el rodaje de “Valor de Ley”, John Wayne acabó odiando a Hopper hasta el punto de aterrizar en el set en helicóptero en busca de Hopper con toda su ira desatada; “¿Dónde está ese maricón de Hopper?”, “Quiero a ese rojo cabrón, ¿Dónde se ha escondido el muy comunista?”. Hopper estuvo escondido en una caravana ajena hasta que Wayne se fue.

4. ALCOHOL, DROGAS Y MUJERES: Como buen exponente de la época que le toco vivir, Hopper fue amante de los excesos y se autoproclamó como uno de los inventores de la nueva era hollywoodiense; “Yo llegué antes que todos los demás. Vi llegar a Lucas y a Spielberg y a Scorsese. Después; diecisiete años en los que no pude hacer nada, me impidieron hacer cine”. Los directores que trabajaban con él planificaban los rodajes según las drogas que tomaba y sus efectos. De esta manera no rodaban sus escenas después de comer (cuando el alcohol le hacía efecto) o le indicaban la droga a consumir según la intensidad de la escena a grabar.

5. PINTOR Y FOTÓGRAFO: Hopper fue un buen retratista de la los 60, tanto con la cámara como con el pincel. Sus cuadros y fotografías han sido expuestas por todo el mundo incluyendo una reciente retrospectiva en Paris, "Dennis Hopper and the New Hollywood" . Existe un libro de Taschen que editaba sus fotos y que podéis ojear aquí


6. VILLANO:
Se le daba bien hacer de malo de la película. Lo recordamos especialmente en “Terciopelo Azul” de David Lynch, en “Waterworld”, “Speed”, “Amor a quemarropa” o porque no, la versión cinematográfica de "Super Mario Bros".

7. SIETE VIDEOS DE HOPPER: Un gran actor en todo su esplendor. Descanse en paz.

- Hopper en "Apocalypse Now"
- Hopper en "Amor a quemarropa"
- Hopper en "Terciopelo Azul"
- Hopper en "Speed"
- Hopper en "Easy Rider"
- Hopper en "La leyenda del indomable"
- Hopper en "Waterworld"

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27 de mayo de 2010
LIVE TOGETHER, DIE TOGETHER


Algunos sienten indignación, otros intentan ordenar las sensaciones provocadas. La mayoría experimenta el vacío. El último episodio de “Lost” ha revolucionado a todos sus seguidores siendo fiel a sus principios más elementales; emocionar y proponer una nueva y controvertida senda, esta vez sin continuidad lo cual entendemos que pueda llegar a enojar a los millones de espectadores que esperaban encontrar las tan ansiadas respuestas de la enigmática serie.

Lost” cierra su círculo homenajeando a los que han sido sus verdaderos protagonistas, más allá de islas, electromágnetismos y osos polares; los personajes. Porque, en realidad, la serie comenzó como tal. Los capítulos 6x17 y 6x18 son un evidente tributo a todos los que viajaron en el Oceanic 815 o simplemente ya estaban allí. Seres que han marcado nuestras vidas durante seis años y que ahora se despiden no sin llegar al abrazo más íntimo con el espectador que depositó la confianza en ellos en un apabullante torrente de sensaciones como pocos productos audiovisuales actuales son capaces de generar.

Dijo Jacob a los últimos candidatos existentes que los había elegido por estar solos en sus vidas y decía Christian Shepard a Jack en los últimos minutos de la season finale: “La parte más importante de tu vida fue la que pasaste con esa gente. Por eso estais todos aquí. Nadie lo hace solo, Jack”. Paradójicamente este final contrasta con aquella frase del sufridor médico en el cierre de la segunda temporada; "Vivir juntos, morir solos" y que daba nombre al propio episodio. La pretensión de Cuse, Lindelof y compañia ha sido la de reformular esta máxima, inevitable para todos y cada uno de los seres del planeta, menos para (y he aquí la osadía de los guionistas) los protagonistas de "Perdidos".

El tan esperado final (es muy díficil acabar con unanimidad una serie de esta trascendencia) ha optado por tomar el camino de la fé (en sus personajes, en el misticismo de la resolución y en pasar olímpicamente de cualquier explicación científica) , en esa disyuntiva tan recurrente en la serie de J.J. Abrams entre ciencia y fé (de nuevo Jack y Locke y su "hombre de ciencia, hombre de fé"). De ahí que una ingente cantidad de fans hayan padecido la decepción al comprobar como los guionistas eligen el amor y el reencuentro por delante del ambicioso universo lleno de ramificaciones y preguntas sin resolver, que ellos mismos crearon. Haciendo un símil existencialista, es como obcecarse en entender el misterio de la vida menospreciando los momentos que esta nos brinda (tu primer beso, el nacimiento de un hijo, aquel regalo que te hizo tu padre o el mejor viaje que jamás hiciste). Atendiendo al desarrollo de la sexta temporada, era lógico esperar pocas soluciones y sí una confirmación de que la isla y sus guiños fantásticos y de ciencia-ficción no eran más que un McGuffin colosal o, porqué no decirlo, unas (benditas) argucias para alcanzar los 121 episodios y la media docena de temporadas protagonizadas por nuestros adorados personajes.

Es la explicación de los flashsideways (la única incógnita resuelta que contenía la season finale) tan presentes en la última temporada, la que suscita el debate y la polémica. Se trata de un momento bonito, una vez superada la sobrecogedora revelación. Asumiremos que antes o después nuestros personajes pasaron a mejor vida y que en el tránsito hacía ella, (llámalo limbo, llámalo X) hacía la luz que ponía el verdadero fin de sus existencias eligieron estar con quienes les proporcionaron sus mejores momentos, que son precisamente aquellos de los que fuimos testigos. Un cierre coherente con la idea inicial con que comenzó la serie,con el misticismo y los guiños biblicos que la salpicaron durante sus seis temporadas y que incluso los contertulios de Cuatro podrían comprender si rememorasen la muerte de Juliet en el último episodio de la quinta temporada y el primero de la sexta; uno muere (en este caso por la explosión de la bomba) y en su agonía elige ver aquello que más desea (una vida junto a Sawyer resumida en la cotidianidad de compartir un café) antes de cruzar el umbral que provoca la disolución absoluta en forma de puerta eclesiástica abierta por el primer "muerto" de "Lost", Christian Shepard.



"Lost" ha acabado llena de imperfecciones, sí, pero también tocando la fibra sensible de la audiencia como sólo las grandes narraciones pueden hacer. Lo ha hecho cíclicamente con una maravillosa recreación del arranque primigenio de este hito televisivo reforzada por el sobresaliente score musical de Michael Giacchino (la serie sin sus notas no tendría semejante calado) y cuyos bellisimos planos finales del atormentado cirujano protagonista quedarán grabados a fuego en todos nosotros como uno de los momentos más completos y conmovedores que ha parido la pequeña pantalla.
Entre medias, 6 años en que asistimos al cambio en la manera de acceder, ver, entender y deliberar un programa televisivo sin ni siquiera darnos cuenta de ello de tan preocupados que estabamos en que nuestro puño no apretase demasiado el corazón y nuestras lágrimas se secasen en el pañuelo adecuado.

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24 de mayo de 2010
NI ROBA NI REPARTE

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Ridley Scott se ha abonado a la monotonía. El que fuera director de “Blade Runner” acumula ya una serie de títulos que mantienen su estatus dentro de la industria gracias al gran empaque de cada nueva producción, pero en los que el realizador inglés demuestra constantemente que tiene poco o nada que contar.

Robin Hood es, al igual que “El Reino de los cielos” o “Un buen año” (y si me apuran, "American Gangster"), un producto cuya impecable magnificencia esconde una alarmante reiteración de ideas, escasez de emociones y realización insípida. Si cabe, esta adaptación del justiciero de los bosques es todavía más delictiva dentro de la carrera reciente del director de “Alien”, al entregarse este definitivamente a la tendencia irrespetuosa en la que Hollywood está instalada y en la que no existe desaprobación alguna a la hora de tomar grandes personajes cinematográficos y literarios como reclamo, traicionando posteriormente su esencia en favor de una taquilla inicial más que estimable y una probable franquicia a explotar.

El Robin de Ridley Scott, como la Alicia de Tim Burton es totalmente desconocido para el espectador. Ni roba a los ricos, ni se esconde en los bosques de Sherwood, ni se enfrenta al pertinaz Sheriff de Nottingham. Tras esta adaptación se esconde una inesperada precuela, una especie de “Robin Hood; Episodio 1”, donde guionista (Brian Helgeland) y director elaboran bajo un modelo manido las conspiraciones, relaciones y disputas épicas, nobles y medievales, confeccionando así un “Gladiator” de otra época y lugar.

No hay un ápice de riesgo en esta libre versión que basa todo su éxito en las interpretaciones de un casting trillado (Russell Crowe haciendo de Maximus Decimus Meridius con mallas, Cate Blanchett como Lady Maryan y Mark Strong en su enésimo papel de villano) y una dirección repleta de los lugares comunes con la Scott se ha asegura no fracasar. Sólo contemplar la madurez en pantalla de un actor como William Hurt al que hace años se le acusaba, precisamente, de falta de presencia en pantalla, y la vigencia de un veterano como Max Von Sydow compensan el costoso recorrido del espectador por estas dos horas y cuarto de épica descafeinada y anémica de emociones.

Llegados a este punto, es momento de darse por vencidos. Dejemos de buscar el talento del director de "Los duelistas", "Blade Runner" y "Alien", en sus nuevos trabajos, Ridley Scott está acomodado en el oficio y ya ni siquiera es capaz de hacernos vibrar con un personaje cuyas flechas por si solas siempre han sido sinónimo de aventuras y diversión.
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17 de mayo de 2010
CANINO: BUÑUEL ESTARÍA ORGULLOSO

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¿Es posible juntar en una misma película a Buñuel, Haneke y Shyamalan?. Lo que parece la mayor de las utopías cinematográficas es precisamente lo que ha logrado la película griega “Canino”, uno de esos títulos que surgen de vez en cuando con una capacidad inesperada para turbar, incomodar y remover al espectador.

La más extravagante propuesta del cine europeo reciente examina desde un punto de vista desviado, inusual y excéntrico el modelo de educación de la familia tradicional y la mentira como eje del poder, algo que ya exploró bajo un barniz de suspense y cine de época el director hindú Shyamalan en “El Bosque” y un tema candente que la sociedad ha debatido en los últimos tiempos tras salir a la luz pública sucesos como el del Monstruo de Amstettem.

En “Canino” un autoritario padre no duda en generar el propio y singular modelo de vida de sus tres hijos, que rondando la treintena jamás han salido al exterior (supuestamente lleno de peligros) ni experimentado otra cosa que los ejercicios físicos, el lenguaje y las relaciones sexuales que su progenitor estima oportuno.

De este modo, para los tres manipulados, ingenuos e infantiles hijos de la familia tienen una percepción de la realidad totalmente alterada donde los aviones son juguetes, los gatos los seres más peligrosos sobre la Tierra, un “coño” es una lámpara, el “mar” un sillón de piel con brazos de madera y un “zombie” una bonita flor amarilla.

Canino” cuenta con una puesta en escena propia de Haneke (especialmente “Funny Games”) y un uso del absurdo y un sentido del humor que no veíamos desde “El discreto encanto de la burguesía”. Es difícil aventurar si estamos ante una comedia o ante todo lo contrario, ni siquiera somos capaces de asumir hasta pasado un cierto tiempo tras la finalización de la proyección que es lo que provoca en nuestro cuerpo esta película, con un lenguaje tan arriesgado y poco frecuente para la racionalidad del espectador medio. La cinta griega cuenta con la cualidad de inquietarnos y al mismo tiempo atraernos, alternando entre la genialidad (la introducción de películas como “Rocky” o “Tiburón” en la vida de los personajes) y la locura más escalofriante (el baile de aniversario de las hijas de la familia, con guiño a de "El Resplandor" de Kubrick).


Galardonada con el premio "A certain regard" en Cannes y con buena acogida en Sitges, "Canino" es la más desconcertante sorpresa de la temporada. Una película lista para generar amor y odio a partes iguales y que será muy dificil quitarnos de la cabeza. Y es que las imágenes de Giorgos Lanthimos contienen un magnetismo que convierten a esta película en uno de los títulos más arriesgados y únicos que puede ofrecer el cine actual y del cual Buñuel estaría orgulloso.
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16 de mayo de 2010
PARECIDOS RAZONABLES: WILKINSON VS NADAL

Tarde de Domingo = tarde de deportes. Viendo que el final de Liga puede ser de todo menos emocionante, decido, entre la oferta televisiva de fútbol y tenis, seguir el partido del Open de Madrid entre Rafa Nadal y Roger Federer, lo cual me sirve para reparar en el enorme parecido que guardan Sebastian Nadal, padre del tenista mallorquín y el actor británico Tom Wilkinson, habitual secundario en películas como "Michael Clayton", "En la Habitación" o la reciente "El Escritor".
Denlé un par de años y unas cuantas canas al progenitor de Rafa y tendremos a un doble perfecto para el veterano actor.
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12 de mayo de 2010
ADIOS ANTONIO!


Es sanmpeña reuleta mostrofoso mas cariado que matineceo porque tuschas muschatuschas espantofas que te digo! espantifas!, sabes tú que yo no posanfiosa ya que ayer chindascolas por h o por b, más que estunanlas, el afortunado que ha retranguiado la maroja estancifo el escarceo. Tienes eso que julanpeas aunque wendas estruendas es...es verdad!!! Para que te iba a mentir si loperamas las cojillas antes nuertas que bendillas vulanguipos solanqueos baporeo de chantel, no hija no!.
Adios te digo hilanfoso relumbino careador, que has sido balontesco y ante todo minucastico y xilonente!
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6 de mayo de 2010
BLOCKBUSTER CON ALMA ROCKERA

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Dueño de un comportamiento compulsivo, propenso a la autodestrucción y con un narcisismo de manual; así es Tony Stark en palabras de la agente Romanoff (Scarlett Johansson) y tal y como ya lo conocimos en la primera entrega de esta adaptación comiquera donde Robert Downey Jr. logró dotar de entidad y frescura al superhéroe Marvel.

Una vez sentadas las bases del superhéroe en la gran pantalla y habiendo logrado un plus de confianza entre público y crítica gracias a las grandes dosis de cinismo y sentido del humor del personaje protagonista, esta secuela de “Iron Man” ofrece similares elementos que su predecesora pero en doble ración. En “Iron Man 2” hay exceso y abundancia como bien mandan los cánones del “cine veraniego” moderno; demasiados personajes (dos villanos, nueva secretaria), demasiadas subtramas (gubernamentales, personales) , abuso de los efectos especiales y mucho más humor que en su primera entrega. Es lógico que todo ello acabe lastrando al metraje de la película aunque gracias a ese crédito de confianza y simpatía logrado por la primera parte de la saga no llegue a afectar al aprecio adquirido por el espectador hacia el hombre de hierro.

En esta continuación, más de transición que de evolución, Tony Stark (Robert Downey Jr.) desvela ante la sociedad su condición de superhéroe al tiempo que delega la dirección de su emporio en su secretaria Pepper Potts (Gwyneth Paltrow). Más alterado que de costumbre, Stark tendrá que hacer frente no sólo a una incipiente contaminación física sino también a Ivan Vanko (Mickey Rourke), un ruso con sed de venganza y a las oscuras traiciones de Justin Hammer (Sam Rockwell).

Iron Man 2” mantiene intactos la falta de complejos y el espíritu festivo de su propuesta gracias a que la práctica totalidad del equipo técnico y artístico responsable del título anterior repite en la secuela, con el director Jon Favreau al frente y la inclusión del actor y guionista Justin Theroux (“Tropic Thunder”) en la escritura aportando principalmente mayores dosis de comedia a un guión no demasiado inspirado en todo lo demás. En realidad , este nuevo “guateque” marveliano es un blockbuster estival como cualquier otro, aunque su alma rockera de AC/DC, sus enfrentamientos en pleno circuito automovilístico de Montecarlo, la rivalidad entre actores rehabilitados que ahora son titanes y su alto índice de guiños televisivos (Larry King, Olivia Munn, "Mad Men") son elementos diferenciadores que la alejan de la multitud de grandes superproducciones de su especie.


A la saga Iron Man le queda cuerda para rato y volverá acompañada, como bien se encarga de apuntar con pequeñas referencias a lo largo de la película, de otros superheroes de la compañia Marvel en esa esperada adaptación llamada “Los Vengadores” que dirigirá Joss Whedon para ser estrenada en 2012.
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